Musica di Qualità

Recensione CD "Molto più di un buon motivo" di Lu Colombo

2012-03-13T02:49:00.000-07:00

Lu Colombo: “Molto più di un buon motivo”

Molto più di un buon motivo per ascoltare Joaquin Sabina di Lu Colombo

di Fabio Antonelli

C’è indubbiamente molto più di un buon motivo per accostarsi a questo nuovo disco di Lu Colombo che s’intitola “Molto più di un buon motivo” ed è un tributo a Joaquin Sabina.

In primo luogo c’è il mondo poetico di Joaquin Sabina, cantautore spagnolo celeberrimo sia in patria sia in Sudamerica, definito da Lu "un esistenzialista, nonostante il suo successo commerciale, di dimensioni trans nazionali". L’incontro tra Lu e l’universo musicale di Sabina avvenne quasi per caso, galeotta fu la canzone “19 giorni e 600 notti“ (“19 Días y 500 Noche”) che Lu presentò al Premio Tenco nel 2008. La sua esibizione rapì letteralmente Giorgio Secondiano Sacchi che decise di buttarsi anima e corpo, in veste di produttore artistico, nel progetto di realizzare un disco che permettesse di colmare una grande lacuna nel panorama musicale italiano, la generale e totale ignoranza in merito all’esistenza di quello che è tuttora considerato come il massimo esponente della canzone d’autore spagnola.

Qui però, sorge il primo problema, perché Joaquin Sabina è autore molto difficile da tradurre, per quel suo carattere sanguigno, il continuo ricorre a riferimenti culturali, l’uso spesso celato di colte citazioni, insomma un lavoro certosino da esperti, chi meglio di Sergio Secondiano Sacchi poteva allora tentare un’impresa tanto ardua? E con così grande successo, giacché Sergio ha raccontato che lo stesso Joaquin Sabina ha poi telefonato per congratularsi sia per le interpretazioni sia per le traduzioni, a maggior ragione se si pensa che lo stesso Joaquin negli Anni Ottanta è stato traduttore di tanti successi italiani. Un esempio per tutti, relativo alle difficoltà tecniche incontrate in quest’opera di traduzione-ricostruzione, è il brano “Millenovecentoquarantasette”, una libera direi liberissima traduzione della canzone “De purisima y oro”, che in origine racconta di Madrid alla fine della guerra civile spagnola e, ovviamente, è piena zeppa di riferimenti storici, culturali, geografici e sociali di quel periodo. Come tradurre un qualcosa di così lontano da noi? Sergio si è lasciato allora guidare dalla musica e ha così genialmente pensato di trasporre tutto nella Napoli del nostro dopoguerra, quasi nascesse dalle pagine di un qualche racconto di Domenico Rea. Un vero gioiello, ascoltare per credere.

A rendere però incredibilmente piacevole questo disco è soprattutto lei, Lu Colombo che, ormai definitivamente abbandonato il mondo della musica pop dance degli anni ’80 (suoi successi come “Maracaibo”, “Dance all nite” e “Rimini Ouagadougou”), dona la sua voce, così scura e intrigante a questi gioielli, che sembrano abiti sartoriali cuciti su misura per le sue corde vocali, lei si muove e si agita tra le note con grande padronanza ma, soprattutto, riesce a trasmettere emozioni calienti che, son sicuro, piacerebbero anche agli spagnoli.

Un plauso meritano poi i musicisti scelti per questo progetto, tra i tanti nomi ricordo quelli a me già noti come Ellade Bandini, Fabrizio Consoli, Angapiemage Persico, Daniele Caldarini, Francesco Gaffuri, Stefano Covri, ma sono stati tutti molto bravi a calarsi nelle atmosfere a volte un po’ istrioniche di Sabina.

Infine, non ultimi, ci sono ben altri dodici motivi per ascoltare, con intenso piacere, questo tributo alla musica di Sabina, sono le dodici tracce che costituiscono 53’ minuti di musica coinvolgente, emozionante, a tratti folgorante, fatta di squarci di luce, di pennellate di colore dalle tinte forti.

Il disco si muove tra influenze ispaniche, messicane, sonorità mariachi, insomma è tutto da gustare.

La scaletta si apre con “Chiusura per fallimento”, una rumba veloce e ritmata che mette subito la voglia di alzarsi e mettersi a danzare, vi sono accostate immagini della quotidianità, con continui giochi di rime e assonanze, un meccanismo perfetto utilizzato per raccontare la fine di un rapporto amoroso, eccone un efficace passaggio “Questa macchia di sangue e rosso lacca / che la solitudine ci lasciò / in un’anima che torna sempre stracca / prigioniera di una giacca / che è rinchiusa in un paltò”.

Un nostalgico pianoforte ci introduce alla successiva “Una canzone per la Maddalena”, dedicata con grandissimo tatto e delicatezza a una prostituta. Commovente il suo riferimento continuo alle famose pagine del vangelo “Chiedo solo che tu mi scriva / per sapere se è ancora viva / la vergine dei peccati / la sposa del fior della saliva / il sesso con amor degli sposati. / Con il suo grande cuore a cinque stelle / anche il figlio di un Dio la vide e volle la sua pelle / e niente gli costò la Maddalena”. Sublime melodia, enfatizzata dal violino di Andrea Simeoli.

Sono invece trombe e chitarre arpeggianti in stile mariachi, a condurci per mano in “Le lune di miele”, brano apparentemente festoso ma, invece, intimamente triste, quasi un’accorata preghiera affinché ”Resti di moda il cuore che batte / Che ci si abbronzi col sole di aprile / Che ogni notte sia la prima notte / che ogni luna sia luna di miele”. Sentimenti e valori ormai in via d’estinzione nel mondo d’oggi.

“Come un mal di denti”, musicalmente più pop, nasce da una lettera scritta dal Subcomandante Marcos a Joaquin, solo che Sabina, grande poeta, è riuscito a trasformarla in versi pieni di lirica tensione, giocando com’è nel suo stile con le parole e l’accostamento d’immagini apparentemente con alcun nesso fra loro, tipo “vieni a abitare l’angolo degli occhi / semina briciole di pane caldo / sulle canizie di un giovane spavaldo / dai voce al sordo e allo storpio ali / benedici il nostro grano e i nostri frutti / come se noi fossimo complici dei lutti / del nostro cuore … del nostro cuore …”. Geniale quanto ispirato.

Bella, direi divertita, “La locanda di Giosuè” ci mostra il lato più giocoso, da simpatica canaglia, di Joaquin Sabina che ci descrive con dovizia di particolari gli eccentrici personaggi di una notte madrilena, ovvio quindi che la versione italiana è ben lontana dall’essere traduzione letterale, altrimenti riferimenti e circostanze tipicamente madrilene non avrebbero avuto alcun significato per noi. Super lavoro per Sergio Secondiano Sacchi.

Di “Millenovecentoquarantasette” già ho detto quale sia stato il laborioso lavoro di riscrittura, causa i tanti riferimenti storici, però ne è uscita così una canzone ancor più densa di citazioni, pensate che nel libretto ci sono due pagine di note esplicative in merito, che lascio a chi legge il gusto di apprenderne la qualità.

“Giocare per giocare”, s’intuisce dal titolo, è un tentativo giocoso e un tantino bohémien di far canzone, anche se non mancano accenni al sociale “Che i galeotti anche i più tenaci / possan dormire tra lenzuola in seta / felice sia la bocca che dà baci / e non chiede moneta / e non chiede moneta” e i soliti giochi di parole “Ci mancano sciocchezze per i seri / pensare adagio per andare in fretta / e far l’amore accanto ai cimiteri / tradendo l’etichetta / tradendo l’etichetta”. Un valzer godibile e leggiadro.

“19 giorni e 600 notti” è certamente il brano più famoso di Sabina, forse quello che più di altri mostra il suo spirito dissacrante, il tema è quello dell’approccio amoroso con tanto di rifiuto “Cosi se ne andò / Si levò senza / neanche lasciarmi / un saluto di mancia / e dal taxi, / con eccessi un po’audaci / mi spedì due baci, / uno per guancia”, cui segue un abisso di abisso di 19 giorni e 600 notti per dimenticarla, poi una nuova occasione “Non le chiedo perdono, / perché se mi perdonerà / è perché non le importa / è una donna con la testa alta / con la lingua lunga / e la gonna assai corta”, sembra tutto passato ma “E fini che io / per non assediarla / e ritornai / alla maledizione”. Grande pezzo, energico e spumeggiante.

Occorre una tregua, è giunto il momento di “Insieme a te”, languido canto d’amore dettato dal pianoforte di Onofrio Laviola scritto però da Sabina con il consueto gusto del contraddire il comune sentire “E non voglio pomeriggi con il tè / ciò che voglio cuore mio codardo / è che tu muoia per me / e morire insieme a te se tu ti ammazzi / e ammazzarmi insieme a te se poi tu muori / perché l’amore quando non muore ammazza / ma l’amore che ammazza poi non muore”.

L’amore chiama amore e si giunge così a “Camera vuota”, languido e triste canto dal sapore messicano, in cui il suo spirito acido è ancor più schietto e crudo “Non sei la mia colonna, non sono il tuo tappeto / detto a uomo da donna, o meglio vis à vis / non è stato l’altare il mio sogno segreto / perciò posso levare le mie tende da qui”. E’ ancora amore, ma è ancora soprattutto solitudine, l’amore quello vero resta un’utopia.

“E sempre si barava con la vita e con gli amici / fingendoci felici, dormendo qua e là, / e dici quel che pensi e non pensi a ciò che dici / per raccattare baci che san di carità” così Lu canta in “Cosi giovani e vecchi“, quasi si trattasse di una continuazione di questo senso di sconforto e di deriva esistenziale che pervade la poetica di Sabina. Essenziale il contributo del violoncello di Martin Pratissoli.

Chiude il disco “Molto più di un buon motivo” che, in origine, era un unico brano con quello che apre il disco, continuando così il gioco di accostare immagini del quotidiano vivere, sfruttando con grande abilità parole e rime “Questa lacrima di uomo delle nevi / questa orma della scarpa di Barbablù / queste vite eterne tanto brevi / sotto le gonne che sollevi / tra le Americhe e Corfù”. L’unicità era tale che, nella versione spagnola, i ritornelli erano identici, qui invece ne è offerta una variante e la differenza è musicalmente sottolineata da una sognante chitarra elettrica suonata da Alex Cambise. Affascinante infine il sospensivo finale con organo e sega armonica.

Un disco prezioso, che vede il definitivo affermarsi di Lu Colombo nell’ambito della canzone d’autore, in questo disco è solo interprete delle canzoni del grande cantautore spagnolo Joaquin Sabina (tradotte da Sergio Secondiano Sacchi), ma il contributo offerto dalla sua voce è fondamentale nel dare splendore e lucentezza a canzoni dalle tinte forti, le stesse che caratterizzano i quadri di Lu pittrice.

Questo disco nasce dalla mente di una delle colonne portanti Premio Tenco e considerarlo da Targa Tenco per la sezione interpreti di canzoni non proprie, sembra quasi di incorrere nella scure del garante per l’antitrust, ma io il rischio voglio accollarmelo lo stesso, perché a mio modestissimo parere il disco di Lu è davvero un gran disco.

Lu Colombo

Molto più di un buon motivo

UP ART Records - 2011

Nei migliori negozi di dischi

Tracklist

1. Chiusura per fallimento

2. Una canzone per la Maddalena

3. Le lune di miele

4. Come un mal di denti

5. Il chiosco di Giosuè

6. Millenovecentoquarantasette

7. Giocare per giocare

8. 19 giorni e 600 notti

9. Insieme a te

10. Camera vuota

11. Cosi giovani e vecchi

12. Molto più di un buon motivo

Crediti

Lu Colombo: voce, chitarra (11)

Francesco Grant: arrangiamento (1, 8), programmazioni (1), chitarre (1, 8)

Camilla Barbarito: voce (1), coro (7)

Daniele Caldarini: pianoforte (2, 4), tastiere (2, 4), programmazioni (2, 4)

Francesco Gaffuri: contrabbasso (2), basso (4)

Andrea Simeoli: violino (2)

Martin Pratissoli: violoncello (2, 11)

Fabrizio Consoli: chitarre (3), basso acustico (3)

Angapiemage Persico: violino (3)

Francesco Grigolo: trombe (3)

Pierluigi Petris: voce (3, 5), chitarre (5, 6, 10, 12), chitarra (7), coro (7), bandurria (10), arrangiamento violoncello (11), direzione (12), arrangiamento (12)

Massimo Villa: chitarra portoghese (4)

Enrico Pesce: pianoforte (5, 12), organo (12)

Maurizio Dehò: violino (5)

Michele Staino: contrabbasso (5, 7, 9, 10), basso (12)

Ellade Bandini: batteria (5, 7, 12)

Alex Cambise: mandolino (6), coro (7), chitarra solista (12)

Gianfranco Calabrese: arrangiamento (7), programmazioni (7)

Lorenzo Contaldo: fagotto (7)

Paola Falcioni: flauto (7)

Francesco Grigolo: tromba (7), trombe (10)

Jacopo Hachen: organo (7), tastiere (10, 12)

Giorgio Pagano: sega armonica (7, 12)

Sabrina Gabriele: coro (7)

Lisa Petti: coro (7)

Daniele Segreto: coro (7), voce (12)

Max Minoia: programmazioni (8)

Demo Morselli: trombe (8)

Onofrio Laviola: arrangiamento (9), pianoforte (9)

Massimo Martellotta: chitarra twangy (10)

Stefano Covri: chitarra (11)

Testi e musiche di Joaquin Sabina tranne: “Chiusura per fallimento” e “Molto più di un buon motivo” (musica di Alejo Stivel), “Una canzone per la Maddalena” (musica di Pablo Milanés), “Come un mal di denti” (testo di Subcomandante Marcos, Joaquin Sabina – musica di Pancho Varona), “Millenovecentoquarantasette” (testo di Joaquin Sabina, Antonio Oliver), “Giocare per giocare” (musica di Joaquin Sabina, Ariel Rot), “Insieme a te” (musica di Joaquin sabina, Pancho Varona, Antonio Garcia de Diego), “Così giovani e vecchi” (musica di Carlos Varela)

Tutti i testi delle canzoni sono stati tradotti da Sergio Secondiano Sacchi

Produzione artistica: Sergio Secondiano Sacchi

Produzione esecutiva: Lu Colombo

Direzione musicale: Pierluigi Petris

Mastering: Sonoria Recording Plant – Prato

Fotografie: Gianluca Gori

Grafica: Roberto Molteni – Studio Compass

Sito ufficiale di Lu Colombo: www.lucolombo.it

Sito ufficiale di Joaquin Sabina: http://www.jsabina.com/

Giorgio Conte in concerto a Legnano, è arrivato un bastimento carico d’ironia

2012-03-10T11:57:00.000-08:00

di Fabio Antonelli

Artista
Giorgio Conte

Luogo
Teatro Galleria – Legnano (MI)

Data
2.03.2012

Ci sono sere in cui la pigrizia prende il sopravvento e, allora, è dura, soprattutto d’inverno, uscire da casa, abbandonare la propria poltrona per recarsi a teatro. Forse può essere questa la spiegazione di un bel teatro come il Teatro Galleria di Legnano, però semi vuoto, un pubblico che ha mancato una ghiotta ghiottissima occasione, un concerto di Giorgio Conte in tour per presentare il suo nuovo disco “C.Q.F.P. (Come Quando Fuori Piove)”. Magari non è neppure pigrizia, forse è solo uno snobbare i teatri di provincia per riversarsi sugli spettacoli in cartellone nella vicina Milano, fatto sta che la gente presente era davvero poca.

