Susanna Parigi - In differenze

marzo 2009

In differenze: un disco che non può lasciare indifferente

di Fabio Antonelli

“È un miracolo, né di più, né di meno. Il miracolo può essere di nostro gradimento o meno, censurato o meno. Ma resta pur sempre un miracolo… C’è qualcosa di commovente in questo progetto di Susanna… Straordinario perché non troviamo altre parole per questo album IN DIFFERENZE che sicuramente dà uno schiaffo all’indifferenza e insieme alle differenze (musicali, di pensiero, di percorso, di nazionalità, di scelte) cerca uno spazio, un luogo dove poter esistere”.

Con queste parole Vince Tempera nel 2006 descrisse questo nuovo disco di Susanna Parigi (ormai non più nuovo, è, infatti, di imminente uscita un suo nuovo lavoro) nel comunicato stampa di presentazione dell’intero progetto ed io, sottoscrivendolo in pieno, potrei una volta tanto chiudere immediatamente qui le mie considerazioni, però non mi riesce di non dire la mia di questo magnifico disco, purtroppo capitatomi tra le mani solo ora ed allora, procediamo nello smontaggio del giocattolo, un po’ come fanno i bambini curiosi.

Prima di cominciare voglio però sottolineare alcuni aspetti notevoli di questo progetto: la copertina che è una magnifica eloquente fotografia del fotografo brasiliano Sebastiao Salgado che ha ispirato a Susanna Parigi la canzone In differenze, brano che ha dato il titolo anche all’intero album; la voce splendida di Susanna Parigi capace sia di accarezzarti con delicatezza sia di scuoterti dal torpore o di affascinarti raccontando; i grandi musicisti che hanno collaborato alla realizzazione del disco da Pat Metheny a Tony Levin, passando per Ellade Bandini, Ares Tavolazzi, Flaco Biondini, il quartetto Picasso String e l’orchestra sinfonica di Sofia.

Tutto questo senza dimenticare la capacità di scrittura di Susanna Parigi, arguta osservatrice di sé stessa e della società, tutti elementi che hanno reso grande questo disco.

Ma veniamo all’ascolto vero e proprio del disco che si apre con Opera buffa canzone che inizia con un intervento degli archi che fa molto musica da camera per poi lasciar spazio al cantato arioso e limpido di Susanna ed ai suoi versi disincantati “Rido alla storia, rido alla memoria / rido…non compro il sistema m'ingoia / rido all'orrore della nuova economia…” e poi più avanti “Rido e mi pento di non aver ucciso / chi ha licenziato talento e sorriso, e quasi soffoco in questa mia risata”.

Percussioni e sonorità pop contraddistinguono il brano La fatica e la pazienza una sorta di lettera di Susanna a suo padre, che se lei avesse portato in una qualche edizione del Festival di Sanremo probabilmente avrebbe stravinto perché coniuga alla perfezione uno splendido testo “Dietro vicoli di pane, lungo fiumi d'ombra e sole, / acquaragia, terra rossa…mi insegnavi a colorare…/ La fine cambia verbi, / prospettive, angolazioni, lascia senza fiato, / sarà carico il futuro di tutto quello che mi hai dato” ad una musicalità ad una vena melodica che prende al primo ascolto. Toccante.

Vera perla di questo disco è poi Amada che vede all’opera in veste sia di esecutore sia di compositore della musica, quel geniaccio di Juan Flaco Biondini che tanti conoscono per averlo visto per anni all’opera al fianco di Francesco Guccini e che qui delizia con immaginifici e sognanti arpeggi donando un fascino ad un testo magistrale che ci descrive i momenti ultimi di preparazione della protagonista al grande passo del matrimonio con immagini come queste “Amada davanti allo specchio si spoglia e si scioglie i capelli, / prepara la festa nuziale, si vede già sposa all'altare. / Si dedica all'ultima notte e libera corre nel bosco, / si stende su un letto di foglie ed è pronta all'assedio del mondo”.

Con Più grandi di Dio, Susanna affronta un tema mistico, ma con sonorità a ritmo di valzer tipiche di un circo o di una giostra, il brano dopo un’apertura che vede in primo piano ancora gli archi ed una chiusura con la fisarmonica, ha questo bello incipit “Quello che ci fa / creature grandi a metà, / a metà tra cielo e terra, / sono le nostre mancanze, / la nostra innocenza incosciente, / quello che ci viene tolto, ce ci sarà tolto / del male che fa. Quello che si sa del grande inganno dell'età / siamo corpi senza pelle / e l'inverno completa il disastro, / del disco graffiato del mondo / è in questo che forse noi siamo / più grandi di Dio”.

Altro pezzo da novanta è In differenze, che dà il titolo all’intero lavoro e che affronta il tema delle tante differenze e delle tante sofferenze che caratterizzano questo nostro mondo con una melodia lieve ed affascinante e con un testo coinvolgente “Ci sarà / Un dio che passa e che si ferma / Ci sarà? / Con un biglietto di seconda classe andata poi ritorno / noi giriamo il mondo, e il mondo gira noi / in differenze di seconda classe che non sanno niente; / occhi d'occidente noi: / lungo i binari scorrono veloci restano lontani / dolori, stanchi e mani poi non ci sono più, / hanno lo sguardo di chi sta aspettando un treno che è in ritardo o che non passa più”.

Dopo tanta poesia e tanta sensibilità è il momento di un brano strumentale Una porta nel tempo di una bellezza strabiliante, degno del miglior Morricone e che lascia Susanna libera di vocalizzare mettendo i brividi. Senza parole.

Brusca virata per un pezzo Amore che m’invita decisamente pop e a tratti quasi rap, percussioni a dettare il ritmo e testo che dimostra un’abilità ed una confidenza con l’uso delle parole notevole “Espando la mia bocca perché di bacio avvolga; / disegno draghi e cervi sul mio corpo / perché possa al tuo passaggio cacciatore / essere preda. / Fiorisce la mia rosa, la mia rosa-trina / sotto il fresco filo della tua saliva-brina / e la mia lingua anguilla… / pesca, esca, esca, esca”. Chi mi ricorda? Quel giocoliere della parola che è Max Manfredi.

Una melodia delicata firmata da Pat Metheny e suonata in maniera egregia dalla stessa Susanna al pianoforte accompagna, invece, Di spazio perfetto, brano intimistico ed introspettivo che grazie alla “ripulitura” da ogni altra presenza musicale, se non quella del solo pianoforte e poi degli archi, mette ancor più in risalto il perfetto dominio vocale di Susanna oltre alla sua poeticità, ecco solo un esempio “Cedono le mura, si stringe l'alleanza / di una debolezza che confesso essere tanta, / siamo l'impero alla fine della decadenza / in questa immensa stanza”.

Sonorità elettroniche ci portano a False in cui Susanna, con la collaborazione del filosofo Umberto Galimberti, si esprime senza peli sulla lingua su chi sceglie di accettare il ruolo di donna oggetto in cambio del successo a tutti i costi e lo fa con lucidità “Labbrose come cocomeri, / tettose che di gomma scoppiano AH AH / False. / Votate a chiese mediatiche, / galline che si fanno aquile AH AH / False / Tenere si sa / sesso esposto senza qualità, / ma patetiche e ridicole / se proposte sulle prime pagine" e con la solita abilità vocale.

Brano d’amore, ma quasi sacrale è Dall’anima al corpo, introdotto in maniera perentoria da pianoforte ed archi e cantato con tonalità decisamente più alta quasi a farne un canto d’epico amore con il suo lirico testo “Sopra scogliere di ambra e cristallo, / volando sul manto del mio suono bianco, / nel vento eterno di una conchiglia, / nel suono-ricordo delle campane, / a stelle disperse su panni d'altare, / nel grembo infinito e nascosto degli anni, / nelle carni segrete dei santi, / tra schegge, rubini e diamanti”.

