Mauro Ermanno Giovanardi - E poi scegliere con cura le parole - A volte scegliere le parole, e non lasciarle scivolare via, è l’unico modo per restare fedeli a sé stessi.

di Fabio Antonelli

Dopo la parentesi del Covid Mauro Ermanno Giovanardi non è certo rimasto con le mani in mano in questi ultimi due anni, perché nel 2024 è stato protagonista, con Cesare Malfatti, dell’attesissima reunion dei La Crus con la pubblicazione di Proteggimi da ciò che voglio (2024, Mescal) cui è seguita una tournée per i trent’anni dal loro esordio. Contemporaneamente Giovanardi è stato oggetto del documentario Jesus loves the fools con la regia di Filippo D’Angelo, Dimitris Statiris e dello stesso Giovanardi, in cui è narrata la nascita dei Carnival of fools, gruppo rock nato sul finire gli anni ’80 a Milano per iniziativa di Giovanardi. Ne sono nati dei concerti di presentazione in cui Giovanardi è stato accompagnato musicalmente dal chitarrista Marco Carusino.

Prima di tutto ciò, in mezzo e dopo, ha visto piano piano la luce il suo nuovo disco solista E poi scegliere con cura le parole (2026, Universal) dopo nove anni dall’ultimo disco di inediti. Un tempo lungo, necessario, che si avverte in ogni passaggio di questo lavoro pensato, riflettuto, pazientemente costruito. Non un ritorno qualsiasi, ma un disco che suona come una presa di posizione artistica e umana, in controtendenza rispetto al rumore costante che ci circonda.

Giovanardi non rincorre il presente, lo osserva. Non lo giudica dall’alto, lo attraversa. E soprattutto lo racconta con uno strumento che oggi sembra sempre più fragile e marginale: la parola scelta, soppesata, pronunciata con cura. Il titolo dell’album non è dunque un vezzo poetico, ma una vera dichiarazione d’intenti.

Stessa cosa la copertina, tanto curata, quanto essenziale, in cui Mauro Ermanno Giovanardi sembra camminare in bilico sospeso lungo un fascio di luce, è quasi fumettistica, ma non riporta alcun testo, neppure il titolo del disco, quasi a voler riservare alle parole contenute, scelte, soppesate con cura nel disco tutta l’attenzione che meritano.

Il disco si apre con Il buio nella pelle, brano che assume immediatamente il valore di manifesto. È una canzone che racconta una disillusione profonda, il sentirsi fuori posto in un mondo dove i parametri sembrano cambiati, dove il valore della scrittura e delle emozioni viene spesso oscurato dall’apparenza. Versi come “Se oramai vale più un post / che saper scrivere canzoni / e una foto anche se figa / vale più delle emozioni /questo posto non è il mio / non è quello che volevano / non è quello che sognavo / non è quello in cui credevo” evocano lo smarrimento di una generazione che aveva immaginato altro, e che oggi fatica a riconoscersi nel presente. Musicalmente l’incedere è misurato, elegante, perfettamente funzionale a una voce che entra in punta di piedi ma lascia il segno.

Veloce cambia andamento ma non profondità. Qui il tema è la frenesia, la corsa continua che caratterizza la nostra epoca: tutto accade in fretta, tutto deve essere immediato, anche a costo di perdere senso. Il ritmo più sostenuto e l’elettronica discreta restituiscono efficacemente questa sensazione di accelerazione costante, senza mai sacrificare la chiarezza del racconto.

Con La coscienza della mia generazione si entra nel cuore emotivo dell’album. È uno dei brani più intensi e riusciti dell’intero lavoro, un bilancio lucidissimo di una generazione sospesa, privata di riferimenti solidi, incapace di trasmettere certezze. Giovanardi riesce a essere personale senza mai diventare autoreferenziale, trasformando una riflessione intima in una fotografia collettiva.

