Patrizia Laquidara: Flòrula, un viaggio introspettivo che si fa parola, poi musica, poi canto

di Fabio Antonelli

Sono passati ben otto anni dal precedente album C’è qui qualcosa che ti riguarda (Autoprodotto, 2018) di Patrizia Laquidara, ma in tutti questi anni la cantautrice siculo-veneta non è certo rimasta inattiva. Nel 2019 diventa direttrice artistica di Il Canto della Sisilla, fortunato festival musicale e teatrale nel cuore delle piccole Dolomiti e riceve il prestigioso Premio Maria Carta a Cremona.  Dal 2021 al 2025 è docente di Poesia in musica e drammaturgia musicale al conservatorio Marenzio di Brescia, collabora poi a numerosi spettacoli teatrali in veste di attrice e cantante, ma soprattutto nel 2023 pubblica il suo romanzo d’esordio Ti ho vista ieri, edito dalla casa editrice Neri Pozza, vincitore del Premio letterario Internazionale Donna, Premio letterario internazionale Charles Dickens, Premio Nazionale Giorgione 2024 in cui narra personaggi e ricordi della propria infanzia.

Eccoci quindi arrivare al suo nuovo album Flòrula, il cui libretto è preceduto da una nota in cui Patrizia racconta così di quello che definirei un romanzo di formazione: ”A libro terminato ho sinceramente creduto di aver detto tutto. Ben presto ho sentito invece che le storie contenute in quelle pagine chiedevano di trasformarsi ancora in altra forma: la musica. Vissuti che prima sono diventati parole, poi suoni, poi canzoni”.

Si intuisce quindi da subito che queste canzoni sono figlie del romanzo Ti ho vista ieri ma, lo dico subito, a scanso di equivoci, allo stesso tempo vivono di luce propria ed il disco si lascia ascoltare con estremo piacere anche da chi quel libro non l’ha letto.

Ripensandoci bene, devo dire che c’era già, in Il canto dell’anguana, un gesto preciso: quello di tornare alla radice, riattraversare la tradizione come materia viva, riconnettersi a una geografia intima prima ancora che culturale. Flòrula credo che in fondo parta da lì, ma compie uno scarto decisivo. Non è più il tempo della raccolta o della restituzione: è quello della trasformazione.

Qui la tradizione non viene più evocata apertamente. È interiorizzata, sedimentata, diventata linguaggio.

Ne nasce un disco minuto e potente, costruito per dettagli, per sottrazione, per piccoli organismi sonori, non a caso il termine “flòrula”, catalogo di specie, microcosmo vegetale. Ogni brano è un frammento autonomo, ma parte di un disegno coerente, dove testi e musiche lavorano in una continua tensione tra corpo e natura, tra materia e immaginazione.

Prima di analizzare le tracce del disco vorrei però spendere due parole sulla copertina del disco, nata da una idea grafica di Paolo Zampese e da una foto di Patrizia Laquidara, vestita candidamente di bianco, con il capo cinto da una corona di fiori, realizzata da Michele Piazza. È indubbiamente vero che Patrizia ha dalla sua parte una bellezza che definirei quasi ieratica però credo che questa copertina sia una delle più belle tra i dischi usciti quest’anno e, soprattutto, molto funzionale nell’addentrarci da subito nel mondo di Flòrula.

Il disco si apre con Nessuno deve restare di fuori (Ti ho vista ieri) o meglio, più che un’apertura, una soglia che introduce tutti personaggi femminili che prendono poi vita nel romanzo. Il marranzano suonato da Puccio Castrogiovanni ci porta subito in Sicilia e ad esso si sovrappongono via via percussioni, hand claps, cori a donare ritmo a questo bel pezzo che si chiude con la ripetizione ossessiva “Nessuno deve restare di fuori”.

Anna la ciaccaligna, oscillando continuamente tra un tappeto di elettronica e chitarre elettriche è una canzone che ci parla di un personaggio sospeso tra passato e futuro, evoca un po’ una donna siciliana d’altri tempi e allo stesso tempo una donna fuori dalla visione tradizionale, in effetti i versi di Patrizia “Anna sale le scale / tra la terra ed il cielo c’è lei, esagerata / Anna trascendentale un piede nel fango e un altro nel cosmo” più che descrivere, evocano.

La bambina inizia con molta dolcezza, come d'altronde dev’essere una canzone in cui ritroviamo versi come “Et voilà la petit toupil / l’hanno vista che cadeva giù da una stella / et voilà la petite trebuchel / l’hanno vista che cadeva e poi correva scalza.” Però poi si avverte una prima tensione ritmica più marcata. Non è un cambio di passo netto, ma una pulsazione interna, costante. C’è un crescente desiderio di libertà “Lei è quella che è venuta a dire no, / non mi va, non si fa, non mi piace com’è”. In questa canzone c’è la bambina o il bambino che è in ognuno di noi, quello che ci fa comunque sempre guardare il futuro.

Con Cunizza (Assabenerica), breve riassunto di una processione antica, La Vara, che avanza ogni 15 agosto per le vie di Messina, arriva uno dei momenti più intimi del disco. La voce si moltiplica, si sovrappone, costruendo un piccolo spazio corale che richiama la forma della ninna-nanna, ma allo stesso tempo ne altera la funzione: non più rassicurazione, quanto piuttosto ascolto e cura. Vi partecipa anche Lorenzo Maragoni protagonista della giaculatoria.

Diversissimo il registro di La ragazza della 127, qui la scrittura si apre a una maggiore concretezza. Le immagini si fanno più riconoscibili, più legate a una quotidianità filtrata. Musicalmente il brano è tra i più ricchi: entrano archi discreti, variazioni armoniche più ampie. Eppure, tutto resta dentro una misura controllata, senza cedere a una piena espansione emotiva. Stilisticamente mi ricorda molto la Laquidara di Funambola. Trovo bellissima questa immagine “Le ginocchia strette strette / sull’autostrada che va a sud / siamo partiti da sei ore / il tempo qui non passa più / c’è chi sbuffa chi guarda in su”.