Un tambureggiare ed un coro gregoriano introducono il tetro ed ossessivo Una stagione all’inferno che s’apre così “I sassi, la carne e noi / i denti masticano vita, / e il flauto inganna la pace che si vergogna, / di noi cannibali di anime. / Saliva che annaffia il senso / e sesso ruffiano di natura che richiede carne sacrificale, / il male non arriva da destra o dagli altri / è rituale, è nota tenuta a mente dalle puttane indegne”. Resta il brano che mi piace meno, è forse eccessivo.

Con 42,3, introdotto da un recitativo di Flavio Oreglio, Susanna torna a guardarsi dentro o, meglio, a confrontarsi con un mondo circostante in cui non si ritrova “Io vivo in quei non colori che sono le sfumature, / io vivo nelle parole mai dette, sentite, / nel vuoto totale che la mente non sa immaginare. / Io vivo di mio fratello che non ho mai avuto, / in quello che poteva ma non è mai stato, / in quella coincidenza che è la probabilità di una vita” e lo fa con un brano che presenta aperture melodiche davvero belle, per nulla “fredde e calcolate” a dispetto del tema trattato.

Un carillon, il pianoforte che si intreccia con gli archi ed è magia per Valige che lasci, brano non cantato ma recitato con intimità e sensualità da Susanna e che si apre con questi versi “Le valigie sono sempre troppo pesanti / di quello che lasci, del cibo clandestino degli amanti, / degli alberghi tristi delle nebbiose albe alle stazioni, / delle inutili ovulazioni, / del tempo imposto delle distanze / di tutte le cose non fatte, / della rassegnata certezza / che la normalità sarebbe bella”.

Chiude Cinì Cinì splendido e solare brano corale, sospeso tra musica popolare e musica etnica che vede alternarsi un dialetto del sud Italia con una lingua africana, un brano che sicuramente sarebbe piaciuto al grande Pasolini, chissà magari l’avrebbe utilizzato a commento della sua sognata e mai realizzata Orestiade Africana.

Che dire di più per concludere, Susanna Parigi ha una voce stupenda ed è una brava scrittrice sia dal punto di vista letterario che musicale, si è circondata per questo lavoro di grandi nomi, il tutto è perfetto quasi fin troppo, forse avrebbe dovuto osare di più con brani come Di spazio perfetto, cioè con brani che vedono all’opera lei sola al pianoforte e solo qualche altro strumento perché lì, secondo me, emerge ancor più la sua grandezza.

Ma stiamo decisamente cercando il classico pelo nell’uovo, questo è un disco davvero imperdibile.

Susanna Parigi

In differenze

Sette Ottavi / Delta – 2006

Nei migliori negozi di dischi.

Tracklist

01. Opera buffa

02. La fatica e la pazienza

03. Amada

04. Più grandi di Dio

05. In differenze

06. Una porta nel tempo

07. Amore che m’invita

08. Di spazio perfetto

09. False

10. Dall’anima al corpo

11. Una stagione all’inferno

12. 42,3%

13. Le valigie che lasci

14. Cinì cinì

Crediti:

Susanna Parigi: voce, pianoforte e fisarmonica

Ellade Bandini: batteria

Ares Tavolazzi: basso e contrabbasso

Juan Carlos “Flaco” Biondini: chitarra

Elvis Fortunato: chitarre

Gianni Coscia: fisarmonica

Tony Levin: basso

Mario Arcari: oboe

Tamburi di San Marino

Quartetto Picasso String

Orchestra sinfonica di Sofia

Prodotto da Vince Tempera

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Peppe Voltarelli – La grande corsa verso Lupionòpolis, in equilibrio perfetto tra radici e internazionalità

di Fabio Antonelli

Lo scorso 30 gennaio è uscito il videoclip di “Au cinema”, secondo singolo estratto dall’ultimo disco di Peppe Voltarelli intitolato “La grande corsa verso Lupionòpolis” (Visage Music, 2023), che a buon diritto è entrato nella cinquina dei finalisti per la Targa Tenco 2023 nella categoria “Miglior album in dialetto” posizionandosi 2º nella classifica finale. Quale occasione migliore quindi per parlare con lui di questo disco come sempre accolto con entusiasmo da critica e pubblico.

Peppe Voltarelli - Photo [© Francesca Magnani] 

Vorrei approfittare dell'uscita del bellissimo videoclip di Au cinema, il secondo singolo estratto dal tuo nuovo disco La grande corsa verso Lupionòpolis. per cominciare l’intervista proprio da qui. Il videoclip ci presenta un Peppe Voltarelli che, unico spettatore di un film, ad un certo punto si alza, solleva il telo di proiezione e si trova egli stesso dentro il film che sta guardando, un film pieno di citazioni cinematografiche, con in mano una cinepresa Super8, protagonista lui stesso del film che stava guardando. Mi ha fatto tornare in mente Nuovo Cinema Paradiso di Giuseppe Tornatore, ma anche un po' l'istrionica follia di un altro grande uomo del sud come Carmelo Bene. Com'è nata l'idea del videoclip e, soprattutto, com'è nata la canzone che c'è dietro, con quel verso "e ire mo au cinema" (devo andare adesso al cinema), che ti si pianta dentro il cervello e non vuole più andarsene? Un'ossessione, un po' come il cinema per il protagonista...

L’idea del brano nasce da un ricordo di un mio caro amico che ama andare al cinema nel pomeriggio al primo spettacolo, quando la sala e semivuota, per assaporare in maniera privilegiata l’essenza del film ma anche per vivere con lo schermo e la sala un rapporto intimo ed esclusivo, direi spirituale. Il cinema quindi come esigenza fisica e mentale. Sulla base di questa ispirazione ho cercato la collaborazione con la scuola cinematografica della Calabria che ha messo a disposizione tutta la sua energia creativa scrivendo una sceneggiatura interessante e costruendo una bellissima scena all’interno di un cinema vero, dove tutti gli allievi attori della scuola hanno recitato ruoli citando capolavori del cinema.

Vorrei tornare al disco da cui e tratto, partendo proprio dalla copertina che ritrae il ponte di Brooklyn e tu di spalle, in basso che lo guardi da una terrazza. Credo sia un'immagine che rivendichi, quasi con orgoglio, il fatto di essere rimasto così affascinato dal mondo musicale newyorkese da aver voluto registrarlo lì, con un gruppo spettacolare di musicisti americani. E poi quel titolo La grande corsa verso Lupionòpolis, ora so che è una città del Brasile, ma solo dopo aver fatto una ricerca su Google, perché proprio Lupionòpolis? È forse una sorta di nuova Eldorado?

L’immagine della copertina è tratta da un frame del clip Nun signu sulu mai, girato quasi interamente a Brooklyn. Ho suonato la prima volta a New York nel 2002 e da allora non ho mai smesso di tornarci. Ho avuto la fortuna di incontrare artisti con cui ho condiviso tante bellissime esperienze e tratto motivazione e stimoli. La potenza simbolica di New York e la stratificazione culturale della città mi ha ispirato una nuova visione della mia terra, per questo ci tenevo a mescolare il mio dialetto con i ritmi della città e il suo blues, in questo mi ha aiutato molto la guida del mio produttore e arrangiatore Simone Giuliani che ha saputo cucire un vestito internazionale su misura alle canzoni. Lupionòpolis e un posto ideale dove ricominciare, rinascere, ritrovarsi, un luogo di famiglia, una stanza arredata con poche foto e pochi poster capace di evocare grandi traversate e grandi ritorni.

L'uscita del disco, se non ricordo male, era stata accompagnata dal videoclip del primo singolo estratto dall'album, ossia Nun signu sulu mai, che è stato girato nel quartiere Red Hook di Brooklyn. Un brano sulla solitudine o, meglio, sul suo antidoto naturale ossia, come canti ‘Un signu sulu mai si guardo u mare ‘un signu sulu mai". La canzone vede anche come ospite la cantante e polistrumentista di Seattle Amy Denio dei The Tiptons Sax Quartet. Da chi è nata l'idea del video girato in quei luoghi e dal sapore così lontano anche temporalmente e quanto ti capita, invece, di sentirti solo quando magari in tournée resti lontano dall'Italia e, soprattutto, dai tuoi affetti più cari?