Anni zero guarda al passato, ma lo fa senza nostalgia compiaciuta. È piuttosto una canzone sul passaggio del tempo, sulle trasformazioni personali e culturali, sul ruolo che la musica ha avuto come bussola emotiva in quegli anni. Bellissimo l’incipit “Caterina nel silenzio della stanza / pensando che nessuno sentirà / mette un disco del Velluto Sotterraneo / chiude gli occhi sul sofà / lei sa che a certi incroci della vita / travestito da canzone di anni fa / a sorpresa spunta un diavolo sottile / che ti porta ad altre età”. Il pianoforte accompagna il racconto con delicatezza, creando uno spazio di memoria che non indulge nel rimpianto.

Il tradimento è al centro di Amore Giuda, affrontato in senso ampio: affettivo, esistenziale, morale. Il riferimento simbolico è forte, ma il brano resta contenuto, misurato, mai enfatico. Ritmicamente è molto bello, così come quei cori un po’ funky che fanno da contraltare al canto di Giovanardi.

A fare da contrappunto arriva Di struggente amore, che restituisce all’amore una funzione quasi salvifica: fragile, imperfetta, ma necessaria per continuare a stare al mondo “Ho bisogno di te / e della tua presenza / ho bisogno di te / del poco peso che dai / alla mia incoscienza”.

Con Fermami emerge una richiesta esplicita, quasi una supplica: il desiderio di essere trattenuti, di rallentare prima di smarrirsi del tutto. Il crescendo emotivo del brano accompagna questa tensione interiore senza forzature. Una delle più intimiste e cucite sulla pelle di Giovanardi.

Per cantare più forte riflette invece sul ruolo stesso della musica e della voce: cantare come gesto di resistenza, come tentativo di affermarsi in mezzo a un rumore di fondo sempre più assordante. È uno dei brani più consapevolmente “meta” del disco, e proprio per questo tra i più emblematici. Salvifici i versi “Voglio aprire le braccia / per cantare più forte / per ingannare la morte / e sentirmi più vivo”.  La musica come cura contro la morte.

Il numero che viene dopo è una canzone sull’attesa e sull’incertezza, sul non sapere cosa verrà ma continuare comunque ad andare avanti. Il “numero successivo” diventa metafora di un futuro indefinito, mai completamente leggibile, ma inevitabile. Ancora una volta di grande impatto l’inizio della canzone “In quale tasca hai messo / il tuo orgoglio uomo / lo hai lasciato andare via col tempo / in quale tasca hai messo / il tuo nome nuovo / sei soltanto il numero che viene dopo”.

Con Un errore Giovanardi affronta uno dei nuclei concettuali più profondi del disco: l’accettazione della propria imperfezione. L’errore non come fallimento, ma come condizione dell’esistere, come parte integrante del percorso umano. La canzone colpisce per spoglia sincerità “io sono un / sono un errore / io sono un graffio sulla pelle / ancora nulla cambia eppure / quest’ora no non ha sorelle”.   

Non credo nei miracoli riafferma una disillusione lucida, mai cinica. Qui non c’è rassegnazione, piuttosto la consapevolezza che le salvezze, se esistono, passano dalle relazioni, dalle scelte quotidiane, non da interventi esterni.

Ogni voglia di noi due riporta al centro il rapporto, lo spazio intimo condiviso come ultimo luogo di resistenza possibile. È una canzone raccolta, quasi una pausa necessaria prima della chiusura. Forse l’unica canzone d’amore vera e propria del disco ma si fa valere “Apro piano le tue labbra / e le affogo nelle mie / sei la schiuma ed io la sabbia / io le rime tu le poesie / tu sei l’estasi ed io il male / a cui dici sempre sì”.

Il disco si conclude con Ha ragione Schopenhauer, titolo che potrebbe far pensare a un esercizio intellettuale e che invece si rivela una chiusura ironica e amara al tempo stesso. Il riferimento filosofico diventa uno strumento per leggere il disincanto contemporaneo, senza mai appesantire il racconto. Dentro i versi “Con lo stomaco che urla / io non riesco a respirare / io mi sento così perso / e non so dove andare / l’inquietudine che sale / e l’insonnia che stordisce” c’è tutto il mondo di Giovanardi.