La successiva Alicudi cantata in coppia con Antonio Vargas, rappresenta uno dei vertici assoluti del disco. Testo essenziale, ridotto a pochi nuclei espressivi come “Ma che sapore di sale che sai tu / ti toglierò la sabbia con le labbra / ma come scotta ho la pelle rossa / sarà l’unguento che calma quel che brucia / io vado in acqua che fai vieni anche tu”. Ogni parola pesa, rimane. Il tema è quello della perdita, ma interpretata come passaggio, come mutazione inevitabile. L’arrangiamento di Edoardo Piccolo è radicale nella sua semplicità: pochi accordi, pause cariche di senso. Anche il silenzio diventa parte attiva del brano.

In Ti saluto con la mano, canzone il cui testo è stato scritto con il rapper El Coco (nipote della Laquidara) e Lorenzo Maragoni, il movimento è più evidente: una crescita progressiva, quasi narrativa. Il testo “ieri ho preso un volo e domani partiamo / siamo dello stesso sangue, sai che ci capiamo / ti conosco da una vita, sei come una sorella” torna sul tema della crescita, della trasformazione, ma con una luce diversa, più aperta. La musica accompagna questa dinamica con un incremento graduale della densità sonora, in modo mai invasivo, sempre trattenuto.

Il disco si chiude ufficialmente con Nuova luce, il punto più laterale, decentrato del disco, struttura meno lineare, piccoli scarti, inserti sonori che rompono l’equilibrio. Il testo appare frammentario, costruito per immagini rapide, quasi appunti sensoriali “vita che è purissima / foglia che traduce luce in nuova luce / forza che trascina cambia e poi riluce / tutto si trasforma l’aria la pelle / ogni cosa poi cambia in altra forma”. Sicuramente il brano più etereo, ma anche il più profondo, perché cerca di parlare alla nostra anima, di dirci che tutto si trasforma. La vita dentro e fuori di noi, non ha mai fine si rinnova nei ricordi di coloro che abbiamo amato, anche quando magari non ci sono più.  Un finale in elevazione.

In realtà il disco si chiude circolarmente con una bonus track, una ulteriore versione di Nessuno deve restare di fuori, in cu la splendida voce di Patrizia incontra quella di una delle più originali e promettenti cantautrici siciliane, la palermitana Giulia Mei.

È un po’ come se Il disco si concludesse senza conclusione: i temi restano aperti, come semi lasciati al terreno. Patrizia Laquidara lavora sulla parola come materia organica, mai decorativa. Il linguaggio botanico non è simbolo superficiale, ma struttura profonda del disco: crescita, trasformazione, ciclicità.

Parallelamente, la musica si muove in uno spazio che evita sia l’appartenenza esplicita al folk sia la linearità del pop, costruendo un territorio autonomo, fatto di equilibrio, silenzi, sfumature.

Non è forse un disco immediato come lo era stato ad esempio, almeno per me, Funambola ma è proprio in questa sua discrezione che trova forza e coerenza: un ascolto che non si impone, ma si deposita, lentamente, che darà poi i suoi frutti a tempo debito.

Patrizia Laquidara – Flòrula

Tracklist

01.  Nessuno deve restare di fuori (Ti ho vista ieri)

02.  Anna la ciaccaligna

03.  La Bambina

04.  Cunizza (Assabenerica)

05.  La ragazza della 127

06.  Alicudi (feat Antonio Vargas)

07.  Ti saluto con la mano (feat El Coco)

08.  Nuova luce

Bonus Track

Nessuno deve restare di fuori (Con Giulia Mei)

Crediti

Patrizia Laquidara - voce, cori, palmas

Edoardo Piccolo - sintetizzatori, programmazione ritmica, autoharp [1, 7], Philicorda [3, 5], cori [4, 5], palmas, arrangiamenti.

Daniele Santimone - chitarra elettrica, acustica e classica 7 corde, cori [6]

Stefano Dallaporta - basso elettrico

Puccio Castrogiovanni – marranzano, cuatro, mandolini, tamburelli [1, 2, 5]

Clécio santos e Fernando Silva – pandeiro, agògò, surdo, caxixi, abà, ganzá, tambor, sanghiba, maracas, repique, recorecò, palmas, caixa

Dario Ponara – vibrafono [7]

Cori

Silvia Girotto, Patrizia Laquidara, Katy Marcante, Elisa Sperotto [1, 4, 7]

Quartetto d’archi

Violino primo: Massimilano Tieppo

Violino secondo: Alessia Turri

Viola: Michele Sguotti

Violoncello: Simone Tieppo

Produzione esecutiva

Patrizia Laquidara – Luna Nordestina

Produzione artistica

Edoardo Piccolo e Patrizia Laquidara

Registrato nello studio The Basement Recording Studio di Federico Pelle dal 13 al 19 agosto 2025

Quartetto d’archi registrato a Sotto il Mare Recording Studios

Vibrafono registrato presso Aproblema Studio

Mixato da Edoardo Piccolo presso Tiglio Siamese Studio

Masterizzato da Jérémy Henry a La Villa Mastering Studio

Idea grafica di copertina: Paolo Zampese

Foto di copertina: Michele Piazza

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Mauro Ermanno Giovanardi - E poi scegliere con cura le parole - A volte scegliere le parole, e non lasciarle scivolare via, è l’unico modo per restare fedeli a sé stessi.

di Fabio Antonelli

Dopo la parentesi del Covid Mauro Ermanno Giovanardi non è certo rimasto con le mani in mano in questi ultimi due anni, perché nel 2024 è stato protagonista, con Cesare Malfatti, dell’attesissima reunion dei La Crus con la pubblicazione di Proteggimi da ciò che voglio (2024, Mescal) cui è seguita una tournée per i trent’anni dal loro esordio. Contemporaneamente Giovanardi è stato oggetto del documentario Jesus loves the fools con la regia di Filippo D’Angelo, Dimitris Statiris e dello stesso Giovanardi, in cui è narrata la nascita dei Carnival of fools, gruppo rock nato sul finire gli anni ’80 a Milano per iniziativa di Giovanardi. Ne sono nati dei concerti di presentazione in cui Giovanardi è stato accompagnato musicalmente dal chitarrista Marco Carusino.