Conosco Amy Denio da molti anni, abbiamo condiviso concerti ed esperienze discografiche è un artista incredibile che amo molto e ho fortemente voluto con me in Nun signu sulu mai che parla di viaggi di mare, di grandi traversate. L’idea di fare un clip a Red Hook è nata insieme a Giacomo Triglia, il regista con cui abbiamo esplorato insieme il quartiere che sta diventando il nuovo approdo cittadino per artisti e viaggiatori che vivono New York in continua evoluzione. Quando si viaggia non si è mai soli perché il lavoro della musica ti dà opportunità di creare sempre comunità e relazioni che nel tempo diventano grandi amicizie, attraverso le canzoni nasce un sentire che unisce nel nome della poesia.

Tra le canzoni di questo disco trovo molto emozionante quella che apre, non a caso credo, il disco. Si intitola Mareniro e ha come protagonista, ancora una volta, il mare, mare che però non sempre è benevolo ma d'altronde fa il suo mestiere "Mare niro funno chi fa paura / C'è ancora troppa gente abannunata e sula / Sula dintra a notte mai appaciata / I senti si rumori i ricanusci sti gridate". È, in fondo, una splendida preghiera quando canti "Mare niro e funno nun m'affucare / Ca di li carizzi tua io nun mi scordo mai / Mare ranno e funno nun t'arraggiare / Io signu sempre 'cca e tutti i siri vegno a t'abbrazzare". In questi versi è un po' come raccogliessi le preghiere di chi si trova a viaggiare in mare, spesso non per propria scelta?

Sono cresciuto in un paese sul mare Jonio che per tutti noi è stato sempre un punto di riferimento, un luogo, un’idea di domani, per molti un lavoro e sacrificio, per altri la pace È inevitabile che spunti quasi in ogni canzone a raccontare un’emozione un incontro la paura del domani. Nel caso di Mareniro, oltre al rapporto provato e intimo, c’è la preghiera per coloro che arrivano da paesi lontani in cerca di una vita diversa e che spesso non riescono a trovare quello che cercavano.

Ci sono due canzoni del disco, Spremuta di limone e Mozza, che proverei ad accostare se non altro per un duplice motivo, il primo è l'ironia che li pervade e il secondo il fatto di raccontare due situazioni vissute da te in prima persona come italiano all'estero, però non vorrei anticipare nulla per dare a te la possibilità di esplicarle meglio senza per questo togliere ogni sorpresa ai lettori.

Spremuta di limone voleva essere un omaggio alla mia terra perché il limone è un simbolo del Mediterraneo ma anche un frutto che ironicamente viene usato nei modi di dire quando si vuole raccontare amarezze e delusioni. Mozza è un fatto vero che li e accaduto qualche anno fa in Canada e mi piace raccontare nei concerti, come esempio di attività imprenditoriale, di esportazione all’estero in questo caso di canzoni, mi piace sempre in un disco e in uno spettacolo avere due, tre momenti divertenti, così poi posso essere libero di tirar fuori tutta la tristezza senza avere senso di colpa verso il pubblico.

Peppe Voltarelli - Photo [© Danilo Samà]

Momenti di tristezza come quello cantato in Fiore quando sostenuto da una dolce melodia canti " Nu segreto dintra u core / Ma nessuno ti capiscia / Quannu si sulu e guardi u munnu / U munnu ti tradiscia" ed esorti ad avere una reazione " Sona ancora sona ancora sceglia ancora / Pecchi u iurnu un'arriva / Pecchi a notte un si ferma / Pecchi a notte 'un s'arrenna"?

La tristezza è la malinconia sono il motore delle canzoni che ti affiancano quando ti sembra di dover alzare dei macigni ma, in fondo, si tratta solo di vita. Siamo fortunati ad avere nuvole e cielo che ci permettono di sognare alzando i piedi da terra.

Parliamo di Bon bon bon, un trascinante swing dove esce ancora una volta tutta la bravura dei musicisti, a partire da Doug Wieselman e il suo sassofono, che ti hanno accompagnato in questo disco. La canzone racconta di chi ha lasciato alle spalle la propria esistenza e, tornando, trova tutto immutato " Rida mo ccu l'occhi sani / Ogni cosa è cume prima / Nenti cancia sempre / Ferma cume l'ha lassata". Nasce forse da qualche esperienza personale?

Bon bon bon è una canzone nata per raccontare di come spesso i ritorni siano difficili e di come le prospettive vengano regolarmente capovolte, specie quelle sentimentali ed emotive. L’unica cosa che resta è un abbraccio che stringe le persone e le unisce.

In Marinari perduti, il mare o ciò che vi ruota intorno è sempre presente. Musicalmente è uno splendido tango-beguine che mi riporta alla mente una terra di migranti come è l'Argentina, il testo è un invito a non guardarsi mai indietro, anche nei momenti di sconforto, quando "Simo rimasti senz'anima / E nun sapimo pecchí / Nu lampo in cielo na lacrima / Ca dicia tutto oramai", invece occorre guardare al futuro con speranza "All'orizzonte na terra bellissima / Ca tutti i notti mi sonno 'ppe nua". Quanto la figura di chi va per mare, a te che sei nato in una terra, la Calabria, circondata da entrambi i lati dal mare, è stata fonte di ispirazione?

In questo brano il mare è il viaggio, il cammino, la traiettoria che conduce un uomo verso nuovi approdi. La canzone è il mio contributo al progetto Canzoni sulle città di porto che vide la sua nascita al Premio Tenco 2017, c’erano brani di Léo Férre, di Jaques Brel e Joaquín Sabina e volevo confrontarmi con questo tema.

Peppe Voltarelli - Photo [© Danilo Samà]

Prima di affrontare la bellissima canzone che chiude il disco, vorrei che mi parlassi dello strumentale La grande corse verso Lupionòpolis, perché questo valzer credo abbia un arrangiamento meraviglioso. Personalmente mi trasmette un intreccio indescrivibile tra avventura, epicità e cinema d'autore, porta a sognare immense distese, luoghi lontani, tutti da scoprire. Era questo il tuo intento nel comporre questo pezzo?

Ogni mio lavoro contiene un valzer suonato e scritto per la fisarmonica che è uno strumento a cui sono molto legato fin da piccolo. In questo caso voleva essere la colonna sonora del viaggio ideale verso Lupionòpolis, questo luogo incantato di ripartenze rinascite e ricongiungimenti. Colgo l’occasione per sottolineare come questo album sia frutto di un grande lavoro di squadra fatto in primis da Simone Giuliani (il produttore artistico) che ha saputo centrare lo spirito di ogni brano, a partire dalla scelta della band con cui abbiamo suonato tutti i brani in studio contemporaneamente come si faceva una volta, con pochissime sovraincisioni. Per questo sono molto grato a Simone e a tutta la band e al fonico Marc Urselli per aver creato l’atmosfera emotiva giusta per lavorare insieme al meglio.

Direi che il prezioso lavoro che sta dietro questo disco si percepisca tutto, ma veniamo all'ultima traccia Carizzi, non so se sia dedicata a qualcuno in particolare ma è di una delicatezza immensa nel suo lento incedere. Si apre con questi bellissimi versi "I sogni nun finisciano / I tegno stritti a mia / 'ntra gente persa e fragile / L'occhi lucenti brillano / I labbra tue sorridano / Senza tempo e senza età" e si chiude con questi " L'amure dintra i vasi dați / E ri carizzi mai scordati / Si sempre 'cca / Tu si sempre 'cca / L’amure dintra i vasi dați / E ri carizzi mai scordati / Si sempre 'cca / Tu si sempre 'cca / Si sempre 'cca / Si sempre 'cca", in mezzo c'è solo magia. Il disco è giunto a conclusione, ma " I sogni nun finisciano". È proprio così?