Dal punto di vista musicale E poi scegliere con cura le parole è un lavoro cesellato con attenzione estrema. Gli arrangiamenti sono sobri, mai ridondanti, sempre funzionali alla voce, vero centro emotivo del progetto. Fondamentale il lavoro collettivo sui testi: le diverse penne coinvolte Francesco Bianconi, Colapesce, Kaballà, Alessandro Cremonesi, Cheope e Anastasi, non spezzano l’unità narrativa, ma la rafforzano, segno di una direzione artistica chiara e condivisa.

In definitiva siamo di fronte a un disco maturo, profondo, coerente. Un album che non cerca l’impatto immediato ma la durata, che non urla ma resta. Mauro Ermanno Giovanardi firma uno dei lavori più completi e significativi della sua carriera solista, ricordandoci che oggi, forse più che mai, scegliere con cura le parole è un atto necessario.

Mauro Ermanno Giovanardi – E poi scegliere con cura le parole

Woodworm Label – 2026

Tracklist

1.      Il buio nella pelle

2.      Veloce

3.      La coscienza della mia generazione

4.      Anni zero

5.      Amore Giuda

6.      Di struggente amore

7.      Fermami

8.      Per cantare più forte

9.      Il numero che viene dopo

10.  Un errore

11.  Non credo nei miracoli

12.  Ogni voglia di noi due

13.  Ha ragione Schopenhauer

Crediti

Mauro Ermanno Giovanardi: voce, cori, campioni, groove, armonica

Leziero Rescigno: piano, ritmiche, elettronica, mellotron, rhodes, Hammond, piano elettrico, sinth

Lele Battista: cori, programmazioni, synth

Roberto Vernetti: ritmiche, synth, campioni

Marco Benz Gentile: archi

Jessica Testa: archi

Barbara Cavaleri: cori, voce, backing vocals

Paolo Milanesi: Tromba

Cesare Malfatti: elettronica, campioni, chitarra classica, elettronica

Marco Carusino: chitarra fuzz

Produzione artistica: Mauro Ermanno Giovanardi e Leziero Rescigno

Registrazioni: Lele Battista

Testi scritti con la collaborazione di: Francesco Bianconi, Colapesce, Kaballà, Alessandro Cremonesi, Cheope, Anastasi

Etichetta: Woodworm Label

Distribuzione: Universal Music Italia

Anno di pubblicazione: 2026

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Gerardo Balestrieri: Canzoni di rabbia e di guerra, un disco urgente e necessario

di Fabio Antonelli

Proprio nella settimana del Festival di Sanremo, ho voluto intervistare un’artista come Gerardo Balestrieri, napoletano d’origine ma veneziano d’adozione, che ha realizzato, pubblicato e distribuito solo su supporto fisico per scelta il disco “Canzoni di rabbia e di guerra” (Autoprodotto/Ird, 2025), un disco che non avrebbe voluto scrivere perché come ha scritto lui stesso “vorrei cantare l'allegria, la festa e l'abbondanza. E invece non è tempo”. Un disco necessario, aggiungo io.

Sono solito cominciare dalla copertina di un disco, ma questa volta il libretto, che poi libretto non è, ma è un foglio ripiegato in stile macchina da scrivere, mi ha colpito per due motivi, la citazione "Aveva attraversato la soglia mentre io ritiravo il mio piede esitante" tratta da Cuore di Tenebra di Joseph Conrad e quell’incipit nella nota introduttiva "Un disco di canzoni che non avrei voluto scrivere". Immagino un contrasto tra l'urgenza dolorosa di scrivere queste canzoni e il desiderio di parlare d'altro... è così? 

Sì, è stato un disco che non volevo scrivere. Perché mi piacerebbe sempre cantare e suonare la festa e l’abbondanza. E, invece, questo tempo esige altro. E ho scritto della devastazione di questi anni. Il libretto, come il cd, evidenziano l'autoproduzione. L'incipit è un omaggio a Conrad e all' orrore. Quella parola pronunciata da Kurtz al termine del suo viaggio.