Peccato, doppio peccato.

Primo perché assistere a un concerto di Giorgio è sempre un evento piacevolissimo, anche chi ama restare chiuso in casa quando fuori piove, si sarebbe sentito a suo agio, quasi si trovasse come d’incanto a casa propria, perché Giorgio rispecchia questo modo di cogliere la vita, non a caso il brano che ha dato il nome alla sua nuova fatica discografica recita proprio così “Noi due all’asciutto / e chi se ne frega / se di là dei vetri / sta cadendo il cielo”.

Secondo perché l’evento era inserito nel programma “Eventi per il mondo”, organizzato da Ares Onlus, un’associazione di volontariato per la cooperazione internazionale allo sviluppo e rappresentava quindi un importante momento di sensibilizzazione oltre che di aiuto economico.

Tornando a questo nuovo disco, nel presentarlo Giorgio ha tenuto a chiarire che per la sua realizzazione non s’è proprio fatto mancare nulla, l'ha in pratica registrato in casa, tra i suoi cani e il suo gatto, tra un’attività domestica e l’altra, un tè o un caffè con i biscottini, con vicino l’amico e grande fisarmonicista Walter Porro tessere le trame, utilizzando anche strumenti musicali d’infanzia come i piatti di una vecchia batteria giocattolo, il suo pianoforte con i pedali un po’ rumorosi e tanti effetti speciali. In proposito, sorridendo, ha voluto rilevare che il disco è pieno di effetti speciali come il richiamo della quaglia, il verso della tortora e della civetta, il canto mattutino di un gallo, un cinghiale in amore, il rumore della selce che mola la falce … effetti che sono stati riprodotti puntualmente anche durante la serata, con qualche fuori onda, cui subito Giorgio ha replicato scherzosamente “questi effetti speciali ci stanno proprio prendendo la mano”.

Come avrete già capito, non è stato certamente un concerto di quelli in giacca e cravatta, impettiti, senza mai una sbavatura, di quelli che a fine concerto si finisce per pensare, ma se mi ascoltavo il disco in studio, non era forse la stessa cosa?

No, con Giorgio questo rischio non si corre, già l’inizio del concerto è stato inusuale, prima che entrasse, a sipario chiuso, è stato fatto ascoltare “Gli innamorati e la marina”, un brano dell’ultimo disco, direttamente da cd tanto che, ho pensato, strano che prima di un concerto s’intrattenga il pubblico in sala, con la stessa musica che poi l’artista in cartellone andrà a suonare. Invece, a fine brano, ecco aprirsi il sipario e comparire Giorgio, accompagnato da due bravissimi musicisti, il già citato Walter Porro che si è poi alternato per tutta la serata tra fisarmonica e pianoforte e Alberto Parone che ha curato la parte ritmica tra batteria, percussioni e vocal bass.

Walter Porro si è poi reso protagonista anche di due grandi momenti, omaggiando Lucio Dalla con “L’anno che verrà” eseguito al pianoforte prima dei bis e suonando divinamente “Libertango” di Astor Piazzolla.

L’intera serata è stata costruita intorno al nuovo album ma non sono mancati brani di altri artisti come “La java bleu”, una canzone francese di Patrick Bruel o da precedenti lavori come “A innamorarsi” e l’ironica “Gnè Gnè” tratte da “Il Contestorie”, “Rock 'n roll e Cha cha cha” da “L’ambasciatore dei sogni”, “Te lo farei notare” da “Eccomi qua”, occasioni continue per elargire a piene mani sottile ed elegante ironia.

Ironia sempre garbata che non riesce a scadere nel volgare neppure nell’affrontare il tema un po’ goliardico di un petomane e del suo cane da caccia, descritti con poetici riferimenti danteschi in “Scaricabarile”.

Ironia che non viene meno neppure a settantanni suonati, quando nel pensare al tema della morte, di come comunque un giorno il viaggio terreno finirà anche per lui, è il tema di “La sorpresa”, anche dinanzi a quel fatidico momento, dopo un ipotetico viaggio in cui il carburante finisce, la sua risposta al comandante è “Vado a restituir la chiave / e a pagare il mini bar”. D’altronde un suo cavallo di battaglia, eseguito qui nei bis, è sempre stato “De profundis” di Vladimir Vysotskij che, nella versione in italiana, recita “E va beh che prima o poi dovremo andarci tutti quanti / Ma se c'è chi ha molta fretta che mi passi pure avanti”.

Ironia che non è mancata nel cantare la celebre “Una giornata al mare”, “che non sarebbe stata certo così se le parole non le avesse scritte Paolo” o la canzone “Monticone” scritta, musicata e mai cantata da Paolo, “sarà forse per questo che me l’ha donata?” dice prime di eseguirla in maniera toccante.

Il concerto si chiude con “Non sono Maddalena” un suo pezzo reso famoso da Rosanna Fratello. Anche qui però non manca l’ironia, racconta, infatti, al pubblico di essere stato sempre affascinato dalle calde estati in cui ad Asti giungevano cantanti famosi come Peppino di Capri, Claudio Villa, lui si faceva sempre avanti, faceva ascoltare le sue canzoni, grandi complimenti da tutti, cercava poi di avere i loro numeri di telefono, loro invece si facevano dare il suo … sta però ancora aspettando che il telefono squilli ...

Le foto sono di Consuelo Busi per Pinciroli Foto, Legnano.

Musicisti
Giorgio Conte: voce e chitarre
Walter Porro: fisarmonica e pianoforte
Alberto Parone: batteria, percussioni e vocal bass

Links
Giorgio Conte
Ares Onlus
Eventi per il mondo

Recensione CD "Il cortigiano" di Ugo Cattabiani

2012-03-07T00:33:00.000-08:00

Ugo Cattabiani: "Il cortigiano"
Allegoria dell’artista contemporaneo, in cui impegno e leggerezza convivono
di Fabio Antonelli

“‘Il cortigiano’, allegoria dell'artista, è un atto ideale di liberazione dal Potere.

Il Potere è inteso dall'autore come forza ineludibile che impedisce la realizzazione dell'individuo, lo riduce a cifra, a destinatario forzato di "rappresentanza", di iniziative in suo nome, lo trascina nel vortice del conformismo e della spersonalizzazione. Quindi non solo potere "politico" ma anche potere di condizionamento di un'epoca intera, del presente, che martella incessantemente sul tasto dell'oggi e uccide ogni prospettiva storica - ossia, di giudizio.”

Per Baldassarre Castiglione il cortigiano è un nobile che non si accontenta dell’attributo originario del cavaliere e della sua professione militare: per poter svolgere in modo adeguato e con successo la propria "professione", questo nuovo gentiluomo (parliamo di un trattato del 1528) deve partecipare alla vita culturale contemporanea, deve dimostrarsi informato ed esperto. Castiglione si rifà al concetto oraziano di mediocritas - categoria stilistica e comportamentale - intesa come laboriosa conquista di un equilibrio difficile, di un'eleganza che rifugge dall’affettazione e che nasconde lo sforzo.

Nel 2011 - al netto della mutazione dei costumi, della mentalità e dei sistemi di governo, ma non della prassi clientelare - il cortigiano non può accontentarsi di “soggiornare a corte piacendo al principe”. Se è vero che la categoria dell’utile e del mondano, a 500 anni di distanza, si è rafforzata, allora la missione dell’artista non può che essere quella di una rivolta creativa, una lotta per spezzare le catene della condizione di cortigiano”.

Quanto ho voluto riportare, integralmente, non è tratto dal libretto, per altro ben curato, del disco di Ugo Cattabiani, bensì è tratto dalla pagina di presentazione del disco sul sito della neonata Rigoletto Records.

Perché sono voluto partire da qui? Perché la musica forse più che altri mezzi espressivi è sempre difficile da spiegare a parole e a volte i comunicati stampa o le note informative pubblicate su un’opera possono indurre a facili illusioni, presagire difficili ascolti, insomma possono anche condurre fuori strada.

Perché affermo questo? Perché leggendo la suddetta presentazione, m’immaginerei un disco con una forte valenza sociopolitica, magari uno di quei mattoni che una volta ascoltati, ti dici: si bel disco impegnato, però adesso lo ripongo nella sua custodia e lo archivio per bene.

Invece? Invece no, perché Ugo Cattabiani, giovane trentaquattrenne musicista parmense, che ha militato in varie formazioni ed è stato il leader degli Ottobre Scirocco, ha scelto per il suo disco d’esordio come solista, un linguaggio musicale che affonda nel blues, in cui però troviamo anche la canzone d’autore, il country folk, lo swing, la ricercata melodia, ne è uscito così un prodotto godibilissimo di presa immediata, che non necessita di ascolti su ascolti per iniziare a farsi apprezzare.

Ne è un esempio, il brano di apertura “Sanpa blues” che musicalmente suona un po’ country blues e mi ricorda un po’ lo stile di “Certi momenti” di Pierangelo Bertoli, si parla di un disilluso post serata musicale, anzi il seguito di un concorso musicale, ne riporto l’accurata ambientazione “Nel buio rivedo l’Appennino / come una linea che dondola nel cielo / inseguo l’aroma dei ricordi/ tra i vetri sporchi e raffiche di vino / la sete è un baio corridore che a briglia sciolta continuo ad incitar”, cui fa seguito un altrettanto suggestivo finale “ma il sole s’insinua nel cortile / e in girotondo comincia a vorticar / in mezzo ai fili curvi di rugiada / tra locandine strappate sulla strada / e l’orizzonte risplende tra le piante ed il futuro ormai non è importante”.

Discorso analogo vale anche per “La locanda del Trinchetto”, in cui il clarinetto di Alessandro Mori riesce a disegnare mirabolanti acrobazie e la scelta swing fa si che una sbornia colossale si possa anche tingere di poesia.

Totalmente diversa è “Lo straniero”, che ha un’atmosfera rock psichedelica, direi noir, sottolineata anche dai versi “Nel cielo di un sogno d’infanzia / ti scordi chi sei / papaveri bianchi di ghiaccio / che non coglierai” e più oltre “Il piccolo fuoco di paglia / di un amore comprato / per consolare il corpo / del suo viaggio sbagliato / ma la notte è un oceano di spilli / un cemento di volti spietati”.

I cambi stilistici sono repentini, come con la canzone “Dentro una grande città”, che respira aria di rock anglosassone, venato di malinconica, di nostalgia verso un’adolescenza ormai lontana come sembrano suggerire anche le prime immagini “Mai più ritroveremo il senso di / sorprenderci a ridere / nudi con l’ansia di conoscerci / toccandoci sempre più giù / la sabbia sui lettini duri ruvidi / sperando di nasconderci”.

Anche in “Dove sei finita Penny Lane”, con quel richiamo alla famosa canzone sull’infanzia dei Beatles, c’è molta nostalgia, la canzone, vocalmente, è condivisa con Francesco Pelosi, leggero british anni’ 60.

“Non credere che vada bene così” è anch’essa una canzone post, post amore ormai concluso, in stile country folk sembra scorrere placida come un fiume di pianura, ma il finale serba un’amara sorpresa “porterò con me solo una scheggia di rancore / per non avermi fatto confessare / che il mio tempo stringe e tu non lo potrai riempire / ma non credere che vada bene così”.

“La passeggiata” è un monologo recitato su un fondale musicale scuro, la canzone sembra incedere lenta, proprio come può esserlo una tranquilla passeggiata, poi ecco la novità, un altro cantiere, la gente che guardava dalle finestre, qualcosa sembra scomparso, è il ricordo degli anarchici Cieri e Picelli, c’è chi “schedava nell’unico file di sistema / la silhouette dei sostenitori / condannando all’ostracismo i biechi perplessi / otri gonfiati di obiezioni / al nuovo che avanza / che non risparmia gli oppositori / Nessuno sorrise, stringendo la mano del cortigiano”, ma è forse solo un brutto sogno “Nei pressi di un’osteria / il vino rese Ardito un timido ubriaco”.

Elettrica e accorata, la successiva traccia “I cortigiani” è tanto breve quanto intensa, Ugo canta con voce sporca questi versi “Cortigiani, vil razza dannata / per quel prezzo vendeste il mio bene / a voi nulla per l’oro sconviene / ma mia figlia è impagabil tesor / la rendete o se pur disarmata / questa mano per voi forse cruenta / nulla al mondo più l’uomo paventa / se dei figli difende l’onor”. Versi e valori d’altri tempi? In parte, i versi sono del librettista Francesco Maria Piave e la musica è di Giuseppe Verdi, ma i valori restano sempre validi.

“Libri aperti” è, anch’essa, a suo modo, una canzone d’altri tempi, quelli dell’adolescenza, c’è come una grande nostalgia di quei primi goffi approcci amorosi “La tua amica dice che dovresti frequentare / il suo corso medioevale di regine unne / via, mandala via / chiudiamoci a chiave in camera tua / via, rispondile che si studia abbracciati la filosofia”.