Questo brano nasce dopo la perdita di una persona molto cara. Non voleva essere un addio ma un ricordo lieve, con la consapevolezza che il bene e gli insegnamenti sono sempre con noi, anche dopo la fine dell’esistenza terrena.

Un'ultima domanda. Per la vendita di questo disco, sia sul tuo sito personale, sia durante i concerti hai predisposto un'opzione che prevede CD+Libro(testi+racconti)+sportina con tanto di patata della Sila avvolta in una velina. Come mai hai preso questa scelta che trovo molto originale?

L’idea è nata insieme agli amici della Libreria TodoModo che ne hanno curato l’artwork, per far vivere le canzoni come un vero e proprio kit con diversi presidi, come la patata simbolo della terra e del lavoro ma anche del sottosuolo, il libro con le parole delle canzoni e i racconti, infine, la sportina adatta al viaggio e al movimento. Una vera e propria esperienza multiuso.

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Gina Fabiani – Coraggio! Un incredibile viaggio dentro sé, fuori da ogni logica commerciale

di Fabio Antonelli

Nel lontano 2008 la cantautrice casertana Gina Fabiani pubblicò l’album “Segreto” (2008 – Il Popolo del Blues / Materiali sonori) vincendo il Premio Ciampi 2008 come Migliore album d’esordio e il Premio Ciampi 2009 per la migliore cover di Piero Ciampi e, sempre nel 2009, arrivando tra i finalisti per la Targa Tenco Miglior album d’esordio. Per vedere però uscire un suo nuovo album si è dovuto aspettare il 2023 quando, finalmente, ha visto la luce “Coraggio!”. Un titolo profetico…

Comincerei dalla copertina del disco, una splendida foto che ritrae il tuo viso di profilo, con la testa inclinata leggermente indietro e immersa nel buio, come immerse nel buio sono le scritte laterali riportanti il titolo, il tuo nome e, più in piccolo, il cognome (cosa che nel tuo precedente disco Segreto, non compariva, eri solamente Gina), quasi a dire che in questo disco sei proprio tu, non un personaggio, ma tu e la tua vita. Un titolo, invece, che non è semplicemente Coraggio ma Coraggio!, un punto esclamativo che fa la differenza, che trasforma questa espressione in un’esortazione, quasi un auto convincimento.

Sicuramente questo disco, realizzato a cinquant’anni suonati, quasi quindici anni dopo quello d'esordio, doveva essere intimo e personale, almeno nell'intento.

La foto suggerisce l'emersione dopo questo viaggio al centro del mio cuore ed il titolo è, come dici bene tu, un'esortazione; non mi piace l'idea del coraggio come preludio alla lotta, penso invece che debba essere la dotazione base per affrontare la sconfitta e la delusione senza sconti e senza retorica.

Coraggio è anche il titolo della canzone che apre il disco, una canzone di riflessioni sulla propria esistenza che diventano poesia, come quelle foglie che "quando cadono / vogliono semplicemente andar via / non abbandono ma determinazione / di dire addio agli alberi" o quelle onde che "quando s'infrangono vogliono / semplicemente andar via / non abbandono ma determinazione / di dire addio all'oceano". Trovo poi meraviglioso quel recitato, quell'immagine di te che ti inabissi nelle viscere della terra, che contrasta con il tuo desiderio di volare e sognare. Quel verso finale, quasi un’ancora di salvezza, "Quando la notte mi metto a cantare..." mi ha fatto venire in mente un pensiero spesso ripetuto da Pippo Pollina "La musica mi ha salvato la vita e ancora lo farà", è così anche per te?

Coraggio è chiaramente un manifesto: un inno alla solitudine, all'abbandono, alla ricerca di sé, alla volontà di sottrarsi allo sciocco teatrino che può diventare la vita e concedersi di rimestare nelle proprie viscere.

Non credo che la musica mi abbia salvato la vita, sicuramente la musica è un fatto identitario per chi fa questo mestiere ma io non la ritengo una cosa assoluta o sacra; ho altre passioni ed un'indole alla divagazione che mi consente di avere un certo distacco, la mia carriera lo dimostra: mi sono lasciata distrarre dalla vita e mi sono sempre concessa una sana mancanza d'ambizione. Il "mettersi a cantare di notte", finale della canzone, è più un'immagine liberatoria e catartica!

Un ritmo in lento crescendo, dettato dalle percussioni, ci riporta in superficie ed ecco innalzarsi una splendida accorata preghiera laica rivolta al cielo che ci sovrasta "Ladro! Ridammi le stelle che ti ho prestato / quando ero il leone / quando la terra girava leggera / e il mio passo era sicuro / e c'era / tutto un universo di certezze che mi sospingeva / e andavo generosa e fiera come un treno". C'è poi quel "Respiro, respiro, respiro" ripetuto più volte che sembra voler dire "son viva, nonostante tutto, nonostante un tumulto nel petto, son viva". È questo il senso della canzone Preghiera d’aria?

Decisamente sì!

Preghiera d'aria è senz'altro il pezzo che amo di più, non so nemmeno spiegarmi bene il motivo ma credo che sia perché è un po' come percepisco il mio modo di stare al mondo, sempre in bilico tra rabbia e vitalità!

Prendere atto del tempo che passa è doloroso ma dà anche la libertà di farsi finalmente travolgere dalle cose, chiedere indietro al cielo la sicurezza perduta e respirare!

In Eternità l'atmosfera è indubbiamente più pacata, è un soffermarsi ad ammirare ciò che si ha, a godersi l'amore della persona che si ama, con cui si condivide l'esistenza. È come un invito a vivere il presente, ad assaporare gli attimi di felicità che la vita ci regala, come affacciati all'eternità. I versi "Di notte ti sento respirare / mi commuove immaginarti in un sogno di barche / felice come un bambino / mentre a vele spiegate ritorni da me" mi hanno fatto pensare al mito di Ulisse, c'è appunto aria di eternità... È per caso stata scritta in una circostanza particolare?

Ho una modalità di scrittura abbastanza anomala perché la genesi delle mie canzoni può svilupparsi anche nell'arco di più di dieci anni, come nel caso di Eternità.

Di solito mi ispira una sensazione più che un fatto; un momento, appunto, che si dilata nel tempo e questa per me è l'unica possibilità di essere eterni che abbiamo perché tutto cambia e si trasforma e tutto muore ma alcuni squarci di luce ci si riverberano dentro per sempre!

Miseria comincia con quel crepitio della puntina sul disco, sembra quasi provenire da lontano, è di una tenerezza estrema, è un fare i conti con sé stessa, ogni giorno della propria esistenza. Trovo bellissimi questi versi "Che settembre si è seduto / proprio sul 31 agosto / sul mio risveglio stonato / una domenica mattina / una barca gigante che ha fallito l'approdo / è la mia naufraga faccia / è l'abitudine al tempo". Straziano il cuore. Ma credo ci sia comunque voglia di futuro in quel finale "Ma vado avanti / per la miseria che mi porto dietro" o sbaglio?

La tua domanda mi consente di dire che senza Stefano Ciuffi, arrangiatore e produttore del disco, coautore di alcuni dei pezzi (tra cui Miseria) e musicista e polistrumentista incredibile che ha suonato praticamente l'intero disco, Coraggio! non esisterebbe!

Ha immaginato un mondo sonoro che permettesse alle mie canzoni di galleggiare e vibrare.

Miseria in particolare non era facile dato il chiaro rischio di melodrammaticità che già dal titolo viene evocata.

Poi diciamo che fare i conti con me stessa - ormai è chiaro - era l'unica cosa che veramente mi interessava fare in questo disco!