A questo punto torniamo pure alla copertina, che è estremamente sobria, realizzata in cartonato, in cui su un fondo che definirei creme sporco in alto troviamo il titolo Canzoni di rabbia e di guerra, in basso l'autore Gerardo Balestrieri. Non credo che la scelta sia stata dettata tanto da motivi economici, ma da motivi artistici quasi a voler sottolineare che in questo disco non c'è spazio né per il divertimento né per inutili fronzoli. È così?

Esattamente, anche se comunque non c'era budget per pagare un fotografo o un grafico. Ho scelto questo sfondo bianco sporco proprio per dar risalto al fatto che appunto non è tutto candido quel che appare. Poi il carattere l’ho scelto sempre affine e infine per un errore nell'inviare la copertina in stampa, mi è arrivato il cd senza il mio nome. Ho dovuto richiedere un timbro e ho timbrato tutte le copie del disco a mano.

Ed eccoci alla prima delle otto tracce che compongono la tracklist, si intitola 50 mila morti ed è un pezzo decisamente rock, molto teso, con versi molto forti "Morti tanti tu non puoi immaginare / morti ridotti in cenere / morti di fame schiacciati dai viveri" ad evidenziare le tante contraddizioni di ogni guerra tanto da concludere il brano così "Morti morti 50 mila morti / mentre intorno tutto tace / è un deserto di morti / e la chiameranno pace". Com'è nata? È stata anche la prima canzone che hai scritto o l'inserirla come prima è stata solo una scelta artistica?

50 mila morti è stata la prima canzone che ho scritto. E l’ho composta pensando a Pierpaolo Capovilla, alla sua voce, alla sua tempra e sensibilità. Gli ho fatto ascoltare un provino, gli è piaciuta, ha aggiunto qualcosa nel testo e poi l’ha incisa. Ho pensato a una musica che potesse essere affine ad entrambi...
E mi è sembrata anche perfetta come prima canzone del disco stesso.

Parlare della seconda canzone del disco, ossia Festival proprio in questa settimana in cui c'è Sanremo fa un certo effetto, sembra studiata apposta. In questa canzone ipotizzi la possibilità di essere un giorno su quel palco dove per altro sei già stato "ma era un'altra rassegna era un altro spessore / era un'altra storia... era la mia / era un'altra stagione". Credo che tu e il Festival di Sanremo siate incompatibili e credo sia un vanto, che dici?

Non so, mi piacerebbe anche andare al Festival ma non so se reggerei tutta l’esposizione mediatica a cui anche i cantautori sono soggetti. Stilisti, prove degli abiti, i reels, i tik tok, la scala...e tutta una serie di cose che non c’entrano nulla con la canzone. Il tutto prima, durante e dopo la kermesse...Questa canzone parla proprio di questo e del ricordo di aver suonato all' Ariston qualche volta in occasione del Tenco.

Il barrito di un elefante e un’armonica a bocca ci introducono nello splendido blues Kurtz, ispirato a Walter E. Kurtz personaggio immaginario presente nel film Apocalypse Now di Francis Ford Coppola, liberamente tratto da Cuore di tenebra di Joseph Conrad, uno dei film più angoscianti sull'orrore della guerra del Vietnam. Qui è immaginato un dialogo tra Kurtz e il capitano Willard ma come ben scrivi "A coloro che non sanno che significa l'orrore / è difficile spiegarlo e trovarne le parole". Mi ricordo di essere rimasto a lungo impressionato dopo la visione di quel film e lo stesso disturbo l'ho provato nell'ascoltare i versi di questa canzone. Obiettivo centrato?

Me lo auguro. Il brano Kurtz vuole essere la sintesi dell’orrore contenuto in questo disco. Come lo è il personaggio letterario e cinematografico. Il testo si ispira al monologo di Marlon Brando. Ho rivisto il film diverse volte mentre arrangiavo la canzone ed è venuto fuori alla fine un blues che scorre tra il Congo e la Cambogia.