Prima di tutto ciò, in mezzo e dopo, ha visto piano piano la luce il suo nuovo disco solista E poi scegliere con cura le parole (2026, Universal) dopo nove anni dall’ultimo disco di inediti. Un tempo lungo, necessario, che si avverte in ogni passaggio di questo lavoro pensato, riflettuto, pazientemente costruito. Non un ritorno qualsiasi, ma un disco che suona come una presa di posizione artistica e umana, in controtendenza rispetto al rumore costante che ci circonda.

Giovanardi non rincorre il presente, lo osserva. Non lo giudica dall’alto, lo attraversa. E soprattutto lo racconta con uno strumento che oggi sembra sempre più fragile e marginale: la parola scelta, soppesata, pronunciata con cura. Il titolo dell’album non è dunque un vezzo poetico, ma una vera dichiarazione d’intenti.

Stessa cosa la copertina, tanto curata, quanto essenziale, in cui Mauro Ermanno Giovanardi sembra camminare in bilico sospeso lungo un fascio di luce, è quasi fumettistica, ma non riporta alcun testo, neppure il titolo del disco, quasi a voler riservare alle parole contenute, scelte, soppesate con cura nel disco tutta l’attenzione che meritano.

Il disco si apre con Il buio nella pelle, brano che assume immediatamente il valore di manifesto. È una canzone che racconta una disillusione profonda, il sentirsi fuori posto in un mondo dove i parametri sembrano cambiati, dove il valore della scrittura e delle emozioni viene spesso oscurato dall’apparenza. Versi come “Se oramai vale più un post / che saper scrivere canzoni / e una foto anche se figa / vale più delle emozioni /questo posto non è il mio / non è quello che volevano / non è quello che sognavo / non è quello in cui credevo” evocano lo smarrimento di una generazione che aveva immaginato altro, e che oggi fatica a riconoscersi nel presente. Musicalmente l’incedere è misurato, elegante, perfettamente funzionale a una voce che entra in punta di piedi ma lascia il segno.

Veloce cambia andamento ma non profondità. Qui il tema è la frenesia, la corsa continua che caratterizza la nostra epoca: tutto accade in fretta, tutto deve essere immediato, anche a costo di perdere senso. Il ritmo più sostenuto e l’elettronica discreta restituiscono efficacemente questa sensazione di accelerazione costante, senza mai sacrificare la chiarezza del racconto.

Con La coscienza della mia generazione si entra nel cuore emotivo dell’album. È uno dei brani più intensi e riusciti dell’intero lavoro, un bilancio lucidissimo di una generazione sospesa, privata di riferimenti solidi, incapace di trasmettere certezze. Giovanardi riesce a essere personale senza mai diventare autoreferenziale, trasformando una riflessione intima in una fotografia collettiva.

Anni zero guarda al passato, ma lo fa senza nostalgia compiaciuta. È piuttosto una canzone sul passaggio del tempo, sulle trasformazioni personali e culturali, sul ruolo che la musica ha avuto come bussola emotiva in quegli anni. Bellissimo l’incipit “Caterina nel silenzio della stanza / pensando che nessuno sentirà / mette un disco del Velluto Sotterraneo / chiude gli occhi sul sofà / lei sa che a certi incroci della vita / travestito da canzone di anni fa / a sorpresa spunta un diavolo sottile / che ti porta ad altre età”. Il pianoforte accompagna il racconto con delicatezza, creando uno spazio di memoria che non indulge nel rimpianto.

Il tradimento è al centro di Amore Giuda, affrontato in senso ampio: affettivo, esistenziale, morale. Il riferimento simbolico è forte, ma il brano resta contenuto, misurato, mai enfatico. Ritmicamente è molto bello, così come quei cori un po’ funky che fanno da contraltare al canto di Giovanardi.

A fare da contrappunto arriva Di struggente amore, che restituisce all’amore una funzione quasi salvifica: fragile, imperfetta, ma necessaria per continuare a stare al mondo “Ho bisogno di te / e della tua presenza / ho bisogno di te / del poco peso che dai / alla mia incoscienza”.

Con Fermami emerge una richiesta esplicita, quasi una supplica: il desiderio di essere trattenuti, di rallentare prima di smarrirsi del tutto. Il crescendo emotivo del brano accompagna questa tensione interiore senza forzature. Una delle più intimiste e cucite sulla pelle di Giovanardi.

Per cantare più forte riflette invece sul ruolo stesso della musica e della voce: cantare come gesto di resistenza, come tentativo di affermarsi in mezzo a un rumore di fondo sempre più assordante. È uno dei brani più consapevolmente “meta” del disco, e proprio per questo tra i più emblematici. Salvifici i versi “Voglio aprire le braccia / per cantare più forte / per ingannare la morte / e sentirmi più vivo”.  La musica come cura contro la morte.

Il numero che viene dopo è una canzone sull’attesa e sull’incertezza, sul non sapere cosa verrà ma continuare comunque ad andare avanti. Il “numero successivo” diventa metafora di un futuro indefinito, mai completamente leggibile, ma inevitabile. Ancora una volta di grande impatto l’inizio della canzone “In quale tasca hai messo / il tuo orgoglio uomo / lo hai lasciato andare via col tempo / in quale tasca hai messo / il tuo nome nuovo / sei soltanto il numero che viene dopo”.

Con Un errore Giovanardi affronta uno dei nuclei concettuali più profondi del disco: l’accettazione della propria imperfezione. L’errore non come fallimento, ma come condizione dell’esistere, come parte integrante del percorso umano. La canzone colpisce per spoglia sincerità “io sono un / sono un errore / io sono un graffio sulla pelle / ancora nulla cambia eppure / quest’ora no non ha sorelle”.   

Non credo nei miracoli riafferma una disillusione lucida, mai cinica. Qui non c’è rassegnazione, piuttosto la consapevolezza che le salvezze, se esistono, passano dalle relazioni, dalle scelte quotidiane, non da interventi esterni.

Ogni voglia di noi due riporta al centro il rapporto, lo spazio intimo condiviso come ultimo luogo di resistenza possibile. È una canzone raccolta, quasi una pausa necessaria prima della chiusura. Forse l’unica canzone d’amore vera e propria del disco ma si fa valere “Apro piano le tue labbra / e le affogo nelle mie / sei la schiuma ed io la sabbia / io le rime tu le poesie / tu sei l’estasi ed io il male / a cui dici sempre sì”.