Arriviamo così ad Amara, canzone in forma di blues, un blues che sa di piantagioni di cotone, che evoca sofferenza, forse quella di un futuro che a volte sembra irraggiungibile "O sortilegio o malasorte / che la fortuna ha braccia troppo corte… / …ggiando un po' di futuro / tra oggi e domani c'è il solito muro", forse per colpa dell'amore sempre così troppo poco comprensibile "L'amore è raro ed attento / e lo capisco a stento", ma anche qui sembra in fondo esserci la possibilità di una risalita "Io tocco il fondo / tu tocchi il fondo / è la guerra dei fondi tu affondi / Io invece vado su / Io invece vado su”. Questa risalita la vedi una possibilità offerta dalla vita stessa o più una tua volontà?

Amara è un gioco: mi sono in fondo sempre sentita più una cantante di blues che una cantautrice così come mi sento più una sopravvivente che una resiliente! In generale, negli anni, ho sviluppato una forma d'irritazione nei confronti di questa tendenza a idealizzare sé stessi e le proprie "miserie"; siamo - anche e spesso - ridicoli, piccoli, disorientati, inadeguati ma siamo anche resistenti, a volte nostro malgrado!

Di Tienimi non voglio dire nulla se non che è una splendida canzone d'amore. Aggiungo solo che a chiunque sia dedicata questa canzone, quei sentimi, tienimi, arrenditi, guardami, fermami, vorrei tanto che ognuno li rivolgesse al proprio amato/a, perché vogliono dire affidarsi all'altro, in un coinvolgimento totale o, almeno, io l'ho percepita così. Ma lascio a te la parola.

L'ho scritta per il mio compagno e sì, c'è poco da dire se non che è la "mia" canzone d'amore!

Personalmente amo tantissimo Precipitando, trovo questo brano una summa di questo tuo intero percorso di immersione dentro il tuo cuore e, sembra, che alla fine tu "faccia pace" con te stessa, o così almeno mi sembra di cogliere da questi versi finali "Guardo questo mare di macerie / sorrido e mi preparo ad atterrare / guardo questo mare di macerie / è la mia disfatta / è la terra matta dove si spezzano i piedi / guardo questo mare di macerie / e queste mani piccole che non sono ali / ma che mai riuscirebbero a scavarmi la fossa" con quella lunga, liberatoria, risata finale o, forse no, come sembra suggerire quella voce che sembra arrivare da lontano "Se sapessi come fare a restare senza farmi male...". Non tutto è concluso?

Eh sì, gli ultimi due pezzi di Coraggio! sono un modo per chiudere il cerchio e continuare; abbiamo cercato di inserire in ogni canzone degli elementi che allargassero la percezione e la spostassero su piani meno puliti e meno chiari ma, forse, più evocativi e in Precipitando questo intento si disvela fino al finale di Amen! I rumori, le scordature, le distorsioni e la "risata" che prende il posto di un'improvvisazione; questi ed altri piccoli autosabotaggi musicali accompagnano una presa di coscienza che passa attraverso il non prendersi troppo sul serio e la confusione, il magma che ricomincia a farti pulsare le vene, nel bene e nel male.

I due brani, Precipitando e Amen, in effetti, sono quasi un unico brano e tutto ha un senso in questo epilogo con emersione dall'inconscio. A questo punto ti chiedo com'è stato tornare a scrivere un album dopo quindici anni da quello d'esordio, personalmente pensavo con dispiacere di averti ormai persa dalle scene musicali. Ed ora?

In realtà non sono tornata a scrivere ma, come ti ho accennato prima, alcuni pezzi hanno avuto una genesi molto lunga, altri sono nati producendo il disco! La voglia di realizzarlo è divenuta prepotente nel 2021 e anche la decisione di farlo con Stefano ha accelerato e definito tutto!

Non sono mai stata particolarmente lineare o produttiva e, sinceramente, ne vado fiera; non sento l'esigenza di definirmi continuamente, mi piace fare cose diverse con la musica ed intorno alla musica ma anche fuori dalla musica anche se non ho mai fatto un lavoro diverso da questo.

Sono molto più brava, per come sono cresciuta e per carattere, a gestire un'anarchica precarietà che l'inserimento disciplinato nel "business" musicale; non mi interessa esserci a tutti i costi o che mi venga riconosciuto qualcosa!

Mi piace produrre cose in cui mi riconosco fuori da ogni logica di marketing e sono felice che Coraggio! sia quel che è.

Il mio futuro è un'incognita assoluta... vedremo!

Gina Fabiani su Facebook

Michele Gazich Federico Sirianni – Domani si vive e si muore (inediti di Michele L. Straniero), due diversissimi artisti al servizio di un prezioso lavoro di recupero

     di Fabio Antonelli

Sul finire del 2003 è uscito il booklet+cd “Domani si vive e si muore - Inediti di Michele L. Straniero” (Nota – 2023), un disco scritto a quattro mani da Michele Gazich e Federico Sirianni, che hanno lavorato sapientemente su dei testi inediti di Michele Luciano Straniero ritrovati dal nipote Giovanni Straniero, da cui è partito l’intero progetto e che ha fatto da regia in questo complesso lavoro di recupero. Il risultato è un disco che ha permesso di portare alla luce brani attuali, vividi, urgenti, perché, come scrisse Straniero, domani si vive e si muore.

    Nome?

M.G. – Michele

F.S. - Federico

Cognome?

M.G. – Gazich

F.S. - Sirianni

Nato a?

M.G. - Brescia

F.S. - Genova

Anno di nascita?

M.G. - 1969

F.S. - 1968

Vivi a?

M.G. - Venezia

F.S. - Torino

Professione?

M.G. - Scrittore di canzoni

F.S. - Scrittore di canzoni

Come è cominciato il tuo rapporto con la musica?

M.G. - Mio padre mi ha insegnato a leggere le note ancor prima delle lettere. Credeva che io fossi Mozart. Si sbagliava.

F.S. - Da bambino, a casa con mia madre cantante.

Qual è stato il tuo primo contatto con la musica di Michele Luciano Straniero?

M.G. - A fine anni Novanta vivevo a Torino e conobbi Giovanni, il nipote di Michele Straniero, frequentando il FolkClub fondato dal suo illustre zio e da Franco Lucà. In breve, Giovanni ed io diventammo amici: bevevamo vino e suonavamo insieme. Grazie a lui ho conosciuto le canzoni di Michele Straniero.

F.S. - Più che con la musica di Straniero, col mondo dei Cantacronache: a Genova, conoscendo e frequentando in gioventù Andrea Liberovici, figlio di Margot e Sergio Liberovici.

Gazich e Sirianni - Foto Flavio Dal Molin

    Com’è nata l’idea di realizzare un disco di inediti di Michele Luciano Straniero?

M.G. - Giovanni da decenni mi aveva proposto gli inediti dello zio da musicare. Per qualche motivo, riteneva che io fossi la persona giusta. Da solo, tuttavia, non avevo coraggio di farlo; ero intimorito. Lavorando a quattro mani con Federico, mi sono sbloccato.

F.S. - Da un’idea di Giovanni Straniero, nipote di Michele. Ha ritrovato degli scritti inediti dello zio e ha proposto a Michele Gazich e al sottoscritto di trasformarli in canzoni.

Ritieni sia stato più difficile o emozionante scegliere le poesie inedite da musicare e adattare in forma di canzone?

M.G. - Incredibilmente emozionante. Una volta che mi sono sbloccato, tutto è stato naturale, spontaneo. Non difficile, ma molto, molto emozionante. Michele Straniero è la fonte della canzone d’autore in lingua italiana. E bere l’acqua alla fonte, che è più limpida e pulita, è stato rigenerante!

F.S. - Entrambe le cose in egual misura.

Con quale criterio sono stati scelti gli otto inediti di Straniero?

M.G. - Si sono scelti da soli. Michele Straniero voleva far conoscere a noi (e attraverso di noi a chi ci avrebbe ascoltato) un’altra faccia di sé: più intima e personale. Le canzoni indicano sempre una via. Noi siamo stati strumento.