Su una musica orientaleggiante si sviluppa, invece, la successiva Neanche una parola in occidente, lucida denuncia dell'indifferenza dell'occidente, l'assenza di condanne, di un "pensiero per fermare la devastazione / la fine mirata di un popolo solo / lo sterminio di vittime innocenti". Più attuale e urgente di così... eppure a prevalere è ancora l'assenza di una ferma condanna a tante atrocità. È ciò che ci fa sentire inermi quanto le vittime dirette?

È quello che ci rende immobili dinanzi alle macerie. Paralizzati nel nostro confortevole mondo, abbiamo modo di leggere guardare ascoltare tante nefandezze, senza nessuna risposta.

Meravigliosa, sia musicalmente sia dal punto di vista del testo, è Chissà, una canzone in cui attraverso una musica suadente ed avvolgente cerchi di immedesimarti, invece, nei carnefici e nelle vittime di orrori di guerra. Bertoli in Leggenda antica cantava "credo che la fame sia un debole pensiero per chi l'ha avuta solo nelle orecchie" e penso che in fondo sia così come dici anche tu, incapace di comprendere, chiedendoti nei versi finali "Chissà come si fa a tessere la tela del ragno / ad inchiodare qualcuno su una croce di legno / ad accorgersi poi di aver preso per sbaglio / l'ospedale civile per un tiro a segno"... Io spesso resto sgomento a incapace di capire, non so tu... Può una canzone consolarci di fronte a tanta irrazionalità?

Questa canzone presentata nei concerti ha scosso e scuote parecchie persone. Credo inevitabilmente, per le parole e quanto più per le argomentazioni trattate. È un testo crudo, lavorato e pensato per essere una canzone ma allo stesso tempo è molto diretto. È stato un brano immediato anche negli assoli e nelle armonie. Ho improvvisato in preproduzione con una tastierina. Son rimasti gli stessi assoli, suonati nel disco dalle chitarre e dal synth. Tutto l’album è stato scritto in tre notti, testi armonie e melodie. Poi con calma, in tre mesi lo abbiamo registrato e ne abbiamo curato la produzione artistica con Carlo Di Gennaro.

A ritmo di valzer hai scritto La paura, inserendo anche dei cori, la paura è davvero una brutta bestia capace di smuovere gli istinti peggiori. Personalmente trovo stupendo il verso "Chi ci sovrasta di incubi e non sa più sognare / è di solito un vecchio che non vuole lasciare", mi sembra descrivere perfettamente l'attuale presidente degli Stati Uniti. Non so se avessi in mente lui nello scriverlo però trovo suggestiva questa ipotesi, che ne pensi?

Mi sa che quando ho scritto questo verso c'era uno ancora più vecchio alla Casa Bianca. È applicabile a chiunque si senta il "vecchio" della situazione. Quello che non vuole lasciare. A volte si è vecchi a trent' anni e già abbastanza ricchi e potenti da non voler mollare l’osso seppur ben sazi. È una canzone sulla paura, su chi è trascinato in guerra e non ci vuole andare. È dedicata a tutti i disertori di questi decenni malsani.

"Si fa presto a suonare un flamenco / se non si hanno le dita mozzate / a calciare un rigore sbilenco / se le gambe te le hanno spezzate" sono versi della canzone Si fa presto a cantare d'amore, in cui c'è anche un bellissimo violoncello. Direi che si fa presto a sputare sentenze seduti su un comodo divano, bisognerebbe sempre cercare di immedesimarsi in chi soffre prima di giudicare con superficialità. In questo disco "urgente" non c'è proprio spazio per parlare di cuore e amore o sbaglio?

In questo album non c' è tanto spazio per cuoricini e faccine sorridenti. Si fa presto a cantare d'amore se non si ha altro da dire o da pensare. In questo caso mi è sembrato più opportuno cantare quel che fa riflettere intorno alla devastazione, alla morte sul lavoro, alle donne ammazzate ogni giorno. Alla paralisi di chi corre tutto il giorno e poi scappa e chiude la porta della sua stanza al mondo.