Il disco si conclude con Ha ragione Schopenhauer, titolo che potrebbe far pensare a un esercizio intellettuale e che invece si rivela una chiusura ironica e amara al tempo stesso. Il riferimento filosofico diventa uno strumento per leggere il disincanto contemporaneo, senza mai appesantire il racconto. Dentro i versi “Con lo stomaco che urla / io non riesco a respirare / io mi sento così perso / e non so dove andare / l’inquietudine che sale / e l’insonnia che stordisce” c’è tutto il mondo di Giovanardi.

Dal punto di vista musicale E poi scegliere con cura le parole è un lavoro cesellato con attenzione estrema. Gli arrangiamenti sono sobri, mai ridondanti, sempre funzionali alla voce, vero centro emotivo del progetto. Fondamentale il lavoro collettivo sui testi: le diverse penne coinvolte Francesco Bianconi, Colapesce, Kaballà, Alessandro Cremonesi, Cheope e Anastasi, non spezzano l’unità narrativa, ma la rafforzano, segno di una direzione artistica chiara e condivisa.

In definitiva siamo di fronte a un disco maturo, profondo, coerente. Un album che non cerca l’impatto immediato ma la durata, che non urla ma resta. Mauro Ermanno Giovanardi firma uno dei lavori più completi e significativi della sua carriera solista, ricordandoci che oggi, forse più che mai, scegliere con cura le parole è un atto necessario.

Mauro Ermanno Giovanardi – E poi scegliere con cura le parole

Woodworm Label – 2026

Tracklist

1.      Il buio nella pelle

2.      Veloce

3.      La coscienza della mia generazione

4.      Anni zero

5.      Amore Giuda

6.      Di struggente amore

7.      Fermami

8.      Per cantare più forte

9.      Il numero che viene dopo

10.  Un errore

11.  Non credo nei miracoli

12.  Ogni voglia di noi due

13.  Ha ragione Schopenhauer

Crediti

Mauro Ermanno Giovanardi: voce, cori, campioni, groove, armonica

Leziero Rescigno: piano, ritmiche, elettronica, mellotron, rhodes, Hammond, piano elettrico, sinth

Lele Battista: cori, programmazioni, synth

Roberto Vernetti: ritmiche, synth, campioni

Marco Benz Gentile: archi

Jessica Testa: archi

Barbara Cavaleri: cori, voce, backing vocals

Paolo Milanesi: Tromba

Cesare Malfatti: elettronica, campioni, chitarra classica, elettronica

Marco Carusino: chitarra fuzz

Produzione artistica: Mauro Ermanno Giovanardi e Leziero Rescigno

Registrazioni: Lele Battista

Testi scritti con la collaborazione di: Francesco Bianconi, Colapesce, Kaballà, Alessandro Cremonesi, Cheope, Anastasi

Etichetta: Woodworm Label

Distribuzione: Universal Music Italia

Anno di pubblicazione: 2026

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Pippo Pollina – Fra guerra e pace

Fra guerra e pace, la vita di ogni giorno continua.

di Fabio Antonelli

Lo scorso 6 dicembre per l’etichetta Jazzhouse Records di Friburgo è uscito Fra guerra e pace che, se non ho sbagliato a contare, è il venticinquesimo album di Pippo Pollina, ultimo di un lungo percorso musicale nato nel lontano 1987 con il suo primo disco Aspettando che sia mattino.

Venticinque album in trentotto anni di carriera sono un bottino considerevole e magari ci si potrebbe aspettare un calo fisiologico di creatività, invece, questo nuovo capitolo musicale è forse uno dei migliori in assoluto della sua lunga carriera musicale, un disco fortemente voluto, politico, con una impellente voglia di continuare a dire la propria in un momento come questo in cui “La guerra è una dimensione dalla quale l’uomo non si è mai staccato veramente. Quel luogo dove la distruzione e lo sterminio familiarizzano con le altre vicende della vita. Con l’amore, con le nascite, con la fame o la sete.” come si evince per parola dello stesso Pollina, dal cospicuo libretto che accompagna il disco.

Disco che si presenta con un ottimo package in cartonato che include il libretto vero e proprio e la custodia sempre in cartonato e plastica del cd, con una copertina costituita da una foto di una band proveniente da tempi lontani, leggo poi dal libretto essere una foto gentilmente concessa a Pollina dalla famiglia Avvento di Camporeale.

Ma veniamo alle tracce del disco. Vigolais, il brano di apertura, pieno di lirismo, toccante, delicato, splendidamente arrangiato, è dedicato a Chasper Bardill, figlio del noto cantautore svizzero Linard Bardill, tragicamente scomparso il 24 maggio 2025 all'età di 38 anni a causa di un incidente in montagna, vittima di una valanga sul Rimpfischhorn, sopra Zermatt, nel Canton Vallese. È cantato in modo autobiografico, in prima persona, esprimendo quel desiderio della vittima di un ultimo saluto, un ultimo abbraccio reso impossibile dall’improvvisa dipartita, toccanti i versi “Ed abbracciarvi / tutto d’un fiato / questo sì, adesso sì. / Senza parole / nel verde di un prato, / proprio così. / E non ci sarà vento / quella sera di maggio / non ci sarà più rimpianto”.

Il volo del colibrì è, invece, un vibrante invito a vivere la propria vita a pieno, a credere ai propri sogni, a continuare la strada intrapresa, sicuri che le tenebre, sebbene imminenti, non faranno paura. È evidentemente un canto di speranza, bellissimi poi i versi finali “Canta ma non dimenticare / chi ha pagato il conto / per la parola che arricchisce / il tuo racconto. / La dignità della memoria / che rischiara / (e la fronte sfiora) / la notte è dura / arriva ancora / ma non fa paura”.

È ancora la speranza a prevalere sullo sconforto nella successiva Fra i petali del girasole, canzone dalla struttura rockeggiante scritta a quattro mani con Luigi Mariano, cantautore salentino, che narra la storia di un soldato ucraino in licenza mentre sogna una vita migliore dopo la guerra, lontano dal Donbas. La canzone si chiude poeticamente così “E poi su questo oceano radioattivo / io più ti guardo e più mi sento vivo. / Bacio i tuoi capelli color del miele / un’onda fra i petali del girasole / E finirà lo so… / questa guerra inutile”.