Con “Falso” si torna al blues, di quelli tosti e molto cadenzati, il testo allude, neppure troppo celatamente, a un despota “falso che impone alle reti ducali / cravatta gialla, cravatta azzurra / falso che odia la plebe in suburra / donne affittate, mogli scartate” fino al duro attacco finale “Vende la casa di ogni fratello / e per le mani ha sempre un u”.

E’ un crescendo d’intensità, arriva “Giullare attento!”, un breve monito, ormai tardivo, per il giullare che ha osato troppo “Mentre il sire accende il rogo tu lo sfidi / mentre i tuoi sonagli colano, sorridi / mentre i tuoi colori sfumano”, musicalmente sembra quasi un brano anni ’70, ipnotico, psichedelico.

“Il colombre” è invece un canto pieno di nostalgia e un po’ sognante, il titolo penso si riferisca al famoso racconto di Dino Buzzati, ma la presenza di un ufficiale di nome Achab sembra evocare un’altra storia di mare, “Moby Dick”, ma forse tutta la messa in scena è solo una scusa per una riflessione sull’esistenza e il viaggio per mare è solo una metafora della vita.

C’è un’armonica, poi entra una chitarra acustica, inizia il canto, mi sembrano parole e melodia che già mi appartengono e non mi sbaglio, “Un mattino di troppo” è, infatti, l’adattamento in italiano di “One too many mornings” di Bob Dylan.

Un pianoforte ci introduce quindi nell’ultima traccia “Ogni cosa finisce”, l’atmosfera è di quelle un po’ tristi, proprio come quando qualcosa di bello sta per finirsi e già appartiene al passato “Giorni che scorrono uguali ad altri mai vissuti / l’aria profuma di passato / stanchi gli sguardi velati di chi non può sognare / scende la sera senza baci”.

Ugo Cattabiani, con questo “Cortigiani” conferma ciò che di buono aveva già dimostrato nel precedente progetto firmato “Ottobre Scirocco”, anzi forse compie un passo in avanti, affrancandosi dal disco di genere, perché questa sua nuova fatica non può essere liquidata come un buon disco blues, piuttosto rappresenta una sua personalissima via verso la canzone d’autore più impegnata, senza per questo dimenticare il proprio amore per il blues, il folk americano, il country.

Avercene di buoni tentativi così!

Ugo Cattabiani

Il cortigiano

Rigoletto Records - 2011

Disco in vendita ai concerti o ordinabile su http://www.infoshopmag6.it/

Tracklist

01. Sanpa blues

02. La locanda del trinchetto

03. Lo straniero

04. Dentro una grande città

05. Dove sei finita Penny Lane

06. Non credere che vada bene così

07. La passeggiata

08. Cortigiani

09. I libri aperti

10. Falso

11. Giullare, attento!

12. Il colombre

13. Un mattino di troppo

14. Ogni cosa che finisce

Crediti

Ugo Cattabiani: voce, chitarra acustica (1), lap steel (1), chitarre (2, 3, 4, 5), organo (4), cori (5)

Vittorio Navarra: basso elettrico (1, 2, 3, 4, 5)

Thierry Binelli: batteria (1, 2, 3, 4, 5), cembalo (3, 4)

Rocco Rosignoli: violino (1)

Domenico Maisto: pianoforte (1), organo (1), piano elettrico (2)

Nik Gambara: chitarra acustica (1)

Andrea “Mr. Trebs” Trevisan: armonica (1)

Alessandro Mori: clarinetto (2)

Paolo Franceschi: organo (3), synth (5)

Francesco Pelosi: voce (5), cori (5)

Prodotto da Ugo Cattabiani e Nik Gambara

Registrato e mixato da Nik Gambara presso lo studio Bd.C. di Parma

Foto copertina: Sara Montali

Foto retro cover: marco Olivotto

Foto libretto: Leonardo Barbarini (tranne pag. 8-9 di Cecilia Vecchi)

Grafica e Artwork: Leonardo Barbarini

Sito ufficiale di Ugo Cattabiani: www.myspace.com/ugocattabiani

2012-03-04T01:35:00.000-08:00

Lucio Dalla mi ha lasciato solo e ...
“io mi sto preparando è questa la novità”
di Fabio Antonelli

No, non voglio fare come chi, pur non conoscendo per nulla il defunto si mette a scrivere e parlare di lui, tessendone magari elogi e svelandone particolari inediti e non ho neppure pronto il classico “coccodrillo”, perché Lucio Dalla con la sua morte improvvisa mi ha spiazzato, mi ha lasciato solo, senza parole.

Sarò sincero, io di Lucio Dalla, come musicista e ancor più come uomo di spettacolo, conosco poco o nulla e, aggravante, ammetto candidamente che saranno almeno tre anni che non ascolto più sue canzoni, non fosse altro che per il semplice fatto che di Lucio possedevo solo album su nastro e, il lettore di cassette, l’ho ormai archiviato da tempo per motivi di spazio.

Cercherò allora di fare affidamento ai miei ricordi e ai momenti di contatto con la sua figura.

Occorre però andare indietro nel tempo, al lontano 1986.

Avevo allora diciotto anni e proprio in quell’anno la Milkana (si proprio quella dei formaggini) pubblicizzava in tv la possibilità di avere in omaggio, tramite il consumo dei propri formaggini, di tre cassette dedicate a Lucio Dalla.

Non ho mai amato i formaggini, neppure quando ero bambino e, a dire il vero, mi piacevano solo i Tigre. Non è però per disquisire di formaggini che sto scrivendo, fatto sta che decisi di aderire comunque alla campagna punti e mi procurai così le tre ambite cassette, che avevano questi titoli “4 marzo e altre storie di Lucio Dalla”, “Quel fenomeno di Lucio Dalla” e “1983 e dintorni Lucio Dalla”, tutte edite dalla gloriosa RCA.

La prima di queste cassette, conteneva alcune tra le primissime canzoni di Lucio, “Sylvie”, “Piazza Grande”, “Itaca”, “La casa in riva al mare”, “Paff … Bum”, ovviamente “4/3/1943”, “Un uomo come me”, “Anna bellanna”, “Pezzo zero” e, infine, “Sulla rotta di Cristoforo Colombo”. Ne rimasi affascinato, mi accorsi subito che il suo era un modo di far musica fuori dagli schemi, colto e popolare al tempo stesso, profondo ma accessibile, che sapeva far riflettere senza per rinunciare di volta in volta alla melodia e al ritmo.

Anzi, a ripensarci ora, mi rendo conto che un primo contatto con la sua musica lo ebbi ben prima.

Mia zia, musicalmente onnivora, aveva un giradischi e una raccolta di 45 giri ben nutrita e mi ricordo che, durante le estati al lago, passate chiuso in casa per i violenti temporali estivi, io, mia sorella e mio cugino, amavamo passare il tempo ascoltando dischi e, tra i tanti, c’erano si titoli come “Speedy Gonzales” di Peppino di Capri o “Lettera a Pinocchio” di Johnny Dorelli, ma c’era anche proprio “Paff … Bum” di Lucio Dalla ed era tra i 45 giri più gettonati.

Torniamo però a quelle musicassette, che costituirono il mio primo approccio con la musica di Lucio, la seconda conteneva invece “Com’è profondo il mare”, “L’ingorgo”, “L’operaio Gerolamo”, “Il Coyote”, “Anidride solforosa”, “La borsa dei valori”, “Due ragazzi”, “Disperato erotico stomp”, un ulteriore stacco con quanto ero solito ascoltare abitualmente, certamente troppo profondo per essere compreso fino in fondo, rivoluzionario per certi versi. Solo il tempo e una maggiore maturità mi permisero poi di mettere bene a fuoco il tutto ed ecco allora, giusto per fare un esempio, che una canzone scandalosa per quegli anni come “Disperato erotico stomp” ai miei occhi si svuotò della carica provocatoria e si riappropriò del suo vero significato, quello di scanzonata quanta amara canzone sulla solitudine.

La terza cassetta con “1983”, “Pecorella”, “Telefonami tra vent’anni”, “Il gigante e la bambina”, “Il fiume e la città”, “Il cielo”, “Noi come voi”, “Solo”, “Nuvolari”, “Africa” attingendo soprattutto dall’album “1983”, chiudeva questo illuminante quadro d’insieme su questa prima fase creativa di Lucio. Molte di quelle canzoni erano ormai entrate nella mia vita, anche se forse allora si trattava solo di un amore superficiale, una cotta adolescenziale, una fiammata tanto intensa quanto rapida a estinguersi.

Il 1986 fu, però un anno proficuo in questo mio processo di avvicinamento al suo mondo musicale, l’ulteriore passo avanti fu generato dalla prima e unica bigiata della mia vita di studente, ero in quinta superiore e si era a primavera. La prof di matematica aveva organizzato un compito in classe riparatore per molti di noi, o così doveva essere nelle sue intenzioni, fu così che io e due miei compagni, i classici "secchioni" dicevano gli altri, ci “sacrificammo” per alzare la media dei voti della classe. Dove volete che bigiassero tre “secchioni”? Andammo alla fiera dell’Elettrotecnica a Milano, la nostra bravata ci costò quasi l’abbassamento del voto di ammissione alla maturità (dovemmo pregare la prof in cinese per farle cambiare idea), ma la gita in compenso ci fruttò tre biglietti per un concerto all’attuale Pala Sharp a Milano, in cartello c’era proprio un concerto di Lucio Dalla, preceduto e poi accompagnato dagli Stadio.

Fu il mio primo concerto importante e fu un’esperienza unica, entusiasmante, quell’”omino piccolo così … un cappello piccolo così, con dentro un sogno da realizzare” quella sera mi regalò palpitanti emozioni. Cantò in pratica le canzoni che proprio in quello stesso anno portò in tour in America e sfociarono nello straordinario doppio cd live “DallAmeriCaruso” e lo scrive uno che, notoriamente, ama poco i dischi live.

Lo so, l’amico Giorgio Maimone di Bielle, che mi aveva chiesto che scrivessi di Lucio Dalla e di “DallAmeriCaruso”, il disco di Lucio più amato dal sottoscritto, a questo punto forse rimarrà deluso, ma non lo farò.

Ieri sera ho visto per intero su RAI5 (perché la RAI non ha avuto il coraggio, almeno una volta, di sospendere la consueta programmazione per trasmetterlo su uno dei tre canali principali?) il concerto che Lucio Dalla tenne, proprio lo stesso anno a Piacenza, sempre con gli Stadio e mi sono commosso, ho pianto tra una canzone e l’altra e non voglio soffrire ancora ripercorrendo le splendide pagine musicali contenute in quel disco live, forse la più bella testimonianza in assoluto del suo concepire la musica e le canzoni per guardare con occhi diversi alla vita e oltre la vita, con grande profondità intellettuale ma senza mai perdere di vista “il bracciante lucano”, “il pastore abruzzese”, “la casalinga di Treviso” per dirla alla Nanni Moretti.

Il mio invito è quindi quello di procurarsi questo disco, non a scopo feticistico per dire beh, un disco di Lucio l’ho anch’io nella mia discografia di casa, ma perché nel suo insieme rappresenta forse più di ogni altra opera, le varie sfaccettature di questo geniale musicista, quasi avesse voluto lui stesso lasciarci un monumento che ne ricordasse le gesta.

No, “grande figlio di puttana”, questo brutto scherzo non lo dovevi proprio fare, mi hai lasciati solo, con le tue canzoni e “io mi sto preparando è questa la novità”.

Folco Orselli in concerto a Milano, mai più senza generi di conforto

2012-02-29T15:24:00.000-08:00

Folco Orselli in concerto a Milano, mai più senza generi di conforto

di Fabio Antonelli

Artista

Folco Orselli

Luogo

Salumeria della Musica - Milano

Data

23.02.2012

E’ una Salumeria della Musica davvero affollata quella che si trova davanti il cantautore milanese Folco Orselli quando, verso le 23, sale sul palco accompagnato dai suoi musicisti e inizia il concerto sulle note di “Dubbi”.

Già, a volte le coincidenze sembrano essere studiate a tavolino, dubbi erano quelli che nutrivo io, in una mia recente intervista fatta a Folco, in merito alla messa in scena live del suo ultimo disco “Generi di conforto”, un disco da Targa Tenco oserei dire, giusto per appuntarselo lì in attesa della prossima votazione delle Targhe e sempre che il governo Monti non decida di tagliare centralmente anche quest’ultimo residuo di cultura musicale in Italia, un disco incredibilmente cinematografico nel suo lento svolgersi quasi fosse una pellicola ma che ha, come esecutore musicale principale, una vera e propria orchestra con tanto di archi e fiati.

In quell’intervista chiedevo a Folco come sarebbe riuscito a rendere dal vivo le ricche atmosfere del disco, perché si sa che un’orchestra non trova certo spazio in qualsiasi locale e si sa anche che l’economia d’esercizio ha una propria valenza, pena l’apertura di un finanziamento inestinguibile in perfetto stile Grecia per mantenersi il tour.

La soluzione scelta da Folco è stata dunque quella di affidarsi alle tastiere, al computer e ai campionamenti di Fulvio Arnoldo. Certo non è come vedere fisicamente all’opera dal vero anche un solo quartetto d’archi, ma, a occhi chiusi vi posso assicurare che l’effetto è stato del tutto paragonabile. Poi, occorre ammetterlo, accanto a lui c’erano altrettanti ottimi musicisti in carne ed ossa, da uno straordinario Enzo Messina alle prese con il piano elettrico e un hammond suonato da brividi, il validissimo Stefano Bandoni alle chitarre, l’affidabile quanto puntuale Piero Orsini al contrabbasso e una New entry, Leif Sercy alla batteria, una presenza la sua, da riconfermare sicuramente e, infine, buon ultimo se come si dice, gli ultimi saranno i primi, proprio lui, Folco Orselli, questa volta quasi totalmente dedito alla parte vocale, con la sua voce calda e graffiante, oramai decisamente affrancatasi dal modello Tom Waits più rovinato, condito da tutta la sua personalità e simpatia da vecchio lupo del palcoscenico.

A voler essere pignoli forse, è mancata solo una presenza quasi costante nei lives di Folco, quella cioè del trombettista Pepe Ragonese, uno che non sfigurerebbe certo affiancato a nomi come quelli di Rava, Fresu, Boltro, ecc., purtroppo impegnato in contemporanea al Ragoo di Milano con la propria jazz band The Thrust.