Ed ecco così giunti al brano che chiude il disco, si intitola semplicemente Mare, ma racchiude dentro di sé un oceano di poesia, dolente poesia, accompagnata da una altrettanto dolente melodia, una umanissima preghiera, meravigliosa. Toccanti i versi "Mare mare amato mio fratello è annegato / e adesso sta quaggiù / mare scuro profondo i miei amici sono a fondo / aiutali tu". Come mai hai scelto di non cantare tu in prima persona questo testo? Finito l'ascolto del brano resta nel cuore una grande amarezza e, soprattutto, la sensazione che dovremmo e potremmo fare molto di più per evitare queste continue tragedie, sei d'accordo? 

Per quest' ultimo brano del disco ho pensato subito a Filomena D' Andrea una delle voci più belle di questi ultimi decenni, secondo me. Filomena ha cantato anche in Neanche una parola in occidente e in La paura. La voce e la persona più vicine a quel che stavo cercando. Mare è un brano che nella sua tragedia lascia un filo di speranza. Come chiusura del disco e come messaggio finale.

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Pippo Pollina – Fra guerra e pace

Fra guerra e pace, la vita di ogni giorno continua.

di Fabio Antonelli

Lo scorso 6 dicembre per l’etichetta Jazzhouse Records di Friburgo è uscito Fra guerra e pace che, se non ho sbagliato a contare, è il venticinquesimo album di Pippo Pollina, ultimo di un lungo percorso musicale nato nel lontano 1987 con il suo primo disco Aspettando che sia mattino.

Venticinque album in trentotto anni di carriera sono un bottino considerevole e magari ci si potrebbe aspettare un calo fisiologico di creatività, invece, questo nuovo capitolo musicale è forse uno dei migliori in assoluto della sua lunga carriera musicale, un disco fortemente voluto, politico, con una impellente voglia di continuare a dire la propria in un momento come questo in cui “La guerra è una dimensione dalla quale l’uomo non si è mai staccato veramente. Quel luogo dove la distruzione e lo sterminio familiarizzano con le altre vicende della vita. Con l’amore, con le nascite, con la fame o la sete.” come si evince per parola dello stesso Pollina, dal cospicuo libretto che accompagna il disco.

Disco che si presenta con un ottimo package in cartonato che include il libretto vero e proprio e la custodia sempre in cartonato e plastica del cd, con una copertina costituita da una foto di una band proveniente da tempi lontani, leggo poi dal libretto essere una foto gentilmente concessa a Pollina dalla famiglia Avvento di Camporeale.

Ma veniamo alle tracce del disco. Vigolais, il brano di apertura, pieno di lirismo, toccante, delicato, splendidamente arrangiato, è dedicato a Chasper Bardill, figlio del noto cantautore svizzero Linard Bardill, tragicamente scomparso il 24 maggio 2025 all'età di 38 anni a causa di un incidente in montagna, vittima di una valanga sul Rimpfischhorn, sopra Zermatt, nel Canton Vallese. È cantato in modo autobiografico, in prima persona, esprimendo quel desiderio della vittima di un ultimo saluto, un ultimo abbraccio reso impossibile dall’improvvisa dipartita, toccanti i versi “Ed abbracciarvi / tutto d’un fiato / questo sì, adesso sì. / Senza parole / nel verde di un prato, / proprio così. / E non ci sarà vento / quella sera di maggio / non ci sarà più rimpianto”.

Il volo del colibrì è, invece, un vibrante invito a vivere la propria vita a pieno, a credere ai propri sogni, a continuare la strada intrapresa, sicuri che le tenebre, sebbene imminenti, non faranno paura. È evidentemente un canto di speranza, bellissimi poi i versi finali “Canta ma non dimenticare / chi ha pagato il conto / per la parola che arricchisce / il tuo racconto. / La dignità della memoria / che rischiara / (e la fronte sfiora) / la notte è dura / arriva ancora / ma non fa paura”.