La notte dei cristalli, quarta traccia dell’album è stato anche il primo singolo e video ad anticipare l’uscita dell’album, vedendo all’opera per la prima volta in assoluto Pippo Pollina con i figli Julian “FABER” e Madlaina in una canzone dedicata alla tragica notte del 9 novembre del 1938 in cui avvenne un pogrom da parte della popolazione tedesca, favorita dalla Gestapo, nei confronti degli ebrei, a seguito dell’attentato condotto il 7 novembre a Parigi dal diciassettenne ebreo polacco Herschel Grynszpan ai danni del diplomatico tedesco Ernst Eduard vom Rath. Da una delle pagine più buie della storia recente Pippo Pollina riesce a costruire una magnifica canzone molto pacata ed intimista introdotta dal flicorno di Alessandro Presti con versi stupendi come questi “Sarai come quando hanno bruciato il tempio / in nome di Perseo / E hanno spento il sogno caro a Galileo. / Sarai come quando hanno cercato l’oro / e hanno trovato sangue, / nell’oscurità di una notte qualunque”.

Ancora più rivolta al presente è la successiva Free Palestina, con quel oud ad ambientarla perfettamente, lo stile rock e versi pieni di sofferenza senza fine “Non ci sono carezze, verità e certezze ieri né domani. / Poche le mani amiche e gonfie le ferite. / Non ci sono canzoni a riempire di suoni le sere di Gaza / Pietre, polvere e catrame. Freddo sete e fame. “cui fanno da contraltare le voci sparse nel mondo al grido di “Free Palestina”.

Lava la pioggia è, invece, un poeticissimo canto purificatore, dall’incedere prima lento, battente e poi piano piano crescente, un inno alla pioggia capace di lavare via dolori e sofferenze, di donare un briciolo di speranza “Lava la pioggia / e ingrossa / i fiumi d’orgoglio e velocità. / Sulle nostre vendette / le piroette / d’odio e viltà. / Lava la pioggia lava / col suo dolore / ci salverà”.

Lascia estasiati nell’ascolto la successiva canzone Questo tempo insieme, secondo singolo e video di questo album. La canzone vede riuniti nel canto Pippo Pollina, Marcello Mandreucci, Alfonso Moscato e la voce di strada Raquel Romeo, strepitosa scoperta, almeno per il sottoscritto. Queste voci così diverse fra loro si incrociano e mescolano in un canto che è un inno alla gioia dello stare insieme, potere immenso della musica. Segno di vero amore il suggello finale “Se mi cercherai io sempre ci sarò. / E ti aspetto anche se non te lo dirò”.

Il fiume è un brano che scorre lento come un fiume di pianura ma che inesorabile trascina con sé tutti gli istanti di un’esistenza, quelli realmente vissuti e quelli semplicemente sognati “E ti avrò se mai ti avrò / ombra di un istante / E sarai un sogno al mattino / Il bacio di un amante / che c’era e non c’era. / Nuvola straniera di frontiera…”.

Dolcissimo e pieno di poesia è Hasta siempre, il pezzo dedicato a José Alberto Mujica Cordano, il politico e guerrigliero uruguaiano che continuò a vivere in una piccola fattoria a Rincón del Cerro, alla periferia di Montevideo anche durante il suo mandato di presidente dell’Uruguay, rinunciando a vivere nel palazzo presidenziale, autoriducendosi lo stipendio governativo. Il testo sarebbe da riportare per intero, ma non lo farò, dico solo che è tutto da ascoltare per la sua amorevole delicatezza, sia musicale sia poetica.

Il brano successivo Rosabianca è dedicato a Sophie Magdalena Scholl, la giovane attivista tedesca appartenente appunto alla Rosa Bianca, il gruppo di ispirazione cristiana di amici tedeschi che pubblicarono una serie di manifesti contro la dittatura del nazionalsocialismo, scegliendo la ribellione non violenta al regime, che fu catturata e, infine, ghigliottinata dai nazisti. Ancora un brano che lascia il segno, che ricorda questa straziante vicenda, per non dimenticare, soprattutto in questo periodo sospeso tra ignavia o revisionismi “Eppure un giorno si dirà / sarà stato qualche libro / o un prete di periferia. / Ma si chiamava verità / e ti cantava ad alta voce / la sua dolce melodia”.

Il disco si chiude con Piccola canzone per noi, una dolce e delicatissima canzone direi necessaria per riappacificare l’animo dopo tanto dolore e sofferenza, “Piccola canzone per noi / che accarezzi piano”.

In definitiva un gran bel disco, forse uno dei più belli in assoluto tra quelli ascoltati nel 2025, con un Pippo Pollina in gran spolvero sia dal punto di vista musicale con notevoli invenzioni melodiche, sia dal punto di vista dei testi carichi di poesia, che non sente il passare degli anni ma, anzi, appare più ispirato che mai.

Un disco che non troverete in streaming né su Spotify né su altre piattaforme per scelta dell’autore che, ancora una volta, ha preferito prediligere la distribuzione classica della propria musica attraverso i supporti fisici CD e LP oltre che, ovviamente, attraverso una fitta scaletta di concerti tra Svizzera, Austria, Germania, Liechtenstein ed Italia quasi sempre sold out.

Buon ascolto, che di canzoni così ne abbiamo un gran bisogno.