Torniamo però a Folco, il vero protagonista di questa serata che si potrebbe definire double face, perché nella prima parte l’artista ha attinto a piene mani dalla sua ultima fatica discografica passando attraverso canzoni d’amore come “In caccia di te”, una melodia che sembra essere da sempre residente nella testa degli ascoltatori presenti, commoventi ballate come “La ballata del “Paolone”, una storia d’amore tra barboni … ma si sa, che l’amore un po’ come il bello, si può trovare anche tra le persone o nei luoghi più inaspettati, “è facile” racconta in proposito Folco, “trovare la bellezza di Milano nella piazza del Duomo, io invece l’ho saputa cogliere in periferia di Milano e credo che Piazzale Maciachini abbia un suo fascino”. Una volta però ascoltata l’omonima canzone, penso che anche voi sareste d’accordo con lui. Come non citare poi canzoni come la suggestiva “Macaria”, “Inno alla follia” con la quale ha citato l’amico poeta Vincenzo Costantino, per altro presente tra il pubblico o, a chiudere questa prima parte di programma, la splendida “Manila”, canzone legata ai ricordi.

Nella seconda parte della serata, invece, Folco ha voluto riprendere pezzi del precedente “MlanoBabilonia”, passando così a sonorità totalmente differenti, più dure, direi sospese tra rock e funky, partendo proprio dall’apocalittica “La fine del mondo”, canzone attuale come non mai non tanto perché siamo nel fatidico 2012, ma perché specchio dell’attuale società, in cui sembra quasi che per sopravvivere si debba per forza essere dei pirati senza scrupoli come quelli raccontati in “Jack Tar”, ma forse non è così, esiste ancora chi sogna la libertà, proprio come il pianista protagonista di “Jimmy Corea”.

C’è ovviamente spazio in scaletta, anche per qualche pezzo più vecchio, ma sempre sfavillante come “Get Out”, “Il crogiuolo” o la conclusiva “Blues per lei” e, ammetto che, a ben guardare, Folco avrebbe potuto cantare ben oltre le due ore effettive dello spettacolo, anzi durante la serata, proprio lo stesso Folco scherzando, ha detto “tre ore e mezza di concerto, poi faccio una piccola pausa e fino al mattino, un po’ come a Woodstock”.

E’ giunto infine il momento dei bis, Folco rientra da solo, si siede al piano e comincia a parlare di come spesso la vita ci sorprenda, di come invece la nuova amministrazione di Milano, non abbia ancora sorpreso nessuno per qualche propria azione politica davvero efficace, è proprio l’ora di eseguire la pluripremiata “L’amore ci sorprende”. Folco sorprende così non solo il sottoscritto perché l’emozione tra il pubblico è tanta.

Folco l’avverte nell’aria e chiude con “Senza neanche una lira”, ringraziando così i tanti che, pur in un momento di grave crisi come questo, hanno voluto essere lì con lui, aggiungendo che “chi ci governa potrà farci anche i conti in tasca ma i sogni, quelli non ce li potranno portare via mai”.

Scrosciano ovviamente gli applausi per quest’artista meneghino autentico e sincero, spesso ingiustamente accusato di rifarsi troppo a Tom Waits. Che dire in proposito? Si, è vero che l’artista americano è tra le grandi passioni di Folco, ma è altrettanto vero che il nostro si è orami costruito un proprio genere musicale che definirei, è il caso di dirlo, “di conforto”.

Dovesse passare dalle vostre parti, non lasciatevelo sfuggire.

Le foto sono di Fabio Antonelli

Musicisti

Folco Orselli: voce, chitarra e piano

Enzo Messina: piano e hammond

Fulvio Arnoldo: tastiere e percussioni

Stefano "Brando" Brandoni: chitarre

Leif Sercy: batteria

Piero Orsini: contrabbasso

Links

Folco Orselli

Salumeria della Musica

Intervista a Folco Orselli intorno a “Generi di conforto”

2012-02-15T14:21:00.000-08:00

Intervista a Folco Orselli intorno a “Generi di conforto”
di Fabio Antonelli

Folco Orselli, quarantenne cantautore milanese, alle spalle già tre album e un triplo premio al Musicultura nel 2008 (primo premio assoluto, la targa della critica e il riconoscimento per il miglior testo) con la canzone d’amore “L’amore ci sorprende”, è appena tornato all’attivo con un nuovo album d’inediti, intitolato “Generi di conforto”, pubblicato per la sua neonata etichetta Muso Record. La sua può essere considerata a tutti gli effetti una vera e propria sfida in questo mercato discografico a dir poco asfittico. Vediamo allora quali sono le armi, messe in campo da Folco per questa coraggiosa impresa.

Sai Folco, vorrei cominciare questa intervista da una semplice constatazione: prima dell’uscita di questo nuovo disco ne avevi già all’attivo tre (“La stirpe di Caino”, “La spina” e “MilanoBabilonia”), una miriade di concerti, alcuni importanti riconoscimenti da parte della critica, tra cui nel 2008 il Musicultura, grazie alla splendida canzone d’amore “L’amore ci sorprende”. Possibile che per pubblicare questa nuova fatica discografica, che s’intitola “Generi di conforto”, hai dovuto persino creare una tua etichetta, la Muso Records?

La creazione dell’etichetta è venuta da una semplice constatazione: perché dovrei dare royalties e edizioni a etichette che non mi garantiscono né promozione né booking né management? Ho compiuto quarant'anni il 6 dicembre e preferisco immaginarmi un futuro di vera indipendenza. Se avrò ragione, potrò, con il ricavato, continuare a produrre musica mia e altrui senza scendere a nessun compromesso, gettando le basi per una mia piccola rivoluzione: sottrarre la creatività degli artisti al tritacarne mainstream dimostrando così che il successo di un disco dipende dal suo peso specifico qualitativo e non dalle balle che ci propinano sui gusti della gente.

Non è però ancora giunto il momento di parlare delle canzoni del disco, mi soffermo sulla copertina, un dipinto che ti ritrae e firmato da Renzo Bergamo? Perché questa scelta?

Renzo Bergamo, prima di essere il grande artista che il mondo prima o poi scoprirà sia stato, era uno dei miei migliori amici. Un maestro nell’arte dell’ascolto della stupefacente meraviglia che questa Terra ci mette davanti agli occhi. Un uomo che ha saputo attraversare i tormenti e le gioie della creatività uscendone con gli occhi pieni di risposte. Il ritratto che mi fece un giorno nel suo studio ora è diventato la copertina di “Generi di conforto” ed io, da lì, lo sento fischiettare il trombone come spesso faceva. Mi manca molto.

Ancora un piccolo passo, il titolo “Generi di conforto” mi ricorda in qualche modo “L’indispensabile” di Vinicio Capossela. Qui, meno pretenziosamente, la scelta sembra alludere a tutto ciò di cui una volta fatta l’esperienza, è vero che ne può anche fare a meno però, ad avere la possibilità …

Se non ricordo male il disco cui ti riferisci era un best off. Questo è un album d’inediti. I generi di conforto che in filigrana percorrono tutto il disco fanne parte di un codice emozionale che riguarda la mia esistenza fino ad ora. Consegnando a chi ascolta questo bagaglio, cerco vibrazioni simpatiche che mi facciano sentire meno solo nella ricerca permanente della felicità.

“Generi di conforto” è, a tutti gli effetti, un’altra bella sterzata lungo il tuo percorso artistico, se con "MilanoBabilonia" e il suo rock-funky avevi abbandonato quello stile di canzone d’autore che ti aveva portato anche critiche negative, per il solito gioco stupido e tutto italiano per cui se uno ha la voce roca assomiglia per forza a Conte o Capossela, qui cambi nuovamente strada e confidi, per l’occasione, anche all’Orchestra Cantelli. Quale potrà essere la reazione della critica e soprattutto del tuo pubblico pensi di fregartene in ogni caso?

Si, con “MilanoBabilonia” il gioco degli accostamenti è cessato del tutto. La scelta sonora e compositiva era tutto tranne che un linguaggio cantautorale e la critica se n’è accorta. La gente che mi seguiva da “La spina” è rimasta spiazzata ma, conoscendomi, succederà ancora. Con quest’ultimo lavoro ho esplorato la mia capacità di essere diretto e sincero, anche nell’uso della voce che, comunque, io continuo a considerare uno strumento e come tale libero di essere distorto, contorto o ripulito rispetto alla suggestione che si vuole trasmettere.

E’ innegabile che, soprattutto gli archi, abbiano donato a questi dieci brani un’atmosfera molto cinematografica, potrebbero essere benissimo le colonne sonore di altrettanti cortometraggi o essere loro stessi quasi delle sceneggiature per loro carattere descrittivo, penso però che un contributo particolare per gli arrangiamenti e alcune scelte musicali sia da attribuirsi soprattutto a Vincenzo Messina, com’è nata questa vostra collaborazione?

Vincenzo ha fatto parte del “MilanoBabilonia Tour” e durante quelle date abbiamo trovato quelle “affinità elettive” che avrebbero poi portato alla collaborazione per “Generi di conforto”. La sua è stata la prima esperienza arrangiativa con un ensemble orchestrale e, devo dire, è stato eccezionale sotto tutti gli aspetti. La pre-produzione è stata una sorta di magia. Nel giro di un paio di settimane mi ha fatto avere le prime idee che nell’80% sono rimaste quelle. Stiamo già pensando al lato B.

E’ ora di guardare un po’ più da vicino il disco, che parte con una grande canzone d’amore “In caccia di te”, con questo brano punti a un altro Musicultura?

No, non credo sia giusto. Ho vinto tre premi nel 2008… largo ai giovani. “In caccia di te” l’ho scritta circa cinque anni fa su un vecchio pianoforte Clement molto scordato, che tenevo in camera in una mia vecchia casa. Il mio amico Pepe Ragonese ci dormiva sempre sotto con un materasso per terra. Non ho mai capito perché lo preferisse al letto… non il mio … ce n’erano due nella mia stanza… se no l’avrei capito.

E’ davvero compito arduo dire quale tra le dieci tracce sia la più bella in assoluto, io dico solo che quella che più mi commuove, a ogni nuovo ascolto, è “La ballata del Paolone”, com’è nata questa perla?

"La ballata del Paolone" è stata scritta in un pomeriggio d’inverno dopo essere rientrato da un concerto in treno. Alla stazione mi avvicinò un barbone e chiedendomi qualche moneta mi raccontò brevemente di come gli mancasse l’amore della sua vecchia vita. Il farfuglio era sconclusionato ma io capii cosa volesse dire e, non so come, mi ci immedesimai completamente e immaginai il rimpianto e la tenerezza del suo ricordo. Ho sceneggiato l’idea e ne è venuta fuori “La ballata del Paolone”. La feci sentire per primo al mio amico Gianluca de Angelis che ci vide una continuazione di “El purtava i scarp del tennis” di Jannacci. Non ci avevo pensato. Mi piacque ancora di più.

Un’altra canzone che mi piace molto, per quel suo swing un po’ retrò è “La ballata di piazzale Maciachini”, ho forse il chiodo fisso per le ballate? Scherzi a parte, quanto è stato difficile cogliere della bellezza in questa periferica piazza di Milano?

E’ il mio inno all’antimovida. Basta con questi luoghi comuni della Milano aperitivi e cocaina, andate in piazzale Maciachini, in una giornata fresca di maggio, portatevi i panini e sedetevi sul ceppo con un amore allegro tra le mani. Traffico e filobus, mignotte e tombini, una bella birra fresca e va a da via al cu! (come si dice da quelle parti).

Prima ancora che uscisse il disco, hai fatto girare su Youtube, quasi fosse il lancio di un singolo, un vero e proprio antipasto musicale, il brano “Manila”, perché proprio questo brano?

Volevo partire dal fondo, infatti, Manila è il pezzo che chiude l’album. C’è un po’ tutto quello che volevo arrivasse: archi, piano, ricordi, hammond, tromba sognante (Pepe quando suona alla Chet alza il pelo anche ai gatti randagi).

Ti dico poi due brani che stanno un po’ all’opposto nella mia scala di ascolti, “In equilibrio (cadendo nel blues)” ha un fascino direi molto anni ’40 ’50 che me lo fa amare follemente (mirabile la tromba di Pepe Ragonese) e, se si fosse trattato di un vinile, ne avrei già consumati i solchi, mentre “Inno alla follia”, che paradossalmente con quel titolo avrei dovuto amare senza limiti, non mi convince fino in fondo, forse perché troppo autobiografico? A te il compito di invertire o riequilibrare le sorti di queste tracce.

In “In equilibrio” sono i tromboni di Luciano Macchia non la tromba (tranquillo capita di confondersi quando suonano su registri alti), colgo l’occasione per ringraziare anche Daniele Moretto alle restanti trombe e ai corni, un musicista eccezionale che si commuove durante le session di registrazione. Amore per la musica. La canzone è di quelle che non creano mai problemi, si è presentata con una personalità da gran signora dai provini. Per me la regina indiscussa del disco. Inno alla follia fa parte di quel filone teatrale che scorre in me ed è dedicata a tutti gli artisti che rischiano camminando sul filo del burrone. Non ci sono sorti da invertire, ogni canzone possiede chiavi che aprono e chiudono.

In questo disco, come s’è detto, c’è una forte essenziale presenza dell’orchestra, questa scelta, però dal punto di vista dei concerti temo sia difficile da sostenere (sia come logistica sia come costi), come stai gestendo quest’aspetto anzi, a proposito di live, c’è qualche ghiotta occasione in vista, per vedere come questo disco, sontuosamente vestito in studio, regga anche in versione live?

Le canzoni sono state scritte pianoforte e voce e così devono reggere, altrimenti significa che sono artificiose e fragili. Live le presentiamo con un combo jazz (piano, contrabbasso, batteria) con, in aggiunta, chitarra elettrica e un jolly di nome Fulvio Arnoldi che sintetizza l’orchestra con una tastiera. Ti assicuro che la resa è all’altezza del disco. Provare per credere il 23 febbraio 2012 alla Salumeria della musica di Milano.

Sito ufficiale di Folco Orselli

Intervista a Giorgio Conte intorno a “C.Q.F.P.”