È ancora la speranza a prevalere sullo sconforto nella successiva Fra i petali del girasole, canzone dalla struttura rockeggiante scritta a quattro mani con Luigi Mariano, cantautore salentino, che narra la storia di un soldato ucraino in licenza mentre sogna una vita migliore dopo la guerra, lontano dal Donbas. La canzone si chiude poeticamente così “E poi su questo oceano radioattivo / io più ti guardo e più mi sento vivo. / Bacio i tuoi capelli color del miele / un’onda fra i petali del girasole / E finirà lo so… / questa guerra inutile”.

La notte dei cristalli, quarta traccia dell’album è stato anche il primo singolo e video ad anticipare l’uscita dell’album, vedendo all’opera per la prima volta in assoluto Pippo Pollina con i figli Julian “FABER” e Madlaina in una canzone dedicata alla tragica notte del 9 novembre del 1938 in cui avvenne un pogrom da parte della popolazione tedesca, favorita dalla Gestapo, nei confronti degli ebrei, a seguito dell’attentato condotto il 7 novembre a Parigi dal diciassettenne ebreo polacco Herschel Grynszpan ai danni del diplomatico tedesco Ernst Eduard vom Rath. Da una delle pagine più buie della storia recente Pippo Pollina riesce a costruire una magnifica canzone molto pacata ed intimista introdotta dal flicorno di Alessandro Presti con versi stupendi come questi “Sarai come quando hanno bruciato il tempio / in nome di Perseo / E hanno spento il sogno caro a Galileo. / Sarai come quando hanno cercato l’oro / e hanno trovato sangue, / nell’oscurità di una notte qualunque”.

Ancora più rivolta al presente è la successiva Free Palestina, con quel oud ad ambientarla perfettamente, lo stile rock e versi pieni di sofferenza senza fine “Non ci sono carezze, verità e certezze ieri né domani. / Poche le mani amiche e gonfie le ferite. / Non ci sono canzoni a riempire di suoni le sere di Gaza / Pietre, polvere e catrame. Freddo sete e fame. “cui fanno da contraltare le voci sparse nel mondo al grido di “Free Palestina”.

Lava la pioggia è, invece, un poeticissimo canto purificatore, dall’incedere prima lento, battente e poi piano piano crescente, un inno alla pioggia capace di lavare via dolori e sofferenze, di donare un briciolo di speranza “Lava la pioggia / e ingrossa / i fiumi d’orgoglio e velocità. / Sulle nostre vendette / le piroette / d’odio e viltà. / Lava la pioggia lava / col suo dolore / ci salverà”.

Lascia estasiati nell’ascolto la successiva canzone Questo tempo insieme, secondo singolo e video di questo album. La canzone vede riuniti nel canto Pippo Pollina, Marcello Mandreucci, Alfonso Moscato e la voce di strada Raquel Romeo, strepitosa scoperta, almeno per il sottoscritto. Queste voci così diverse fra loro si incrociano e mescolano in un canto che è un inno alla gioia dello stare insieme, potere immenso della musica. Segno di vero amore il suggello finale “Se mi cercherai io sempre ci sarò. / E ti aspetto anche se non te lo dirò”.

Il fiume è un brano che scorre lento come un fiume di pianura ma che inesorabile trascina con sé tutti gli istanti di un’esistenza, quelli realmente vissuti e quelli semplicemente sognati “E ti avrò se mai ti avrò / ombra di un istante / E sarai un sogno al mattino / Il bacio di un amante / che c’era e non c’era. / Nuvola straniera di frontiera…”.

Dolcissimo e pieno di poesia è Hasta siempre, il pezzo dedicato a José Alberto Mujica Cordano, il politico e guerrigliero uruguaiano che continuò a vivere in una piccola fattoria a Rincón del Cerro, alla periferia di Montevideo anche durante il suo mandato di presidente dell’Uruguay, rinunciando a vivere nel palazzo presidenziale, autoriducendosi lo stipendio governativo. Il testo sarebbe da riportare per intero, ma non lo farò, dico solo che è tutto da ascoltare per la sua amorevole delicatezza, sia musicale sia poetica.