Pippo Pollina

Fra guerra e pace

Jazzhaus Records – 2025

Tracklist

01. Vigolais

02. Il volo del colibrì

03. Fra i petali del girasole

04. La notte dei cristalli

05. Free Palestina

06. Lava la pioggia

07. Questo tempo insieme

08. Il fiume

09. Hasta siempre

10. Rosabianca

11. Piccola canzone per noi

Crediti

Pippo Pollina (voce, chitarra acustica, pianoforte)

Julian Pollina “FABER” e Madlaina Pollina – (voci in La notte dei cristalli)

Marcello Mandreucci, Alfonso Moscato e Raquel Romeo – (voci in Questo tempo insieme)

Lenka Bonaventurova (viola)

Daniel Frankenberg (violino)

Jonas Moosmann (violino)

Stefania Verità (violoncello)

Martin Kälberer (pianoforte, tastiere, fisarmonica, harmonium)

Daniel Stelter (chitarra acustica ed elettrica)

Alex Klier (basso elettrico)

Sven Faller (contrabbasso)

Roberto Petroli (sassofono, clarinetto, clarinetto basso)

Alessandro Presti (flicorno)

Marcio Robino (flauto)

Tommy Baldu (batteria e percussioni)

Martin Kälberer (batteria, percussioni, duduk, mandolino, mandola)

Werner Schmidbauer (armonica)

Daniel Stelter (mandolino e oud)

Registrato nell'estate del 2025 presso Malawi Studio (Bad Endorf, Germania), Indigo Records (Palermo, Italia) e Centochimere Studio (Zurigo, Svizzera). Masterizzato presso LXK Studios a Monaco di Baviera da Alex Klier. Prodotto e arrangiato per Jazzhaus Records (Friburgo, Germania) da Pippo Pollina e Martin Kälberer. Partitura e arrangiamenti per archi e fiati di Roberto Petroli. Foto di copertina per gentile concessione della famiglia AVVENTO (Camporeale, Italia). Progetto grafico di Marc Raner.

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Susanna Parigi - In differenze

marzo 2009

In differenze: un disco che non può lasciare indifferente

di Fabio Antonelli

“È un miracolo, né di più, né di meno. Il miracolo può essere di nostro gradimento o meno, censurato o meno. Ma resta pur sempre un miracolo… C’è qualcosa di commovente in questo progetto di Susanna… Straordinario perché non troviamo altre parole per questo album IN DIFFERENZE che sicuramente dà uno schiaffo all’indifferenza e insieme alle differenze (musicali, di pensiero, di percorso, di nazionalità, di scelte) cerca uno spazio, un luogo dove poter esistere”.

Con queste parole Vince Tempera nel 2006 descrisse questo nuovo disco di Susanna Parigi (ormai non più nuovo, è, infatti, di imminente uscita un suo nuovo lavoro) nel comunicato stampa di presentazione dell’intero progetto ed io, sottoscrivendolo in pieno, potrei una volta tanto chiudere immediatamente qui le mie considerazioni, però non mi riesce di non dire la mia di questo magnifico disco, purtroppo capitatomi tra le mani solo ora ed allora, procediamo nello smontaggio del giocattolo, un po’ come fanno i bambini curiosi.

Prima di cominciare voglio però sottolineare alcuni aspetti notevoli di questo progetto: la copertina che è una magnifica eloquente fotografia del fotografo brasiliano Sebastiao Salgado che ha ispirato a Susanna Parigi la canzone In differenze, brano che ha dato il titolo anche all’intero album; la voce splendida di Susanna Parigi capace sia di accarezzarti con delicatezza sia di scuoterti dal torpore o di affascinarti raccontando; i grandi musicisti che hanno collaborato alla realizzazione del disco da Pat Metheny a Tony Levin, passando per Ellade Bandini, Ares Tavolazzi, Flaco Biondini, il quartetto Picasso String e l’orchestra sinfonica di Sofia.

Tutto questo senza dimenticare la capacità di scrittura di Susanna Parigi, arguta osservatrice di sé stessa e della società, tutti elementi che hanno reso grande questo disco.

Ma veniamo all’ascolto vero e proprio del disco che si apre con Opera buffa canzone che inizia con un intervento degli archi che fa molto musica da camera per poi lasciar spazio al cantato arioso e limpido di Susanna ed ai suoi versi disincantati “Rido alla storia, rido alla memoria / rido…non compro il sistema m'ingoia / rido all'orrore della nuova economia…” e poi più avanti “Rido e mi pento di non aver ucciso / chi ha licenziato talento e sorriso, e quasi soffoco in questa mia risata”.

Percussioni e sonorità pop contraddistinguono il brano La fatica e la pazienza una sorta di lettera di Susanna a suo padre, che se lei avesse portato in una qualche edizione del Festival di Sanremo probabilmente avrebbe stravinto perché coniuga alla perfezione uno splendido testo “Dietro vicoli di pane, lungo fiumi d'ombra e sole, / acquaragia, terra rossa…mi insegnavi a colorare…/ La fine cambia verbi, / prospettive, angolazioni, lascia senza fiato, / sarà carico il futuro di tutto quello che mi hai dato” ad una musicalità ad una vena melodica che prende al primo ascolto. Toccante.

Vera perla di questo disco è poi Amada che vede all’opera in veste sia di esecutore sia di compositore della musica, quel geniaccio di Juan Flaco Biondini che tanti conoscono per averlo visto per anni all’opera al fianco di Francesco Guccini e che qui delizia con immaginifici e sognanti arpeggi donando un fascino ad un testo magistrale che ci descrive i momenti ultimi di preparazione della protagonista al grande passo del matrimonio con immagini come queste “Amada davanti allo specchio si spoglia e si scioglie i capelli, / prepara la festa nuziale, si vede già sposa all'altare. / Si dedica all'ultima notte e libera corre nel bosco, / si stende su un letto di foglie ed è pronta all'assedio del mondo”.

Con Più grandi di Dio, Susanna affronta un tema mistico, ma con sonorità a ritmo di valzer tipiche di un circo o di una giostra, il brano dopo un’apertura che vede in primo piano ancora gli archi ed una chiusura con la fisarmonica, ha questo bello incipit “Quello che ci fa / creature grandi a metà, / a metà tra cielo e terra, / sono le nostre mancanze, / la nostra innocenza incosciente, / quello che ci viene tolto, ce ci sarà tolto / del male che fa. Quello che si sa del grande inganno dell'età / siamo corpi senza pelle / e l'inverno completa il disastro, / del disco graffiato del mondo / è in questo che forse noi siamo / più grandi di Dio”.

Altro pezzo da novanta è In differenze, che dà il titolo all’intero lavoro e che affronta il tema delle tante differenze e delle tante sofferenze che caratterizzano questo nostro mondo con una melodia lieve ed affascinante e con un testo coinvolgente “Ci sarà / Un dio che passa e che si ferma / Ci sarà? / Con un biglietto di seconda classe andata poi ritorno / noi giriamo il mondo, e il mondo gira noi / in differenze di seconda classe che non sanno niente; / occhi d'occidente noi: / lungo i binari scorrono veloci restano lontani / dolori, stanchi e mani poi non ci sono più, / hanno lo sguardo di chi sta aspettando un treno che è in ritardo o che non passa più”.