2012-02-13T13:58:00.000-08:00

Intervista a Giorgio Conte intorno a “C.Q.F.P.”

di Fabio Antonelli

Sono passati ormai otto anni da “Il Contestorie”, l’ultimo disco d’inediti del cantautore astigiano Giorgio Conte. Il suo nuovo lavoro s’intitola, curiosamente, “C.Q.F.P.” (Come Quando Fuori Piove”) proprio come l’espressione con cui ci si può ricordare facilmente quale seme conta più di un altro nel mazzo di carte francesi (o carte da poker). Non è certo però per parlare di carte, che abbiamo preso contatto con Giorgio, bensì per ragionare intorno a questa sua, ultima fatica discografica. Ecco cosa ci ha raccontato.

“C.Q.F.P.” è il titolo del tuo nuovo disco, uscito a ben otto anni di distanza dal tuo ultimo disco d’inediti “Il Contestorie”, come mai è passato tanto tempo e com’è nata l’idea di questo titolo “strano”?

Otto anni dall'ultimo cd! Già, sono tanti... mi ero distratto, preso dai tanti concerti un po' dappertutto...

Finalmente mi è venuta la voglia di arricchire il mio repertorio, accantonato qualche vecchio pezzo, un po' di noia per la ripetitività dei monologhi ecc. pressato dalle istanze di Emiliano Ardini mio manager, mi sono messo all'opera.

Fortunato fu l'incontro con Walter Porro, musicista e tecnico del suono capacissimo (sua l'idea di incidere a casa mia con i miei strumenti e la mia pace). Sicché i nuovi brani son sgorgati come da una miracolosa sorgente dimenticata e si son fatti "imbottigliare" a dovere!

Come Quando Fuori Piove è un bel titolo, non trovi? Poi è il brano che apre l'album! A me piacciono le filastrocche "pro memoria" come quella che ci insegnavano alle Elementari per ricordare il nome delle Alpi: "Ma con gran pena le reti cala giù!" (Marittime, Cozie, Graie, Pennine, Retiche, Carsiche e Giulie).

“Come Quando Fuori Piove” oltre che essere la title-track, è anche la prima traccia del disco, un brano che sembra voler sottolineare il tuo amore per la famiglia, l’intimità, il chiudersi in casa quasi fosse un rifugio dalle intemperie e le avversità non solo meteorologiche, sbaglio?

Certo, quando fuori il cielo sta cadendo, l'unico rimedio è mettersi al riparo!

“Ieri si” parte da una costatazione: quando si diventa vecchi, è inevitabile che la memoria cominci a far cilecca e spesso si finisce per dimenticare quel che si è appena fatto magari il giorno prima ma, incredibilmente, non si dimentica mai ciò che più si è amato nella giovinezza, è dovuto all’inevitabile nostalgia di quegli anni che non torneranno più?

A una certa età il computer di bordo comincia a fare i capricci sull'attualità, ma il suo archivio è inossidabile e intatto!

L’amore è elemento sempre molto presente nelle tue canzoni, “Tu” e “Di vaniglia e di fior” fanno parte di questo filone inesauribile, allora è proprio vero che non si può vivere senza l’amore?

L'Amore è un meraviglioso giocattolo che Madre Natura ti regala… bisogna saperlo usare, conservarlo con cura, cercare di non guastarlo e, a volte, se ti sembra di averlo perduto, non perdersi d'animo, andare a vedere dove sia finito e riprenderselo.

“Aria, terra e mare” tratta invece un tema a te molto caro, quello dell’abbandono. Come mai è sempre l’uomo a essere abbandonato e non viceversa?

L'uomo abbandonato mi fa più tenerezza di una donna abbandonata... costei è più forte, più leonessa, ce la farà anche da sola... l'uomo, invece...

C’è ancora l’amore al centro della canzone “Gli innamorati e la marina”, è la genesi di una canzone che trae origine dalla fotografia di due innamorati se non ho inteso male…

Come sempre hai capito tutto! Niente da aggiungere!

L’ironia la fa da padrona invece in “Al museo d’Orsay”, qui protagonisti sono una donna e un uomo, dagli interessi un po’ divergenti dico bene? Mi sembra quasi il seguito ideale di “Cannelloni”, che dici?

Lo sai, spesso le mie canzoni traggono spunto da episodi di vita vissuta. Sono scenette di un film con colonna sonora. Mi trovavo a Parigi per promuovere l'album, mai uscito in Italia, "La vita fosse". Day off, il discografico mi affida alle cure di una piacente segretaria, che mi porti un po' in giro. Lei opta per il Museo d'Orsay, non batto ciglio. Coda di un'ora per fare il biglietto, finalmente i grandi pittori sono lì. Lei è preparatissima e sensualmente attratta dalle opere d'arte... io, "di media cultura, coi piedi gonfi" sto al gioco ma intanto ho adocchiato, all'interno del museo, un fantastico ristorante e le offro un pranzo da "Pascià". Siamo a Parigi, come si fa a rinunciare a ostriche e champagne?

Tralascio il divertissement “Balancer” del cui testo non so davvero cosa chiederti. A parte gli scherzi, com’è nata invece l’idea di dedicare una canzone a Geo Chavez, il primo trasvolatore delle Alpi?

In "Balancer" la musica, con i suoi continui cambi di tonalità, non poteva che richiedere un testo/ domanda pressante: "Veux tu dancer?". Non c'è finale. Rimane l'incertezza sulla risposta... ma io dico che alla fine, lei accetterà l'invito.

La genesi di "Gèo"? Ho appreso la storia di questo eroico trasvolatore sulla sua macchina volante, da Carlo Grande scrittore e giornalista de "La Stampa": me ne sono innamorato e l'ho messa in musica, tutto qui.

E’ secondo me ancora la tua grande ironia, unita a raffinatezza, a permetterti di creare una canzone come “Scaricabarile”, che ha per tema una scorreggia, senza che il testo cada mai nel volgare e anzi volando alto, con grande eleganza, musicalmente poi sa molto di canzone popolare, non trovi?

Effettivamente il tema è scabroso (?) e dopo aver tentato altre soluzioni, poco convincenti, ho fatto ricorso a Padre Dante, al suo celebre e grazioso verso.

A un certo punto del disco sembri quasi voler portare su temi più seri l’intero discorso, “Continua così” è innegabilmente un inno alla vita, una dichiarazione d’amore per la vita e i suoi piaceri, dietro l’angolo c’è però, questa volta, anche il pensiero della morte, anche se tale parola non è mai pronunciata, “La sorpresa” è invece un viaggio che è metafora della vita e in cui a un certo punto il carburante finisce. Ne esci, però da entrambe le situazioni con brillante ironia, quest’ironia è una forma di esorcismo, una sorta di potente amuleto?

La Morte, già, Lei, "la Signora vestita di nulla... ", quando verrà a prendermi, le chiederò di pazientare un attimo… "Vado a restituir la chiave e a pagare il mini bar". Uscirò dalla mia vita come da un Albergo, più che altro un 3 stelle, qualche volta a 5.

Penso che spesso ti sia capitato di dover rispondere a domande su tuo fratello Paolo, in questo caso però potrei dire che la zappa sui piedi te la sei tirata un po’ da solo. Come mai hai voluto chiudere il disco con una cover di Paolo e come mai sei andato a pescare proprio “Monticone”, un brano scritto tanti anni fa da Paolo per Gipo Farassino? Si può dire che questa canzone chiude idealmente un cerchio immaginario con “Come Quando Fuori Piove”? Anche se con stili totalmente differenti, nella tua canzone c’è l’attaccamento profondo a ciò che c’è più caro, la propria casa e i propri affetti, in quella di Paolo c’è una grande nostalgia per la propria terra d’origine provata da chi è invece ormai lontana dalla propria terra, è forse una mia forzatura?

"Non c'è mai stata invidia né rivalità tra me e Paolo. Abbiamo passato momenti esaltanti nella nostra comune avventura musicale. Gli ho chiesto di poter interpretare la sua canzone perché mi è sempre piaciuta, mi ha sempre commosso... e poi lui non l'ha mai cantata... gli è piaciuta la mia versione e questa è cosa buona e giusta!

Sito ufficiale di Giorgio Conte

Aida Satta Flores: «Vergogna!» - Intervista a Aida Satta Flores

2012-02-12T08:09:00.000-08:00

Aida Satta Flores: «Vergogna!» - Intervista a Aida Satta Flores
di Fabio Antonelli

La cantautrice siciliana, dalla sua pagina Facebook, si scaglia contro le leggi che non sono uguali per tutti. Ecco cosa mi racconta del "Caso Civello" e di altre piccole storie di malcostume italiano.

Comunicato pubblicato da Aida Satta Flores su Facebook
A NOME DI TUTTI GLI ARTISTI OFFESI DA UN SISTEMA MALATO: CONDIVIDETE QUANTO SEGUE!!!!

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Notte e sogni d'oro!
Piccole Vergogne Italiche! Un Regolamento (come quello di Sanremo), in Italia, non è uguale per tutti, come la Legge! Offesa e oltraggiata a nome di tutti gli Artisti, come me, che non godono di nessuna alta protezione!!! Il Regolamento del Festival di Sanremo parla chiaro: tra i Big cantanti di chiara fama nazionale, Contemporanei, e con canzoni inedite!!! INEDITE! Chiara Civello, tra i Big, canta "Al posto del mondo", già cantata da Daniele Magro, e presente anche su Youtube da oltre 2 anni! Chi protegge la Civello? Parlo a nome di tutti gli Artisti Liberi, e non "protetti", che non metteranno mai piede e voce a Sanremo! VERGOGNA! Altresì, hanno offeso la memoria del mio amico produttore Augusto Daolio, dicendomi che è morto e sepolto da 20 anni! Un Regolamento, come la Legge, dovrebbe essere UGUALE X TUTTI! Attendo reazioni planetarie ... solo per Regolamento, per Legge, e per divertimento! Come è possibile che Notai e Rai permettano ciò? Ah Mazzi! Ah Morandi! Non offendete gli ARTISTI! Non siate così sfacciati! Se volete fare "inciuci", fateli con delicatezza! Un inedito è un inedito! Una canzone già circolante non può partecipare!!! Altrimenti l'anno prossimo presento "La donna cannone" e guai se non mi fate partecipare!!! ;-) Armatevi di parole e coraggio, popolo di Facebook, e suscitiamo, in loro, almeno, il senso di Vergogna, se riusciranno a provarlo!

Abbiamo letto tutti quanto hai scritto sulla tua pagina di Facebook, questo tuo appello, com'è nata la situazione che denunci?
Denuncio l'illegalità, sempre, comunque, ovunque...
Sotto ai portici, nelle zone d'ombra delle civiltà e anche in TV, nel nostro caso a Sanremo, perché la gente deve smetterla di avere il "prosciutto sugli occhi"!
Tangentopoli scoppiò perché qualcuno, furbetto, voleva arricchirsi troppo. Quando "rubacchiavano" in tanti, non scoppiò "tangentopoli"! Possono fare e disfare quel che vogliono, anche in Musica. Tanto la gente sa e conosce solo quel che ascolta e che passa il convento... ma se, platealmente, scrivono le "regole", come in un Regolamento e poi se le mettono sotto ai piedi, per loro interessi, allora c'è da fare la rivoluzione!
Lo dico in nome di tutti gli artisti veri in ombra!!!

Calma calma, prima di armarti e partire per la rivoluzione. Come sei venuta a conoscenza di questa irregolarità, per altro grave?
Ho orecchie per ascoltare e occhi per guardare e me l'avevano detto in molti! Se vai su Youtube c'è la foto di Daniele Magro con l'audio della sua esibizione pubblica della stessa canzone, firmata già all'epoca (due anni fa) da Tejera e Civello!
L'irregolarità è davvero gravissima, se per partecipare tra i Big, da Regolamento, la canzone dev'essere inedita!

Mi pare di aver capito che c'è stato anche un tentativo maldestro di far sparire da Youtube questo video o sbaglio?
Penso di si! Ma se vai adesso, c'è ancora l'audio di Magro e poi, scusami, ma se proprio doveva partecipare, quest'artista sconosciuta, tra i Big, dopo il putiferio accaduto non aveva altre canzoni? Mah! Se ti va, parliamo di altro, ok? Ad esempio delle oltre 280 mie canzoni inedite che vorrei pubblicare, sto lavorando, giusto giusto, sembra fatto apposta, a un nuovo disco che ha come filo conduttore la latitanza di Bellezza e Poesia, nel mondo, per colpa di un certo tipo di adulti...

Ah, non vale questa è pubblicità occulta... (rido) Dimmi piuttosto, ma questo tuo risentimento è forse legato a una tua esclusione da questa edizione di Sanremo? Avevi forse presentato un tuo brano?
Ma cosa dici? Non ho nemmeno una casa discografica! A Morandi, comunque, piaceva una mia canzone "INEDITA", dedicata al rapporto madre-figlio (il mio rapporto con mio figlio Joshua), ma questo fatto non c'entra con il mio senso civico e di "legalità"!!!

Ecco, piuttosto, pensi che dietro un'operazione del genere ci possano essere manovre legate alle major?
Dietro a quest'assurda "operazione" c'è lo specchio dei nostri tempi! Arroganza, dittature di vario tipo, sfrontataggine...
L'artista in questione, Chiara Civello, non ha colpe, se non quella di non aver avuto il minimo "pudore", nei confronti degli altri artisti che leggono il Regolamento, di cambiare canzone: non ne aveva altre? Io, al suo posto, forte della mia certa partecipazione, avrei cantato una canzone inedita!
Nel "regno dei poveretti" (noi tutti, gli "umani") non ha senso la "guerra dei poveri"! Sono indignata con la sfrontataggine di organizzatori e Rai, la TV di Stato, che addirittura cita, con parole notarili, la non esclusione di detta canzone EDITA, EDITISSIMA, spacciandola come inedita!