F.S. - A sensazioni personali, qualcuno l’ho scelto io, qualche altro Michele, trovando gli scritti che ci colpivano maggiormente e che avessero le caratteristiche per essere adattate alla forma canzone.

Com’è stato scelto il titolo del disco Domani si vive e si muore, che trasmette un senso di urgenza, di concretezza, di mancanza di tempo da perdere?

M.G. - Permettimi due parole in più su questo punto, che sento importante. Federico ed io siamo stati immediatamente rapiti dal verso conclusivo di uno tra i testi che Michele Straniero ci ha lasciato: "Domani si vive e si muore", appunto. Abbiamo dapprima pensato che potesse diventare il titolo di quel componimento e infine anche di tutto il disco, perché ne definisce il contenuto: personale, esistenzialista, di riflessione sul male di vivere e morire. Noi umani un domani vivremo e un altro domani moriremo: è una delle poche certezze che abbiamo a disposizione. Il fatto, poi, che Straniero scriva "Domani si vive e si muore" e non "Domani si vive o si muore" propone anche un'altra idea, una molto amara, e cioè che ad alcuni di noi possa capitare di vivere e morire contemporaneamente, sperimentando una sorta di "morte in vita". Il che ci conduce ad altri due versi meravigliosi e terribili scritti da Straniero, in un testo intitolato emblematicamente Lettera ai genitori: "La mia vita oggi è finita / La vostra è mai cominciata?" Al di là di ciò, il titolo per me ha sempre riecheggiato un verso di Pasolini, dalla raccolta giovanile Poesie a Casarsa (1942): "Oggi è domenica, domani si muore", verso che viene ripreso - alla lettera - da Giovanni Lindo Ferretti nella canzone conclusiva (Irata) di uno degli album più importanti nella storia della canzone e del pensiero in Italia: Linea Gotica dei C.S.I. (1996). Quella canzone e quei versi erano per me un ascolto quasi quotidiano in quegli anni. Allora vivevo a Torino, la città dove ancora viveva e scriveva Michele Straniero e già da anni frequentavo lo storico FolkClub, da lui fondato con il musicologo Franco Lucà. Questo titolo provoca dunque in me un cortocircuito di memorie che mi riporta alla mia gioventù, alla musica che allora ascoltavo, a una Torino, oggi scomparsa, in cui vivevano e operavano intellettuali come Michele Straniero.

F.S. - È una frase presente in una delle poesie che abbiamo musicato, ci sembrava molto significativa e capace di descrivere in sei parole il mondo e la poetica di Michele Straniero.

Al FolkClub - Federico Sirianni ripassa, Michele Gazich riordina le carte

Come consideri la collaborazione con il tuo collega musicista in questo lavoro?

M.G. - Una delle cose più belle che mi siano avvenute lo scorso anno.

F.S. - È stata un’esperienza molto positiva e arricchente che, credo e spero, proseguirà in altri progetti artistici.

Credo che musicare dei testi nati per un altro scopo non sia stata un’operazione facile, ti sei mai sentito in difficoltà tale da pensare di rinunciare?

M.G. - Ho rinunciato per vent’anni. Poi ho deciso o, meglio, ho sentito che era giunta l’ora di superare la mia debolezza, che era giunta l’ora di provarci. Spero di aver fatto bene.

F. S. - Non è stato facile perché misurarsi con un personaggio di tale rilevanza nel mondo letterario e musicale è molto rischioso, ma non c’è mai stato un momento in cui abbiamo pensato di non portare avanti il progetto.

Quanto l’essere in due a lavorare sugli inediti è stato un aiuto, quanto una ulteriore difficoltà?

M.G. - Decisamente un aiuto.

F.S. - Per quel che mi riguarda ho goduto solo dei lati positivi di questo lavoro a quattro mani.

Il disco inizia e finisce con due brani appositamente scritti da voi in omaggio a Michele L. Straniero. Il brano che apre il disco, Ho incontrato Michele Straniero, racconta un immaginario incontro tra te e Michele L. Straniero nella sua Torino, mentre il brano che lo chiude Danzacronaca, è una sorta di macabra danza in cui insieme a Michele L. Straniero sono citati tanti altri musicisti che hanno lasciato un segno indelebile nella canzone d’autore. Com’è stato scrivere questi due brani musicali a quattro mani? È un’esperienza che ripeteresti?

M.G - Un’esperienza che ha arricchito il mio percorso artistico e umano. La stiamo già ripetendo…

F.S. - Sentivamo la necessità di due “canzoni-cornice” in cui incontrare virtualmente Michele Straniero raccontando qualcosa di lui. Scrivere insieme a Gazich è stato molto naturale e sereno, ci siamo trovati d’accordo sostanzialmente su tutto.

Tra questi due brani, come si è detto sopra, otto inediti. Quale tra questi ami di più e perché?

M.G - Il corridoio del Nautilus. Perché? Perché è il Blues se hai vissuto a Torino e non nel Mississippi. Abbiamo tentato di scrivere una musica all’altezza del testo: claustrofobica, iterativa, dolorosa, incollocabile.

F.S. - Mi sono affezionato a tutte le canzoni del disco, mi commuove l’intervento di Giovanna Marini in Da un cielo umano.

In questo intenso lavoro discografico hanno preso parte ben dodici ospiti, come sono stati scelti? Qualcuno più di altri ti ha colpito in particolar modo?

M.G. - Tutti (o quasi) avevano conosciuto Michele L. Straniero. Due sono miei amici cari: Gualtiero Bertelli e Moni Ovadia, con i quali collaboro stabilmente. Entrambi in qualche modo sono stati scoperti da Straniero. Gualtiero mi ha raccontato che, quando Straniero lo sentì cantare la prima volta, chiamò Nanni Ricordi e disse: “Ho incontrato un uomo che quando canta urla come un pazzo e suona la fisarmonica come una clava”. Gualtiero la ritiene ancora la miglior definizione della sua arte.

F.S. - Approfitto per ringraziarli tutti per la partecipazione entusiasta. Ho detto di Giovanna Marini e ho da sempre un debole per Moni Ovadia.

Credo che insieme abbiate fatto un lavoro di recupero straordinario, un’opera come questa a quale pubblico è destinata?

M.G. - “Un disco per tutti e per nessuno”, parafrasando il sottotitolo di un libro fortunato... Penso che sia la riscoperta importante di una fonte maggiore della canzone d’autore in lingua italiana. Sono davvero fiero di aver fatto questo disco con Federico e Giovanni!

F.S. I tempi ci dicono che parrebbe destinata a un pubblico di nicchia e non più giovane ma, secondo me, se le nuove generazioni ascoltassero queste parole ci si ritroverebbero profondamente.

Michele Gazich e Federico Sirianni

Non ritieni che il frutto di un’operazione culturale di questo genere potrebbe essere portata nelle scuole? Come sarebbe accolta dai giovani secondo te?

M.G. - Sarebbe certamente accolta bene. Avverrà. Stimo i giovani. Quelli che temo sono i vecchi.

F.S. - Sarebbe molto bello portare Michele Straniero nelle scuole e, come detto prima, credo sarebbe apprezzato davvero.

A conclusione di un lavoro così complesso, cosa ti ha lasciato Michele Luciano Straniero?

M.G. - Il sogno di un’Italia libera.

F.S. - La voglia di rimettermi a scrivere dopo un lungo periodo di inattività creativa.