Il brano successivo Rosabianca è dedicato a Sophie Magdalena Scholl, la giovane attivista tedesca appartenente appunto alla Rosa Bianca, il gruppo di ispirazione cristiana di amici tedeschi che pubblicarono una serie di manifesti contro la dittatura del nazionalsocialismo, scegliendo la ribellione non violenta al regime, che fu catturata e, infine, ghigliottinata dai nazisti. Ancora un brano che lascia il segno, che ricorda questa straziante vicenda, per non dimenticare, soprattutto in questo periodo sospeso tra ignavia o revisionismi “Eppure un giorno si dirà / sarà stato qualche libro / o un prete di periferia. / Ma si chiamava verità / e ti cantava ad alta voce / la sua dolce melodia”.

Il disco si chiude con Piccola canzone per noi, una dolce e delicatissima canzone direi necessaria per riappacificare l’animo dopo tanto dolore e sofferenza, “Piccola canzone per noi / che accarezzi piano”.

In definitiva un gran bel disco, forse uno dei più belli in assoluto tra quelli ascoltati nel 2025, con un Pippo Pollina in gran spolvero sia dal punto di vista musicale con notevoli invenzioni melodiche, sia dal punto di vista dei testi carichi di poesia, che non sente il passare degli anni ma, anzi, appare più ispirato che mai.

Un disco che non troverete in streaming né su Spotify né su altre piattaforme per scelta dell’autore che, ancora una volta, ha preferito prediligere la distribuzione classica della propria musica attraverso i supporti fisici CD e LP oltre che, ovviamente, attraverso una fitta scaletta di concerti tra Svizzera, Austria, Germania, Liechtenstein ed Italia quasi sempre sold out.

Buon ascolto, che di canzoni così ne abbiamo un gran bisogno.

Pippo Pollina

Fra guerra e pace

Jazzhaus Records – 2025

Tracklist

01. Vigolais

02. Il volo del colibrì

03. Fra i petali del girasole

04. La notte dei cristalli

05. Free Palestina

06. Lava la pioggia

07. Questo tempo insieme

08. Il fiume

09. Hasta siempre

10. Rosabianca

11. Piccola canzone per noi

Crediti

Pippo Pollina (voce, chitarra acustica, pianoforte)

Julian Pollina “FABER” e Madlaina Pollina – (voci in La notte dei cristalli)

Marcello Mandreucci, Alfonso Moscato e Raquel Romeo – (voci in Questo tempo insieme)

Lenka Bonaventurova (viola)

Daniel Frankenberg (violino)

Jonas Moosmann (violino)

Stefania Verità (violoncello)

Martin Kälberer (pianoforte, tastiere, fisarmonica, harmonium)

Daniel Stelter (chitarra acustica ed elettrica)

Alex Klier (basso elettrico)

Sven Faller (contrabbasso)

Roberto Petroli (sassofono, clarinetto, clarinetto basso)

Alessandro Presti (flicorno)

Marcio Robino (flauto)

Tommy Baldu (batteria e percussioni)

Martin Kälberer (batteria, percussioni, duduk, mandolino, mandola)

Werner Schmidbauer (armonica)

Daniel Stelter (mandolino e oud)

Registrato nell'estate del 2025 presso Malawi Studio (Bad Endorf, Germania), Indigo Records (Palermo, Italia) e Centochimere Studio (Zurigo, Svizzera). Masterizzato presso LXK Studios a Monaco di Baviera da Alex Klier. Prodotto e arrangiato per Jazzhaus Records (Friburgo, Germania) da Pippo Pollina e Martin Kälberer. Partitura e arrangiamenti per archi e fiati di Roberto Petroli. Foto di copertina per gentile concessione della famiglia AVVENTO (Camporeale, Italia). Progetto grafico di Marc Raner.

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