Sono d'accordo con questa tua osservazione, mi spieghi però la citazione che hai fatto in merito alla figura di Augusto Daolio?
Augusto Daolio fu l'ultimo mio produttore, nel 1992. Produsse, con gli amici Nomadi, il mio album "Il profumo dei limoni", duettando con me in "Un bersaglio al centro". Addirittura voleva cantare tutte le mie canzoni, ma era malato da tempo! Sparì da questo mondo nel novembre 1992. Ebbene, un collaboratore di Morandi, di cui non so se farne il nome, mi ha detto che non sono "artista CONTEMPORANEA" perché il mio produttore, Augusto Daolio, è morto venti anni fa! Vergogna!!!
Gli risposi che proprio quest'anno, nel 2012, c'è la ricorrenza del ventennale della sua morte, e non sarebbe stata una cattiva idea ricordarlo anche su quel palco, anche senza la mia presenza!
Non penso che detto collaboratore di Morandi si sia permesso di dire alla Civello "ma chi cazzo ti conosce, per partecipare tra i Big!" per poi parlare in questi termini di Daolio!!! Davvero non c'è più mondo!

Davvero, non ho parole. Lasciamo, però il Festival di Sanremo in balia di se stesso e, poiché prima hai accennato a un ricco canzoniere pronto e, soprattutto, a un tuo progetto discografico, dimmi qualcosa di più in attesa che questo si concretizzi.
Sto preparando un "masterino" (mi piace chiamarlo così!), una fotografia di canzoni e cortometraggi! Voglio preparare un cofanetto, cd + dvd di corti. Il titolo? Una frase tratta da "A cuore nudo", una mia canzone "inedita" (ovvero non pubblicata), che ha ricevuto, però, diversi riconoscimenti. Nella canzone scrivo e canto del ruolo dell'Artista. Duetta con me uno strepitoso Leo Gullotta, che ho voluto nei panni di un antico banditore che urla, per le strade, la notizia della morte della Poesia (una volta, le notizie, erano date per strada, nelle piazze, prima dell'avvento delle televisioni). La frase tratta dalla canzone e, che diventa il lungo titolo del mio progetto, è "C'E' UN'ASSENZA IN GIRO DI BELLEZZA, QUI CI VUOLE UN VIAGGIO ALL'INCONTRARIO".
E, a proposito del "viaggio all'incontrario", tanti giovani registi Siciliani faranno dei piccoli film, dei cortometraggi (non dei videoclip), ispirandosi ai testi delle nuove canzoni, ove son disseminate le cose per cui vivo e vale la pena di vivere: i cosiddetti "valori morali" come la mamma, i figli, l'Amore, la Musica, la Legalità, la Vita.
Di solito un musicista scrive le colonne sonore guardando le immagini del film che si ha da fare! Nel mio caso, il contrario!
Eredità immateriali di cui tutti siamo ricchi, e valori "morali" che stiamo perdendo di vista, nell'epoca del "se non appari, non esisti", nell'era dei "Grandi Fratelli" e delle “Isolette dei Famosi".

Direi, se sei d'accordo, che può bastare, altrimenti ne esce un libro non un'intervista, sei come un'eruzione vulcanica, sarà la vicinanza dell'Etna?
Mia madre è di Catania: sarà l'Etna ereditata! (ride) O sarà che sto zitta, "NON CONTEMPORANEA", da venti anni! (ride). Anche se la mia isola, la Sicilia, non ha mai smesso di sentirmi in concerto!!!
Aggiungo solo un'ultima cosa. Fabrizio De André mi citò tra i migliori giovani autori dell'ultimo ventennio del '900 ... vorrei dargli qualche bella "soddisfazione", poiché ho trascurato del tutto l'Aida Artista per tentare di realizzare l'Aida Persona!

Sito ufficiale di Aida Satta Flores

Sito ufficiale di Aida Satta Flores: www.aidasattaflores.it

Recensione EP "I mè pensee" di Keko Folkimia

2012-02-10T01:28:00.000-08:00

Keko Folkimia: “I mè pensee”

La lunghezza non è tutto, ma …

di Fabio Antonelli

No, non vuole assolutamente essere un’allusione sessuale, l’affermazione fatta in merito a questo disco d’esordio dei Keko Folkimia, tecnicamente un EP trattandosi di un cd di soli sei brani per un minutaggio complessivo di circa venticinque minuti, diciamolo subito ben cantato e ben suonato.

Procediamo però per gradi, prima di tutto dal protagonista “Keko”, all’anagrafe Francesco Zucchi classe ’72, voce piuttosto calda e un po’ graffiante, provenienza la Valtellina. Leggo dalla sua biografia che è nato a Sondrio e cresciuto a Polaggia in Berbenno di Valtellina, che è appassionato da sempre di musica e canto e che nel 2003 ha dato vita al progetto Keko & Folkimia, anche su suggerimento di ex membri di alcuni gruppi locali come gli Scrokabbestia, i Caven e la più nota Desfroos Band, si proprio quella da cui prenderà poi il largo Davide.

Poi vengono i musicisti, primo fra tutti un certo Davide “Billa” Brambilla che, guarda caso, è il fisarmonicista di Davide Van de Sfroos e che qui, oltre che produttore artistico, è coautore con Francesco degli arrangiamenti, poi ci sono alcuni nomi a me già noti come il violinista Angapiemage Galiano Persico (violinista inseparabile del solito Davide) che qui ci delizia della sua presenza in “Tra il cielo e mare”, Camilla Uboldi nella duplice veste di violinista e mandolinista, già protagonista nel disco d’esordio di Lelecomplici e infine una voce davvero inconfondibile, quella di Dario Canossi dei Luf che qui duetta con Francesco in “L’umbrìa”, dopo aver volentieri ceduto in prestito la canzone “Fiore amore e disertore”, tratta dal penultimo disco dei Luf “Paradis del diaol”. Gli altri musicisti, pur non conoscendoli già, devo dire che costituiscono una macchina sonora ben oliata e amalgamata.

Infine, ma dovrebbero essere messe in prima posizione, ci sono le canzoni, solo sei tracce come si diceva, ma che rendono bene l’idea delle potenzialità di questo progetto che spazia senza problemi dalla canzone d’autore al folk, dal blues al reggae, dal country allo swing.

L’EP si apre con “A vülèss tücc ben“, un brano abbastanza intimista e disteso, almeno nei primi passi con quel fischiettare molto rassicurante, poi il ritmo si fa sicuramente più sincopato, un po’ reggae. Il testo parte da una è una semplice riflessione “A vüless tücc ben risulvaressum tücc i prublem / l’è l’egoismo l’ünica vera brüta guera / l’egoismo de la gent, gent cativ, gent villan, / gent che ga troop o gent che möer de fam” e se la prende un po’ ironicamente con chi ha generato tutto questo “Chel vegnis giò un bel dì / quel sü la con scià la mèla / a dila tuta a me al me par un gran risott”.

Non penso ci sia invece molto da dire sulla cover dell’epico brano o forse meglio dire anti-epico brano dei Luf intitolato “Fiore amore disertore” essendo piuttosto conosciuto, bella comunque la versione che qui è proposta, meno lenta dell’originale ma egualmente efficace.

Con la title-track “I me pensee” si torna a sonorità più lente e tranquille, direi da canzone d’autore, anche la chitarra elettrica di Paolo Costola sembra riposarsi e nella versione slide ci fa sognare e ci aiuta, insieme al suono disteso della fisarmonica di Billa, a calarci nei pensieri di Francesco, pensieri d’amore “So setà giù ghìlò a ripensà ala mia vita / a quant temp l’è già pasaa dala prima volta / a quant temp l’è già pasaa dala prima volta / c’ho basà na tusa”, ma gli anni dell’incoscienza sono passati “Ma sa l’è düra sta vita / ma quant la na facc sufrì / ma adés ca tò incüntraa / l’è il temp che’l sé fermaa!”.

Introdotta dall’armonica ecco partire a suon di country swing “La Cicala e la Formica” in cui la fisarmonica di Billa e il mandolino di Camilla spingono che è un piacere, la favola si sa è nota, ma la morale è un’altra, dopo una giornata di duro lavoro la cicala invita la formica in discoteca e lì c’è la rivalsa della cicala “la Cicala vispa e contenta il suo ritmo non rallenta / dalla sera alla mattina, canta, balla ed è un po’ sgualdrina”, già la storia ormai è cambiata “Basta cun sta storia che me, föe mai nient / e al dimustrarò a tutta la gent … / E la storia adesso è cambiata e a me al me par una grand cazzada / E la storia adesso è cambiata …”. E’ proprio cambiata, ormai non c’è più una morale!

L’energia intrinseca di Keko non si placa, ecco allora un bel blues “Tra il Cielo e il Sole” cantato interamente in italiano e impreziosito, è proprio il caso di dirlo, dal magico violino di Angapiemage G. Persico, nel testo questa canzone sembra un po’ un inno all’amore stile anni ’70, con quel passaggio “E voglio solo amore / soltanto pace e amore” ma ha in sé una carica che saprebbe risollevare anche le sorti di un ormai spento Zucchero.

Il brano di chiusura “L’umbrìa” è invece decisamente folk, s’intuisce anche dalla presenza carismatica di Dario Canossi dei Luf. E’ la storia, in chiave poetica, dell’indissolubile incontro con la propria ombra che è sempre presente anche quando la notte si fa avanti, anzi è lì che “E de nöcc di cal fà scüar / mi ghe parli e poe la vardi / fin quanda la se ne và / L’ho supurtada silenziusa / vuraresi ades sentì la sua vüss e perché nó / vist che la me rump miga / diventà anca il soe spüss!!”.

Che dire di più, le basi per far bene ci sono tutte, le sei canzoni presenti in questo EP sono senza dubbio ben cantate, suonate e arrangiate con gran cura, è anche vero che il terreno lungo il quale si muove “Keko” è già stato ben arato e seminato da nomi come Davide Van de Sfroos o gli stessi Luf, però penso che un proprio appezzamento saprà senza dubbio ricavarselo e con buoni risultati, ora è solo questione di crescere e magari cimentarsi in un disco “vero”, perché anche in musica la lunghezza non è tutto, ma qualcosa conta …

Keko Folkimia

I mè pensee

Autoprodotto - 2011

In vendita ai concerti o su richiesta

Tracklist

01. A vülèss tücc ben

02. Fiore amore disertore

03. I mè pensee

04. La Cicala e la Furmiga

05. Tra il Cielo e il Sole

06. L’umbrìa

Crediti

Francesco “Keko” Zucchi: voce, flauto (2), cori (3), armonica (4, 5, 6)

Davide “Billa” Brambilla: fisarmonica (1, 3, 4, 5, 6)

Diego Scaffidi: batteria, percussioni (1, 4)

Rachele Rebuscini: basso elettrico

Paolo “P” Cazzaniga: chitarra acustica (1, 2, 4), chitarra elettrica (1, 2, 3)

Camilla Uboldi: violino (1), mandolino (4, 5)

Paolo Costola: chitarra elettrica 12 corde (1), Dulcimer (1), chitarra elettrica (2, 5), chitarra slide (3), chitarra acustica (3), chitarre elettriche (6)

Angapiemage G. Persico: violino (5)

Testi di Francesco Zucchi, musiche di Francesco Zucchi e Folkimìa eccetto:

“Fiore amore disertore”, testo e musica di Dario canossi e i Luf

Registrato, mixato e masterizzato da Paolo Costola presso i Macwavestudios di Brescia

www.paolocostola.com

Produzione artistica Davide Brambilla

Arrangiamenti Francesco Zucchi e Davide Brambilla

Produzione esecutiva Francesco Zucchi e Davide Brambilla

Grafica: www.runningfree.it

Fotografie: Valeria Beltrami “La Vale”

Keko Folkimia su Myspace: www.myspace.com/kekofolkimia

Recensione CD "C.Q.F.P." di Giorgio Conte

2012-02-02T12:50:00.000-08:00

Giorgio Conte: “C.Q.F.P.”

Un’home-production divertente e di sopraffina eleganza

di Fabio Antonelli

“Un grazie speciale a Michela, Lucilla e Tommaso per essersi fatti amorevolmente sconvolgere nelle loro casalinghe abitudini; a mio fratello Paolo per il privilegio concessomi di interpretare la sua “Monticone”; a Tell, Zed, Jeff e Tapis per non aver abbaiato e Bis per non aver miagolato durante le registrazioni.”

Penso che questi ringraziamenti di Giorgio a fine libretto inquadrino perfettamente più di tante inutili parole la vera natura di questo nuovo progetto che, nel valutare i migliori dischi del 2011, ho definito un riuscito esempio di home-production.

Già, perché il pigro Giorgio questa volta ha voluto realizzare tutto quanto senza neppure muoversi dalla propria casa immersa nella collina di Viatosto alle porte di Asti, si è fatto aiutare dall’amico fisarmonicista Walter Porro che l’ha accompagnato in questa splendida avventura musicale suonando non solo la sua amata fisarmonica, ma anche il pianoforte di Giorgio (uno Steinbach non di gran pregio), pietra e falce, scatole di chiodi, i piatti di una batteria giocattolo che Giorgio usava da bambino e tanto altro.

Lo stesso Giorgio si è cimentato con chitarre, alcuni carillons e creando alcuni effetti speciali con alcuni richiami di tortora, quaglia, poiana, civetta, gallo domestico, cinghiale in amore.

Gli altri musicisti? Non ci sono altri musicisti, ci sono solo Giorgio e Walter ma non crediate di annoiarvi, qui non c’è nulla di cui annoiarsi, anzi ci si diverte perché la buona musica non manca e la consueta ironia di Giorgio è agli apici.

Si parte con la title-track “C.Q.F.P.” un inno gioioso alla propria pigrizia “Noi due all’asciutto / e chi se ne frega / se di là dei vetri / sta cadendo il cielo” che in queste giornate d’intenso freddo e neve mi trovo di condividere pienamente, il motivo come dicevo è notevolmente festoso e di quelli che vien subito voglia di canticchiare, una novità è la moderata presenza di spruzzatine elettroniche costituite dalla programmazione ritmica di Walter Porro.

La memoria con il passare degli anni si sa che comincia a fare cilecca, questo è l’assunto di “Ieri si”, chissà perché le cose piacevoli però, anche quelle legate a un lontanissimo passato, non si scordano mai e, accostate, possono creare un dolcissimo quadretto “Dei miei primi calzoni lunghi / di una rubata sigaretta / di una rossa bicicletta / di una’enigmistica interrotta / di un respiro spezzato / di un biglietto da mille lire / per un amore comprato”. Miracoli della nostalgia.