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Agnese Valle – I miei uomini, un concept di canzoni al maschile sulle declinazioni dell’amore, cantate da una donna libera

 di Fabio Antonelli

Sono ormai passati dieci anni da “Anche oggi piove forte…” (2014 - Farfavole), il disco d’esordio della cantautrice e clarinettista romana Agnese Valle. In questi dieci anni Agnese ha pubblicato altri due album “Allenamento al buonumore” (2016 – Autoprodotto) e Ristrutturazioni (2020 - Maremmano Records/Ird), nel 2016 ha vinto il Premio della critica al Bianca d’Aponte, nel 2018 la sua “Come la punta del mio dito”, scritta a quattro mani con Pino Marino, è finita tra le cinque più belle canzoni in lizza per la Targa Tenco “Migliore canzone”, nel 2020 ha ricevuto il Premio della critica Amnesty International Emergenti, dal 2020 conduce un suo programma radiofonico su Radio Elettrica ed è Vocal Coach nella scuola di Amici di Maria de Filippi. Una vita intensa, che ruota intorno alla musica. Ed ora eccola, in questo inizio di 2024, impegnata in veste d’interprete con “I mie uomini” (2023 - Maremmano Records/Ird).

Se tu fossi d'accordo comincerei dalla copertina del tuo nuovo lavoro discografico, una foto che ti ritrae accovacciata, in posizione raccolta, quasi a farti piccola di fianco al titolo dell'album I miei uomini. Mi sembra voler trasmettere un segno di assoluto rispetto verso la materia trattata, ossia nove brani scritti da colleghi uomini, nati per essere cantati da loro stessi, più La Fioraia, canzone appositamente scritta per te da Pino Marino. È giusta l'impressione che ne ho ricavato?

È innegabile che ci sia molto rispetto verso gli autori che chiamo a raccolta in questo disco, lo stesso che ho avuto nel rimaneggiare le loro canzoni. Credo però che per questo non sia necessario farsi piccoli, scendere di un gradino, ma al contrario guardarsi occhi negli occhi e scambiarsi tutte le ragioni che hanno fatto di quei nomi proprio “I miei uomini”. La stima, la gratitudine, il rispetto sì. Sono accovacciata, raccolta ma con il mento alto e lo sguardo vivido verso chi avrà tra le mani questo disco. Sono in ascolto, in scambio e la posizione che assumo in quella foto in copertina è quella che riservo alle persone più intime a cui non ho bisogno di mostrare la mia altezza.

Già nei tuoi precedenti tre album avevi iniziato ad affiancare alle tue canzoni, un brano scritto da altri. Nel disco d'esordio Anche oggi piove forte… reinterpretasti Io e te di Enzo Jannacci, poi fu il caso di Maledette malelingue di Ivan Graziani in Allenamento al buonumore fino a Ventilazione di Ivano Fossati in Ristrutturazioni, quindi diciamo che con questo album hai voluto dedicare interamente un disco ai colleghi uomini che stimi maggiormente. Com'è hai scelto questi nove brani? Avevi già delle idee precise o sei partita con lo scegliere ogni singolo artista e da lì hai effettuato una cernita?

Questo quarto album a mio nome chiude un po’ il cerchio di una tradizione che vede ospitare in ogni album una reinterpretazione di un brano nato al maschile: È con lui che festeggio il mio decennale discografico ed è di per sé “eccezionale”: è il primo album da interprete, ha una struttura a specchio rispetto ai precedenti, ospita infatti (oltre allo strumentale in testa e al recitativo finale) otto brani editi ed un solo inedito mentre gli altri lavori contenevano tutti inediti e un’unica rilettura.

È un concept album che scandisce fasi e tipologie del sentimento amoroso costruendo traccia per traccia un percorso a capitoli: si parla di colpi di fulmine al bivio di una statale, di attaccamento alla vita, di testamenti etici e affettivi, del prezzo da pagare per una passione alla quale non ci può sottrarre e a rischi e alle scelte che questa stessa passione propone.

Il criterio per la selezione dei brani è stato quello di costruire questa narrazione ed affidarla ad artisti uomini che sono stati per me un modello, un’ispirazione e spesso dei compagni di viaggio nelle varie fasi della mia vita, da ascoltatrice e da cantautrice. Nella maggior parte dei casi la canzone e l’autore di riferimento sono comparsi già per mano, come binomio indissolubile; in altri, la canzone scelta è stata quella che in passato mi aveva folgorata, incuriosita e mi aveva permesso di approfondire la conoscenza dell’uomo che l’aveva composta, un po’ come uno sguardo ben assestato al primo appuntamento a cui sai che ne seguirà un secondo.

Così dalle vecchie conoscenze, agli amori adolescenziali, a quelli di donna.

In questa sorta di unico racconto che si sviluppa attraverso le canzoni scelte, La fioraia, l'inedito scritto da Pino Marino per te, mi sembra inserirsi alla perfezione. Questa fioraia che si ritrova in mano l'ultima rosa e, vedendosi improvvisamente riflessa in una vetrina di un bar rilegge la propria esistenza, assomiglia tanto a te, che dopo dieci anni di dischi e concerti in giro per l'Italia ti guardi indietro e, con questo album da interprete, fai un bilancio dei tuoi primi dieci anni d'artista. È così? Come sono stati questi primi dieci anni?

Con La fioraia appare lo stelo di quel fiore i cui petali rappresentano gli uomini e le canzoni sfogliate una ad una in questo viaggio; li sostiene, li tiene insieme così come rappresentato nell’artwork dell’album curato da Giulia Valle.

La fioraia è uno dei personaggi che tiro fuori dalla “valigia dell’attore", è una donna che nella vita ha camminato tanto ed ha fatto della pazienza e dell’attesa la virtù che muove i suoi passi. Vede il mondo cambiare attorno a sé e procede e persevera nel dispensare bellezza anche dove non riconosciuta, dove non meritata. È disposta a distribuire i suoi fiori fino all’ultima rosa, che tiene per sé come gesto d’amore e gentilezza auto rivolto in attesa di trovare chi davvero sarà pronto ad accoglierlo. È l’ennesima declinazione d’amore di questo disco, è la storia di una donna che ho imparato a conoscere e nella quale mi sono riconosciuta, in questo cammino lungo dieci anni ricco di incontri, di mode, di assensi e dissensi.

Un bilancio? Sono stati anni pieni di vita, di esperimenti, di alleanze, di viaggi verso nuovi palchi, più o meno convenzionali: abbiamo suonato in strada, in carcere, nelle case di cura, nei chioschi dei parchi a Parigi; abbiamo percorso chilometri in macchina, preso aerei, traghetti.

Sono cresciuta con la mia musica e la mia musica è cresciuta con me, ho spesso cambiato pelle e questo non è sempre stato facile. Nel bene e nel male però, sono stata libera, condizione per me imprescindibile, che mi ha permesso di seguire la mia necessità artistica e mi ha tenuta costantemente connessa al motivo per cui ho scelto questa vita.

Hai parlato di esperimenti e, in fondo, anche questa tua avventura da interprete sembra essere un esperimento pienamente riuscito, si può dire che attraverso un preziosissimo lavoro di riscrittura musicale e una serie di arrangiamenti molto moderni hai dato, ad esempio, nuova vitalità ad una canzone come Autogrill di Francesco Guccini ed hai fatto emergere tutta la poeticità del testo di Altrove di Morgan, giusto per citarne due. Ho letto poi, che il tutto confluirà in uno spettacolo teatrale che debutterà questa primavera. Sarà una forma di teatro canzone? Mi puoi anticipare qualcosa?

Sì, sarà esattamente questa la forma che si occuperà di raccontare il disco, uno spettacolo di teatro canzone, nato parallelamente all’album. Andando nel retro di copertina infatti si potranno rintracciare, affiancati ad ogni titolo, i capitoli e quindi gli atti che comporranno questa mise en scène, proprio ad indicare come i due percorsi, quello teatrale dal vivo e quello del lavoro in studio su supporto, siano da considerarsi un tutt’uno.

Debutteremo nella primavera 2024 partendo proprio da Roma e con me sul palco ci sarà la mia band: Annalisa Baldi alla chitarra, Luca Libonati alla batteria e Fabrizio Fratepietro, produttore artistico dell’album, che si occuperà dell’elettronica e dei synth.

Parte integrante dell’allestimento scenico saranno gli scatti di Giovanni Canitano, selezionati dal suo vastissimo archivio fotografico, che andranno a comporre una sorta di album di famiglia de I miei uomini.