Dopo tanta poesia e tanta sensibilità è il momento di un brano strumentale Una porta nel tempo di una bellezza strabiliante, degno del miglior Morricone e che lascia Susanna libera di vocalizzare mettendo i brividi. Senza parole.

Brusca virata per un pezzo Amore che m’invita decisamente pop e a tratti quasi rap, percussioni a dettare il ritmo e testo che dimostra un’abilità ed una confidenza con l’uso delle parole notevole “Espando la mia bocca perché di bacio avvolga; / disegno draghi e cervi sul mio corpo / perché possa al tuo passaggio cacciatore / essere preda. / Fiorisce la mia rosa, la mia rosa-trina / sotto il fresco filo della tua saliva-brina / e la mia lingua anguilla… / pesca, esca, esca, esca”. Chi mi ricorda? Quel giocoliere della parola che è Max Manfredi.

Una melodia delicata firmata da Pat Metheny e suonata in maniera egregia dalla stessa Susanna al pianoforte accompagna, invece, Di spazio perfetto, brano intimistico ed introspettivo che grazie alla “ripulitura” da ogni altra presenza musicale, se non quella del solo pianoforte e poi degli archi, mette ancor più in risalto il perfetto dominio vocale di Susanna oltre alla sua poeticità, ecco solo un esempio “Cedono le mura, si stringe l'alleanza / di una debolezza che confesso essere tanta, / siamo l'impero alla fine della decadenza / in questa immensa stanza”.

Sonorità elettroniche ci portano a False in cui Susanna, con la collaborazione del filosofo Umberto Galimberti, si esprime senza peli sulla lingua su chi sceglie di accettare il ruolo di donna oggetto in cambio del successo a tutti i costi e lo fa con lucidità “Labbrose come cocomeri, / tettose che di gomma scoppiano AH AH / False. / Votate a chiese mediatiche, / galline che si fanno aquile AH AH / False / Tenere si sa / sesso esposto senza qualità, / ma patetiche e ridicole / se proposte sulle prime pagine" e con la solita abilità vocale.

Brano d’amore, ma quasi sacrale è Dall’anima al corpo, introdotto in maniera perentoria da pianoforte ed archi e cantato con tonalità decisamente più alta quasi a farne un canto d’epico amore con il suo lirico testo “Sopra scogliere di ambra e cristallo, / volando sul manto del mio suono bianco, / nel vento eterno di una conchiglia, / nel suono-ricordo delle campane, / a stelle disperse su panni d'altare, / nel grembo infinito e nascosto degli anni, / nelle carni segrete dei santi, / tra schegge, rubini e diamanti”.

Un tambureggiare ed un coro gregoriano introducono il tetro ed ossessivo Una stagione all’inferno che s’apre così “I sassi, la carne e noi / i denti masticano vita, / e il flauto inganna la pace che si vergogna, / di noi cannibali di anime. / Saliva che annaffia il senso / e sesso ruffiano di natura che richiede carne sacrificale, / il male non arriva da destra o dagli altri / è rituale, è nota tenuta a mente dalle puttane indegne”. Resta il brano che mi piace meno, è forse eccessivo.

Con 42,3, introdotto da un recitativo di Flavio Oreglio, Susanna torna a guardarsi dentro o, meglio, a confrontarsi con un mondo circostante in cui non si ritrova “Io vivo in quei non colori che sono le sfumature, / io vivo nelle parole mai dette, sentite, / nel vuoto totale che la mente non sa immaginare. / Io vivo di mio fratello che non ho mai avuto, / in quello che poteva ma non è mai stato, / in quella coincidenza che è la probabilità di una vita” e lo fa con un brano che presenta aperture melodiche davvero belle, per nulla “fredde e calcolate” a dispetto del tema trattato.

Un carillon, il pianoforte che si intreccia con gli archi ed è magia per Valige che lasci, brano non cantato ma recitato con intimità e sensualità da Susanna e che si apre con questi versi “Le valigie sono sempre troppo pesanti / di quello che lasci, del cibo clandestino degli amanti, / degli alberghi tristi delle nebbiose albe alle stazioni, / delle inutili ovulazioni, / del tempo imposto delle distanze / di tutte le cose non fatte, / della rassegnata certezza / che la normalità sarebbe bella”.

Chiude Cinì Cinì splendido e solare brano corale, sospeso tra musica popolare e musica etnica che vede alternarsi un dialetto del sud Italia con una lingua africana, un brano che sicuramente sarebbe piaciuto al grande Pasolini, chissà magari l’avrebbe utilizzato a commento della sua sognata e mai realizzata Orestiade Africana.

Che dire di più per concludere, Susanna Parigi ha una voce stupenda ed è una brava scrittrice sia dal punto di vista letterario che musicale, si è circondata per questo lavoro di grandi nomi, il tutto è perfetto quasi fin troppo, forse avrebbe dovuto osare di più con brani come Di spazio perfetto, cioè con brani che vedono all’opera lei sola al pianoforte e solo qualche altro strumento perché lì, secondo me, emerge ancor più la sua grandezza.

Ma stiamo decisamente cercando il classico pelo nell’uovo, questo è un disco davvero imperdibile.

Susanna Parigi

In differenze

Sette Ottavi / Delta – 2006

Nei migliori negozi di dischi.