Poi viene l’amore, tanto amore, quello affrontato con la consueta delicatezza in “Tu” con quell’invocazione finale “Tu, stammi a sentire / Tu, solo un minuto / Tu, non gridare / Tu, fammi sognare”, quello dolcissimo della successiva “Di vaniglia e di fior” dove ai richiami si sostituisce il fischiettare quasi afono di Giorgio e in cui è in atto una caccia al tesoro e il tesoro è “un besito d’amor” smarrito chissà dove “In cantina, chissà? / O in solaio, chissà?”.

In “Aria, terra e mare” c’è poi un classico di Giorgio, il tema dell’addio o meglio dell’uomo abbandonato, il protagonista sembra quasi chiederselo in anticipo come potrà finire questo rapporto “Quando te ne andrai / e so che te ne andrai / come sarà l’addio / che mi confezionerai / Sarà un sorriso tenero / una carezza languida / una frase acida / una sequenza rapida?”, in questi casi entra in gioco l’arma dell’ironia “E’ stata colpa mia / io dovevo sparare / Ti avevo sul mirino / non c’era da esitare / Adesso ho un bel cercare / per aria terra e mare”.

“Gli innamorati e la marina” invece, a passo di marcetta, quasi si trattasse di una fanciullesca filastrocca, è una cartolina musicale, un idilliaco sogno, che all’improvviso svanisce “Invece poi tutto è svanito / da solo sotto quelle stelle / volevo uccidermi morire e mi sembrava d’impazzire” ma il tempo mitiga il dolore “Quella canzone malandrina / adesso non fa più paura / E’ una sbiadita cartolina / gli innamorati e la marina”.

Più serio sembra essere il clima che si respira in “Il Museo d’Orsay”, la storia molto francese di due amanti cantata con un tono quasi confidenziale: lei “vibra e si apre in enormi sorrisi / eccitata ti spiega e s’infiamma e ti azzanna / Sa tutto dei pittori del Museo d’Orsay / le luci, le ombre gli spazi e i colori”, lui invece è “stanco e affamato / di media cultura coi piedi gonfi”, lei ha in mente solo la pittura, lui invece pensa “I grandi pittori non scappano, vieni / che dopo torniamo ma adesso mangiamo”. Davvero geniale, come lo era “Cannelloni”.

Sorvolo sul testo di “Balancer” però constato che si può crear canzone e con grazia anche cantando solo “uridididì uridididì urididibamba”, certo non è da tutti e ammetto che a Giorgio l’operazione riesce con grande naturalezza.

C’è poi “Gèo”, un valzerino quasi d’altri tempi, un gentile omaggio all’impresa di Geo Chavez, primo trasvolatore delle Alpi, uno di quei personaggi direi mitici, davvero d'altri tempi e così a entrambi i fratelli Conte.

Ancor più d’altri tempi, anzi quasi senza tempo, è la divertente “Scaricabarile”, una canzoncina a ritmo di campestre polka in cui Giorgio canta con tatto e delicatezza proverbiale di una scorreggia, si avete capito bene, è lei la protagonista indiscussa di questa storia “Nell’erba medica, nel campo, laggiù / cantan le quaglie, canta il cucù / si guarda intorno e con semplicità / del cul trombetta di nuovo lui fa”, ovvio che qui gli “effetti speciali” giocano un ruolo da protagonisti.

E’ giunto il momento di una seria riflessione, perché è normale che a una certa età si cominci pensare anche a quella cosa che fa rima con "forte", in “Continua così” una vera e propria dichiarazione d’amore per la vita, gestita voce e chitarra, il pensiero della morte sembra essere sempre dietro l’angolo, ma chissà com’è, quella parolina non è mai pronunciata, in pieno stile contiano.

Questa riflessione sembra continuare nella successiva “La sorpresa”, un allegorico viaggio che sembra essere di sola andata “Comandante, io insisto, mi vuol dire più o meno, suppergiù, / quanto manca all’arrivo, giorni, me4si o forse più?”, la voce del comandante al megafono pur non spiegando sembra chiarire un po’ la situazione “Il contratto parla chiaro, la risposta io la so ma non la do, / non insista, faccia il bravo: prima o poi si arriverà”, ma a un certo punto il carburante che sembrava dover durare all’infinito finisce “Neanche un goccio più, ahimè! Ah! Era questa la sorpresa? Ora posso dirlo, sì, ebbene sì! Vado a prender la mia roba / chissà mai possa servirmi anche di là". Non manca però l’ironico finale “Vado a restituir la chiave / e a pagare il mini bar” esorcizzato da un festante crescendo di campanelli.

Quasi a non voler rovinare questo magico clima di riflessioni sull’esistenza, in chiusura di mano Giorgio cala l’asso, una cover di "Monticone", una canzone scritta dal fratello Paolo, molti anni addietro, per Gipo Farassino, è il ritratto dell’uomo piemontese di provincia che, giunto nella grande città coltiva nostalgie e sogna “un paese / un Cortanze, un Mongardino / ina nivula au su”, è ancora il ritmo del valzer a dominare e ancora una volta sembra di trovarsi immersi in una cartolina dai colori sbiaditi.

Grazie Giorgio per averci permesso di entrare nella tua vita, ci hai aperto la porta di casa, ci hai fatto accomodare in salotto, ci hai offerto un bicchiere di vino e ci hai raccontato della vita dell’amore e della morte, lo hai fatto alla tua maniera, con il sorriso sulle labbra e noi te ne saremo sempre grati, in fondo hai proprio ragione “chi se ne frega / se di là dei vetri / sta cadendo il cielo” le tue canzoni sanno farci sorridere con sopraffina eleganza.

Giorgio Conte
C.Q.F.P.

Ala Bianca Records - 2011

Nei negozi di dischi

Tracklist

01. Come Quando Fuori Piove
02. Ieri si
03. Tu
04. Di vaniglia e di fior
05. Aria, terra e mare
06. Gli innamorati e la marina
07. Al Museo d’Orsay
08. Balancer
09. Géo
10. Scaricabarile
11. Continua così
12. La sorpresa
13. Monticone

Crediti

Giorgio Conte: chitarra classica "Gallinotti Pietro (Solero 1959)" modello Ramirez, chitarra 12 corde "Simone Patrick", chitarra acustica Peavey, alcuni richiami (tortora, quaglia, poiana, civetta, gallo domestico, cinghiale in amore), carillons

Walter Porro: fisarmonica f.lli Alessandrini, fisarmonica P.Soprani, fisarmonica Cooperfisa, il pianoforte di Giorgio "Steinbach", master keyboard Evolution, Hammond C3, synth Arp e Prologue, pietra e falce, pan flute (utilizzato anche come ritmica guiro), tamburino, cajon DG- De Gregorio, armonica a bocca, scatole di chiodi, piatti della batteria di Giorgio (che usava da bambino), timpano adattato a cassa

Programmazione ritmica in “C.Q.F.P.”: Walter Porro

Testi e musiche di Giorgio Conte, eccetto "Monticone" di Paolo Conte
Produzione artistica, arrangiamenti, mixaggi: Giorgio Conte e Walter Porro
Produzione esecutiva: Toni Verona
Registrazione: Walter Porro
Registrato e mixato a casa di Giorgio, salvo “Tu” e “Al Museo d’Orsay” registrati parte (voce e chitarre) allo Studiottanta Fortuna Records (Calliano, AT)
Segreteria e condivisione emotiva: Emiliano Ardini
Mastering: Roberto Barillari - Fonoprint (Bologna)
Fotografie: Mara Mayer
Impaginazione grafica: Giovanni Levratti

Sito ufficiale di Giorgio Conte: http://www.giorgioconte.com/

Recensione CD “Anime migranti” di Mario Incudine

2012-01-20T02:26:00.000-08:00

Mario Incudine: “Anime migranti”

Un affresco corale di grande fascino

di Fabio Antonelli

“L'energia delle culture radicate nella profondità dei tempi e nei cammini dell'interiorità anche nel marasma della mediocrità sanno emergere e trovare voci e interpreti. Ascoltate Mario Incudine, il colore della sua voce, il suo stile interpretativo, il suo gesto vocale, condensano e distillano per noi l'arte e il sapere di una tradizione, la forza di una cultura, i suoni esplodenti colori di una lingua che trasuda umori, colori, ironie, il privilegio di contaminazioni antiche di una terra di accoglienza, solare e tragica, ricca di umanità travagliata, consumata dalle fatiche, dispersa negli esili, esiliata nelle sue masserie. Mario trasmette, reinventa e ricrea. Il cunto nella sua bocca e nei suoi segni espressivi ti fa saltare sulla sedia, ti fa partecipe di vicende secolari, ti diverte ti destabilizza, perché Mario nel suo essere hic et nunc, è antico e contemporaneo, giovane e vecchio, con lui siamo nel passato, nel presente e nel futuro, ma non solo noi, lo è l'eredità di cui siamo collettivamente ed individualmente responsabili”

E’ Moni Ovadia a invocare l’ascolto di Mario Incudine tramite queste belle parole tratte dal libretto che accompagna “Anime migranti”, il nuovo disco di questo giovane artista di Enna che a soli trent’anni s’è già cimentato nelle vesti di cantante, attore, ricercatore, musicista e autore di colonne sonore, sempre con ottimi risultati.

Proprio come nel caso di questo gran bel disco che ruota intorno ad un tema di grandissima attualità come quello delle migrazioni, sviluppato attraverso un vero e proprio affresco corale che vede coinvolti tante voci preziose come quelle di Alessandro Haber, Mario Venuti, Edoardo De Angelis, Nino Frassica, Salvatore Bonafede, Faisal Taher, Lello Analfino, Anita Vitale, Kaballà, i Djeli D’Afrique, impressionante anche la miriade di strumenti utilizzati (tanti esotici) e i relativi strumentisti coinvolti nel progetto.

Non è certo però la quantità ma la qualità dell’opera a colpire sin dalle prime note, da quel punto di partenza sia musicale sia geografico costituito da “Salina”, il brano con cui Mario ha vinto il Festival della nuova canzone siciliana con quel “S’ un pozzu iri avanti / un mi mannati arreri / lassatimi muriri ammenz o mari”, capace di condensare tutta la disperazione di coloro per cui “L’Italia è un pensiero costante, che attraversa la corrispondenza e conduce a un finale imprevedibile, perché certi legami quando si spezzano, ti diventano spasmo nelle viscere” come scrive lo stesso Incudine nella sua breve nota introduttiva all’intero lavoro. Musicalmente affascinati le influenze orientaleggianti che emergono verso la fine brano.

Note liquide di pianoforte accompagnano invece la calda voce di Mario mentre recita intensi versi tratti da “Solo Andata, righe che vanno troppo spesso a capo” di Erri De Luca “Da giorni prima di vederlo il mare era un odore / un sudore salato / ognuno immaginava di che forma. / Sarà una mezzaluna coricata, / sarà come il tappeto di preghiera / sarà come i capelli di mia madre” e, dopo una bellissima e commovente melodia eseguita al pianoforte da Antonio Vasta (co-produttore artistico del disco) e dai violini di Giuseppe Cusumano, ancora toccanti versi “Non fu il mare a raccoglierci, / noi raccogliemmo il mare a braccia aperte / solo il primo ha l’obbligo di sollevare gli occhi, / gli altri seguono il tallone che precede, / il viaggio è una pista di schiene”. Commovente questa “Sottomare”.

Melodica e più legata alla tradizione popolare è “Novumunnu” che vede la partecipazione di Kaballà in veste sia d’autore sia di co-interprete di questo brano che è un canto sul vivo sogno d’America di tanti nostri migranti. Le voci sullo sfondo, quasi un dolce lamento, sono affidate all’Omnia Beat Gospel projet.

Dopo una tenera “Tenimi l’occhi aperti” che vede anche la presenza dell’Orchestra di Puglia e Basilicata diretta da Valter Sivilotti, ecco uno dei momenti più intensi dell’intero lavoro che vede la presenza efficace delle voci di Anita Vitale e di Mario Venuti, “Namenàme” è un pezzo pregno di echi africani evocati dal corno tunisino di Antonio Putzu, la voce e le percussioni africane di Alain Victor Mutwe, la voce e le congas di Samuel Kwaku Gyamfi, è il canto dell’abbandono di tutto ciò che fino quel momento era familiare per un futuro senza certezze “Lassamu u cori ccà chiantatu nterra / lu cori di cu un jornu ebbi a scappari / e ora stavi accussi … tira a campari”.

Molto bello è anche il canto a due voci, quella di Mario e di Edoardo De Angelis e due lingue, il dialetto ennese e l’italiano, del brano “Speranza disperata” che vede, in una sinergia di contributi, anche la presenza dell’Orchestra “Canzoni di confine” proveniente dal lontano Friuli. Fanno riflettere i bei versi finali “Quello che fa più male / in fondo a questa storia / è assistere al silenzio / al silenzio della memoria” giusto prima di quel lungo finale d’archi, qui determinanti e ancora una volta diretti da Valter Sivilotti.

Giocata sulle percussioni e il controcanto delle chitarre elettriche, con le voci di Mario, Giancarlo Guerrieri e Max Bosa che si alternano, “Sempri ccà’” è una canzone trascinante, dai colori decisamente mediterranei che ci parla dell’immutabile quotidianità “Nta stà vanedda di stu tò paisi / unni restu cca fora senza pritisi, / c’è tuttu chiddu ca mi fici cristianu / e ci si tu ca mi facisti celu”.

Intensa, poetica, è “Lu trenu di lu suli”, un testo di Ignazio Buttitta musicato da Mario e suonato dal solo violoncello di Redi Hasa, dedicato all’immensa tragedia belga della miniera di Marcinelle che l’8 agosto 1856 vide tra le 262 vittime molti siciliani. E’ un pezzo che trasuda dolore passo passo, partendo da quell’abisso creatosi all’arrivo della notizia della tragica morte di tanti connazionali.

In “Terra”, c’è ancora un dialogo tra lingue distanti, qui la voce di Mario si alterna con il canto arabo del palestinese Faisal Taher, la musica è sorretta dal solo pianoforte di Salvatore Bonafede ma c’è come un senso di pienezza che appaga l’ascoltatore. Trovo sia uno dei passaggi più belli del disco, con la musica che si fa protagonista anche del testo “Musica ca s’arriviglia a matinata / ca cu a senti mancu si la scorda / pirchì è la musica di sta terra surda / ca di tant’anni un cangia / è sempri chidda”.