Ringrazio molto Giovanni per aver voluto partecipare al progetto e per avermi guidata in questo viaggio temporale nel mondo della fotografia analogica… non vi dico altro, altrimenti sveliamo tutte le sorprese!

Lo spettacolo inoltre riconnetterà la mia parte autoriale con quella da interprete: se infatti lo spettacolo, così come il disco, è composto da canzoni scritte da altri e cantate da me, il copione mi vedrà nuovamente con la penna in mano a cucirle tutte insieme.

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Marco Ongaro – La spia che ti amava, quinto episodio della sua indagine sull’amore

di Fabio Antonelli

Il 24 di novembre è uscito su tutte le piattaforme digitali il videoclip “La spia che ti amava”, il nuovo singolo di Marco Ongaro. Un brano che anticipa la pubblicazione dell’album omonimo, anche su CD, prevista a metà febbraio 2024 a cura della Long Digital Playing di Milano. Il nuovo progetto musicale verrà presentato in anteprima live con un concerto che si terrà venerdì 1° dicembre all’ESOTERICPROAUDIO THEATER di Villafranca (VR).

Il 24 novembre, è uscito il videoclip La spia che ti amava, il singolo che anticipa il nuovo album in uscita a febbraio 2024 e che avrà lo stesso titolo. Due domande in una: perché l’idea di riprendere nel titolo proprio quel James Bond interpretato da Roger Moore, piegandolo però su te stesso (in Bond c’è un mi e non un ti amava) e se, la copertina, che mostra una tua immagine in movimento ripetuta più volte a sovrapporsi, ti rappresenta, io direi di sì perché sei sempre stato un artista in movimento, mai rivolto al proprio passato ma pronto a cercare nuovi stimoli e lo hai fatto mutando continuamente la modalità, un po’ scrittore, un po’ saggista, un po’ drammaturgo, un po’ cantautore, un po’ rocker come in quest’ultima produzione, è così?

Ho modificato il titolo di 007 La spia che mi amava togliendo al significato patetico del film quel tocco di intimismo per farne, con la seconda persona singolare che ben si adatta all’impersonale, una versione più universalizzata. La spia che ti amava è l’altra parte nel gioco delle parti allestito da Eros, l’altro individuo in un intreccio amoroso, quello della cui autenticità non si può mai essere certi fino in fondo. Come non si può mai essere certi fino in fondo dell’esattezza del proprio amore, della propria buona fede e infine della propria identità - chi è il tanto sbandierato sé stesso? di quanti me stesso dovremmo rispondere? – così un più o meno debole dubbio rimane sempre in merito a chi si ha nel letto, alle sue intime motivazioni, alla miscela di desiderio e bisogno che ce l’ha messo accanto. Il dubbio su di sé si riflette bene nel dubbio sull’altro, sospetti reciproci s’insinuano e vengono messi a tacere, il gioco di specchi si moltiplica come le incertezze, più disincantate che paranoiche, e l’universo spionistico, che passa spesso anche attraverso commerci sessuali, ne sintetizza perfettamente l’aspetto metaforico.

Lo smartphone consultato spesso a tradimento per leggere l’animo altrui non può certo restituirne una foto attendibile. Perché l’algoritmo del cellulare è meno complesso delle pur ripetitive dinamiche amorose, e questo a dispetto delle mille password da decifrare ogni giorno per spiare l’essenza della persona “amata”.

La molteplicità della foto di copertina del singolo riflette bene questo concetto come pure, hai ragione, la mutazione reiterativa dell’artista che cerca di sfuggire alla propria gabbia ricreando continue versioni di sé. La spia che ti amava in effetti è il quinto personaggio creato nella mia carriera nel tentativo di indagare l’amore: Landru in Archivio Postumia, poi Il Salvatore delle donne tristi e Il sostegno delle massaie in Canzoni per adulti, quindi Il fantasma baciatore nell’omonimo album. Con La spia siamo alla pentalogia. Chissà se ho finito. Comunque il rocker c’era già in Dio è altrove ed Esplosioni nucleari a Los Alamos. Viene da lontano. 

Hai parlato di rocker, in effetti il rock mi sembra oramai diventato la tua cifra stilistica, soprattutto se andiamo ad ascoltare i tuoi ultimi lavori musicali. Magari cambia la formazione musicale che ti accompagna e quindi lo stile, passando dal prog al rock vero e proprio, ma pur sempre di genere rock si tratta. Solitamente il rock è lo stile che si abbraccia da giovani per poi approdare a stili più “tranquilli” mentre tu sembri muoverti a ritroso un po’ come cantavi nel brano di apertura del precedente disco. È una scelta precisa e definitiva o è dettata dai compagni di viaggio che di volta in volta imbarchi nell’impresa?

L’influenza di amici, direttori artistici, produttori ha guidato il mio tragitto fino a qui. Nell’album precedente, Solitari, le scelte stilistiche erano dovute a due fattori: uno, le direttive del produttore Gandalf Boschini cui avevo lasciato come mai prima carta bianca, e due, lo strumento con cui ho scritto le canzoni. Gandalf ha scelto arrangiatore e musicisti, io ho scelto la chitarra. Scrivere alla chitarra porta più verso il rock, nel mio caso. Mentre lo swing è tipicamente pianistico. Archivio Postumia e Canzoni per adulti li ho scritti interamente al pianoforte: l’universo orbitante tra il Tom Waits di Blue Valentine, il Paolo Conte di Aguaplano e i retaggi delle indicazioni di Lilli Greco ne erano all’origine. Dio è altrove e Esplosioni nucleari a Los Alamos risentono massicciamente della mia scrittura alla chitarra e dell’incontro con il chitarrista Roby Ceruti, un archeologo dell’elettrica. Gli incontri decidono come le cose nascono. La spia che ti amava è nata praticamente a Parigi, con la mia chitarra comprata in loco e i concerti quotidiani cui assistevo alla Guinness Tavern. C’erano cover band rodate, un modello trio di base, basso chitarra e batteria, cui abbiamo aggiunto due voci femminili. Ecco a voi Le Cifre. Vi si è aggiunto il piacere dell’uso tarantiniano delle colonne sonore vintage. Ma lo si scoprirà meglio all’uscita dell’album.

Beh, con questo tuo finale dico non dico, apri uno spiraglio di luce davvero interessante sull’intero nuovo lavoro che uscirà a febbraio. Non credo tu voglia anticipare altro in merito al contenuto del nuovo disco, allora ti faccio un’ultima domanda più ampia. Il nuovo disco lo pubblicherai anche in vinile e, in ogni caso, lo diffonderai comunque sulle varie piattaforme digitali? Te lo chiedo perché alcuni artisti (mi vengono in mente Pippo Pollina e Davide Van De Sfroos) hanno deciso di intraprendere una battaglia che, sinceramente, ritengo un po’ donchisciottesca, contro la musica definita liquida, ossia la fruizione musicale in digitale della musica, affidando le vendite del loro ultimo album esclusivamente ai supporti fisici (cd ed il ritornato di moda vinile). Che ne pensi in merito?

La mia scelta discografica stavolta è caduta sulla Long Digital Playing di Luca Bonaffini, un’etichetta principalmente digitale, come dice il nome, ma che per l’occasione stamperà e distribuirà anche i CD. Dunque, tutte le piattaforme virtuali sono coinvolte in prima istanza, poi il supporto fisico, ma al vinile non credo arriveremo a meno che non ci siano prenotazioni a prezzi da collezione. In tal caso al denaro non diremmo di no. Il mio anacronismo non si spinge all’irrealismo, il mondo è digitale, la mia etichetta lo è, quando mi pubblicherà la rivista Vinile rivedrò semmai la mia posizione. Stavolta vorrei aumentare l’impegno dal vivo, vista la band così ben affiatata. Nulla è più concreto di un concerto.

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