Tracklist

01. Opera buffa

02. La fatica e la pazienza

03. Amada

04. Più grandi di Dio

05. In differenze

06. Una porta nel tempo

07. Amore che m’invita

08. Di spazio perfetto

09. False

10. Dall’anima al corpo

11. Una stagione all’inferno

12. 42,3%

13. Le valigie che lasci

14. Cinì cinì

Crediti:

Susanna Parigi: voce, pianoforte e fisarmonica

Ellade Bandini: batteria

Ares Tavolazzi: basso e contrabbasso

Juan Carlos “Flaco” Biondini: chitarra

Elvis Fortunato: chitarre

Gianni Coscia: fisarmonica

Tony Levin: basso

Mario Arcari: oboe

Tamburi di San Marino

Quartetto Picasso String

Orchestra sinfonica di Sofia

Prodotto da Vince Tempera

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Marco Ongaro - Un poeta può nasconderne un altro. Il senso per la parola di Serge Gainsbourg

di Fabio Antonelli

È il 2 novembre del 1975, Pier Paolo Pasolini viene trovato morto all’idroscalo di Ostia da un passante, è stato massacrato di botte e risulta essere stato più volte investito dalla sua stessa auto, un’Alfa Romeo GT 2000. Da subito, a essere accusato è Pino Pelosi, un ragazzo di vita di 17 anni, che confessa di aver ucciso Pasolini perché quest’ultimo voleva avere con lui un rapporto sessuale non consensuale. Quel momento segnerà la fine terrena di un grandissimo poeta, ma anche l’inizio di un modo errato di approcciarsi alla sua figura, seguiranno biografie, documentari, film, spesso concentrati sulla sua omosessualità, sul suo preferire accompagnarsi a giovani ragazzi di vita, anziché sulla sua vasta produzione letteraria, cinematografica e persino pittorica.

Cosa c’entra Pasolini con Serge Gainsbourg? Apparentemente nulla, ma scrivere su un personaggio come Gainsbourg avrebbe potuto portare allo stesso errore e credo ne sia ben conscio Marco Ongaro se, in un capitolo di Un poeta può nasconderne un altro - Il senso della parola di Serge Gainsbourg, scrive “Pare che la formazione sessuale di Gainsbourg significhi molto per i suoi biografi, divisi tra femmine attratte dal mito della Bestia che conquista la Bella e maschi invidiosi del Brutto che attira le splendide che loro non hanno saputo attirare” e più avanti “Ma è la sua grandiosa capacità di assimilare e trasformare, teorizzare e analizzare le pratiche conseguenti in fatto di sesso e amore, temi fondamentali di qualunque espressione artistica, a essere l’elemento principale del mito Gainsbourg”.

Boom! Centro! Ecco, quindi, su cosa non puntare la lente d’ingrandimento, deve aver pensato Marco Ongaro nello scrivere del mito Gainsbourg, comprendendo bene che non sta tanto nella capacità amatoria la sua grandezza quanto, semmai, nel saper trasformare in oro, come un novello Re Mida, “il sudore e le frizioni basilari che coinvolgono due esseri esteticamente ben assortiti nel corso degli esercizi d’amore”, citando ancora una volta l’autore del libro. 

Com’è dunque il Gainsbourg di Ongaro? Se ne intuisce grandiosità e originalità sin dall’introduzione, dove emerge un poeta che non parte dalle idee ma dalle parole, è il cantante francese a dire “Le parole veicolanti le idee, e non le idee veicolanti le parole. Primordiale. Niente parole, niente idee”. Scrive però Ongaro in proposito “Il calembour è sempre in agguato”, come quando Gainsbourg afferma “Fino alla decomposizione, io comporrò”. Ma non solo l’amore per il calembour: dall’immensa produzione di Gainsbourg emerge un utilizzo delle parole spesso spiazzante, così spiazzante da essere a volte incompreso oppure compreso solo in parte, soprattutto per chi non è di lingua madre francese. Nelle proprie canzoni usa spesso il franglese, un ambiguo miscuglio delle lingue francese e inglese in cui i significati si sommano ad arte, come ad esempio in Lemon incest, in cui una tredicenne Charlotte Gainsbourg canta “incest de citron” e il coro le replica “lemon incest (lemon zest)”, una sorta di traduzione simultanea che disvela il senso francese in essa celato. Geniale, come quando fingendo di voler omaggiare la celebre Le foglie morte di Jaques Prevért, scrive la sua La chanson de Prevért, che in francese suona effettivamente come “la canzone del prato verde”, con nuovi versi ispirati perfino forse a quelli potenti del Giuseppe Ungaretti di Non gridate più, con cui in realtà sembra voler dire “Finitela con queste Foglie morte, o moriremo tutti di nostalgia”, quasi a voler interrompere la serie di rimandi per cui un qualcosa nasconde sempre un richiamo a qualcosa d’altro. Persino quando pare a corto d’idee, per cui attinge da versi altrui (c’è in tal senso una complicità incredibile con Boris Vian), riesce sempre a trarne nuova linfa o a scompaginare le carte.

Ma il mito Serge Gainsbourg, dall’inizio del timido Lucien alla fine del borderline Gainsbarre, in questa biografia di Ongaro è totalmente assente? Assolutamente no, è sempre lì sullo sfondo ma sono le canzoni, o meglio il senso per la parola di Gainsbourg, ad attrarre visceralmente Ongaro, che quasi come un biologo mette sotto la lente di ingrandimento le gemme più nascoste e le analizza.

Ne esce una guida preziosissima anche ai neofiti in fatto di Gainsbourg, come il sottoscritto, un vademecum capace di far comprendere come mai questo mito assoluto sia sopravvissuto al passare del tempo, illuminando come un faro anche coloro che sono venuti dopo di lui, diventando a sua volta fonte di ispirazione non solo per i cantautori francesi, ma anche per quelli d’oltralpe, perché in fondo un poeta ne nasconde sempre un altro.

Detto questo, credo che nessun altro in Italia, se non proprio Marco Ongaro, avrebbe potuto scrivere così bene e così approfonditamente di un artista sconosciuto a molti miei coetanei (pronti a riconoscerlo però ascoltando il capolavoro Je t'aime moi non plus, famosissimo brano utilizzato proditoriamente per animare a tappeto i servizi telefonici erotici degli anni ’80) perché Marco Ongaro, come Gainsbourg, ha sempre saputo spaziare da una forma d’arte a un’altra - è autore di canzoni, scrittore di libretti d’opera, saggista, biografo - facendo della tecnica di scrittura la sua arma migliore per cogliere la poetica altrui e appropriarsene. Mi viene in mente, per esempio, la sua canzone The lies que vou disiez, contenuta nell’album Certi sogni non si avverano: in fondo non troviamo qui lo stesso franglese di cui spesso fece sfoggio Gainsbourg?

Un poeta può nasconderne un altro.

Autore: Marco Ongaro

Casa Editrice: Caissa Italia

Genere: Musica

Tipo libro: Saggio

Prezzo: € 19,50