Non ci sono proprio mai cali di tensione, battute a vuoto, in questo disco, basta ascoltare la successiva “Sotto un velo di sabbia” per rendersene conto. E’ una canzone mesta, in cui si alternano il canto in italiano di Alessandro Haber e quello in dialetto di Mario, intercalati dal recitato in etiope dell’attrice Caterina De Regibus fino a giungere a questi versi finali recitati da Haber “Lascio il mio amore corda di violino / lascio il mio cuore pelle di tamburo / lascio la mia rete senza più esche / resto sotto un velo di sabbia / divorato dalle mosche”, chiude un finale arabeggiante, pieno di violini che si stagliano su un fondale d’ipnotiche percussioni.

Con “Strati di paci” si cambia sicuramente passo, è una danza che ha tutta la vitalità del sud sin dalla vivace partenza con la fisarmonica di Antonio Vasta, cui subentrano chitarre e percussioni quasi a invitare l’ascoltatore a un collettivo ballo, a una fratellanza che porti pace “e nni fa ricurdari quantu su nnutuli / li mali paroli si c’è l’omu c’aiua autru omu / e lu frati c’abbbrazza lu frati / sunnu belli li strati sunnu belli li strati / c’è bisognu di l’omu ch’aiuta autru omu / e dun frati ch’abbrazza li frati / c’è bisognu di paci c’è bisognu di paci”, come cantano anche i bambini del Coro “Hator” del I circolo didattico di Vittoria (RG).

Dopo tanta energia c’è quasi bisogno di congedarsi con un brano lento e riflessivo come “Lu tempu è ventu”, costruito su un intreccio tra gli arpeggi della chitarra classica di Massimo Germini e il suadente violoncello di Paolo Pellegrino, il canto si chiude così “Ogni cosa lassata è cosa pirduta / lassu lì me muddichi nta la tò strata / si t’arrivigghi, mannami na vasata / pigghia li muddicheddi e cangia vita”.

Difficile davvero trovare un appiglio per una critica negativa a questo bellissimo progetto che vede Mario Incudine nel ruolo di regista, autore della maggior parte dei testi e delle musiche, valido interprete dei suoi pezzi con l’aiuto di un gran numero di ospiti coinvolti, tanto che questo lavoro già nel titolo sembra assume un valore corale, una condivisione d’intenti, una sinergia capace di produrre risultati sorprendenti.

Un difetto? La mancanza, nel libretto che accompagna il disco delle traduzioni dei testi che, per chi come il sottoscritto non è siciliano, comporta una difficoltà interpretativa a volte molto ostica.

Mi sembra davvero poco, confrontato alla bellezza dell’intero disco, ascoltatelo con il cuore vi si aprirà un mondo musicale d’incredibile fascino.

Mario Incudine

Anime migranti

Finisterre / Felmay - 2011

Nei migliori negozi di dischi o su http://www.marioincudine.info/

Tracce

01. Salina

02. Sottomare (feat Nino Frassica)

03. Novumunnu (feat Kaballà)

04. Tenimi l’occhi aperti (feat Vincenzo Mancuso e Valter Sivilotti)

05. Namenàme (feta Mario Venuti e Anita Vitale)

06. Speranza disperata (feat Edoardo De Angelis)

07. Sempri ccà (feat Giancarlo Guerrieri e Max Busa)

08. Lu trenu di lu suli (feat Redi Hasa)

09. Terra (feat Salvatore Bonafede e Faisal Taner)

10. Sotto un velo di sabbia (feat Alessandro Haber)

11. Strati di paci (feat Lello Analfino)

12. Lu tempu è ventu

Crediti

Mario Incudine: voce, chitarre acustiche (1, 5, 6, 7, 11), tzouras (1), voce recitante (2), chitarra battente (6), chitarra classica (10)

Mariangela Vacanti: cori (1)

Franco Barbarino: chitarre (1), laud (1), tzouras (5), bouzouki (11)

Antonio Vasta: fisarmonica (1, 2, 3, 6, 11), zampogna “a paru” (1), pianoforte (2, 6)

Antonio Putzu: corno tunisino (1, 5, 6), flauto sopranino (6), duduk (10), clarinetto (11), flauto di canna (11)

Angelo Scelfo: basso (1)

Davide Campisi: cajon (1)

Salvo Compagno: percussioni (1), shaker (3), tammorra muta (3), cassa (5, 11), djembè (5, 11), congas (5), shaker (5), tamburelli (5), cajon (6), riq (6, 10, 11), surdo (6), piatti (6, 11), daf (10), sonagli marocchini (10), darbouka (10), ocean drum (11)

Giuseppe Cusumano: I violino (2), II violino (2)

Adelaide Filippone: viola (2)

Paolo Pellegrino: violoncello (2, 12)

Kaballà: voce (3)

Mario Saraglia: tastiere (3), programmazioni (3)

Omnia Beat Gospel project: cori (3)

Massimo Germini: chitarra classica (3, 12)

Vincenzo Mancuso: chitarre acustiche (4)

Valter Sivilotti: direzione orchestra (4), arrangiamento archi (4), direzione archi (6)

Anita Vitale: voce (5, 6)

Mario Venuti: voce (5)

Alain Victor Mutwe: voce (5), percussioni africane (5)

Samuel Kwaku Gyamfi: voce (5), congas (5)

Mario Tarsilla: basso (5)

Edoardo De Angelis: voce (6)

Pino Ricosta: basso (6, 7, 11)

Orchestra “Canzoni di confine” (Friuli): (6)

Emanuele Rinella: batteria (7)

Placido Salomone: chitarre elettriche (7)

Totò Orlando: tammorra (7), percussioni (7)

Giancarlo Guerrieri: voce (7)

Max Bosa: voce (7)

Redi Hasa: violoncello (8)

Faisal Taher: voce (9)

Salvatore Bonafede: pianoforte (9)

Alessandro Haber: voce (10)

Caterina De Regibus: voce recitante (10)

Ivan Pietro Greco: I violino (10)

Giancarlo Renzi: II violino (10)

Paolo Lombardo: viola (10)

Sonia Giacalone: violoncello (10)

Lello Analfino: voce (11)

Coro “Hator” del I circolo didattico di Vittoria (RG): (11)

Cinzia Spina: direzione coro (11)

Testi e musiche di Mario Incudine tranne:

“Sottomare” (musica di Mario Incudine e Antonio Vasta), “Novumunnu”(testo di M.Saroglia e Kaballà - musica di M.Saroglia), “Namenàme” (musica diMario Incudine, Mario Tarsilla e Anita Vitale), “Speranza disperata” (testo diMario Incudine e Edoardo De Angelis), “Sempri ccà” (musica di Mario Incudine e FrancescoBarbarino), “Lu trenu di lu suli” (testo di Ignazio Buttitta), “Terra” (testo emusica di Mario Incudine e Faisal Taher), “Strati di paci” (testo di MarioIncudine e Lello Analfino - musica di Mario Incudine, Lello Analfino e AntonioPutzu)

Produzione: Mario Incudine, Arturo Morano per Finisterre

Produzione artistica: Mario Incudine, Antonio Vasta per Finisterre

Produzione esecutiva: Pietro Carfi, Raffaele Pinelli per Finisterre

Registrazioni: Andre Ensabella presso AS Studio Project (Enna), Antonio Zarcone presso lab Music (Palermo), Leonardo Bruno presso Altaquota Studio (Petralia Soprana – PA), Mario Saroglia presso Omnia Beat Studio (Milano)

Missaggio: Andrea Ensabella presso AS Studio Project (Enna)

Mastering: Paolo Mauri presso Omnia Beat Studio (Milano)

Grafica e fotografie: Charley Fazio www.charleyfazio.it

Sito ufficiale di Mario Incudine: http://www.marioincudine.info/

Mario Incudine su MySpace: www.myspace.com/marioincudine

Mario Incudine su Facebook: www.facebook.com/terra.incudine

Migliori dischi 2011

2012-01-16T05:44:00.000-08:00

Migliori dischi 2011

Migliori dischi 2011

di Fabio Antonelli

Luigi Maieron - Vino, tabacco e cielo

Susanna Parigi - La lingua segreta delle donne

Folco Orselli - Generi di conforto

L'inizio di un nuovo anno porta inevitabilmente a fare una sorta di bilancio di ciò che è stato l'anno precedente, eccomi allora a ripensare a quel 2011 che musicalmente è stato davvero copioso di album validi, tanto che non mi sento di racchiudere in appena dieci titoli la mia personalissima selezione di migliori album.

Prima cosa perché ogni cernita, pur ponderata e pensata a lungo, parte sempre da una valutazione pur sempre parziale perché è impossibile per chiunque riuscire ad ascoltare, non dico con attenzione ma anche soltanto ascoltare, quanto è prodotto musicalmente in un anno.

A ciò va aggiunto che la maggior parte delle uscite è costituita da autoproduzioni con i noti problemi di distribuzione per cui capita spesso che ottimi dischi restino inascoltati.

In fondo però, stilare il bilancio di un'intera annata discografica, è un po' come valutare la produzione enologica di una certa annata, si sa che ci sono vini magari buoni come novelli, freschi immediati, anche se poi lasciano un po' il tempo che trovano e tanto che a volte ci si chiede se siano veri vini, poi ci sono quelli che definirei di medio corpo, con un po' più di stoffa e di carattere, non di quelli che al secondo assaggio hai già cambiato idea sulla loro validità, poi ci sono anche vini più complessi, sulle prime ostici, difficili da interpretare ma che alla fine sono quelli che lasciano il segno e che non temono lunghi invecchiamenti anzi, ripresi in mano negli anni successivi, rivelano nuovi aspetti e si rendono ancora più intriganti.

Chiusa la parentesi enologica, partirei quindi con il listone e, sul podio dei migliori dischi del 2011, metterei questi tre lavori: Luigi Maieron con il suo magnifico "Vino, tabacco e cielo", l'artista friulano è da sempre capace di mettere nelle proprie canzoni l'essenza della vita ma questa volta l'ha fatto utilizzando anche la lingua italiana rendendo così più fruibili le proprie canzoni a chi friulano non è, Susanna Parigi fiorentina ci ha abituato di anno in anno a lavori di ottima fattura qualunque fosse la tematica scelta e con il suo "La lingua segreta delle donne" questa volta è volata molto alta, in difesa di un mondo femminile spesso sottomesso e costretto al silenzio, infine un disco di recentissima uscita che meriterebbe davvero maggior visibilità, ma sconta il fatto di essere come si diceva un'autoproduzione, rappresenta anzi lo sforzo di un artista che ha voluto intraprendere la difficile strada di crearsi una propria etichetta, mi riferisco al milanese Folco Orselli e al suo gran bel disco "Generi di conforto" e, di generi di conforto, ne abbiamo un gran bisogno in questo difficile momento storico.

Detto questo, procederei poi in ordine sparso, così come mi affiorano alla mente per libera associazione di pensieri, ecco così Gianmaria Testa e il suo "Vitamia", una sorta d'intimo sguardo alla propria vita ma anche alla realtà circostante, con una grande assenza tra le tante assenze di questi tempi bui, quella del lavoro, quindi temi attualissimi.

Denso, intenso, molto legato alla propria terra d'origine, espressione di grande maturità artistica è "Sette pietre per tenere il diavolo a bada" del catanese Cesare Basile, restiamo allora in terra siciliana e l'invito è ad ascoltare l'attualissimo, quasi corale per i tanti ospiti presenti, "Anime migranti" di Mario Incudine.

Il dialetto sembra davvero essere tornato lingua viva, non c'è più solo il sempre valido Davide Van de Sfroos con "Yanez", un disco che ha per forse un po' patito la partecipazione alla kermesse sanremese, ci sono altri esempi come il bellissimo per arditezza e stile "Canto dell'anguana" di Patrizia Laquidara che per l'occasione ha ripercorso le proprie origini materne, intraprendendo un personalissimo e per questo ancor più affascinate percorso, Aldo Rossi friulano che con il suo doppio disco "La vite e la muart" ha messo in canzone un'ampia riflessione a tutto tondo sul duplice tema della vita e della morte, Roberta Alloisio genovese che in "Janua" ha cantato la sua Genova come donna, un po' santa un po' puttana e, non ultimi, gli Yo Yo Mundi con "Munfrà", un disco che non caso ha finito per affascinare l'inarrivabile Paolo Conte.

Di Conte in Conte, come non citare Giorgio Conte quale esempio di home-production di pregio, si perché l'ironico e sornione fratello ha voluto realizzare il suo "C.Q.F.P. Come Quando Fuori Piove" senza muoversi da casa, grazie anche al prezioso contributo del fisarmonicista Walter Porro, inserendovi alcuni "effetti speciali" molto domestici e aprendo forse così una nuova via da perseguire contro la crisi discografica. Lo ascolterei all'infinito.

Poi le donne, tutte molto nuove, tutte molto convincenti seppure diversissime fra loro, ecco quindi Giorgia Del Mese con il suo energico e a tratti aggressivo "Sto bene", Rebi Rivale che non difetta certo in personalità tanto da aver voluto chiamare il suo primo disco semplicemente "Rebi Rivale" quasi fosse un marchio di fabbrica, Roberta Barabino con il suo "Magot" un concentrato di raffinatezza allo stato puro pur nella grande semplicità dei testi e un'artista dalla voce meravigliosamente calda come Roberta Di Mario che ha esordito alla grande con "Tra il tempo e la distanza".

Come tralasciare poi due album ambiziosi, a tratti ostici, pieni di citazioni letterarie, ma comunque sempre affascinanti come "Herman" di Paolo Benvegnù e "Profeti, profeti e balene" del sempre presente Vinicio Capossela.

Chiuderei questa selezione DOC con due nomi certamente non nuovi ma che hanno saputo realizzare due gran bei dischi, trattasi di Teresa De Sio che con "Tutto cambia", ha dimostrato che la canzone d'impegno civile è tuttora possibile e come in questo caso con ottimi risultati e Bobo Rondelli sempre meno mattacchione e sempre più maturo, bello il suo "L'ora dell'ormai" una profonda riflessione intorno al tema del tempo che scorre inesorabile, uno sguardo il suo, malinconico quanto toccante.

Fatti i conti, sono arrivato oltre i venti nomi, troppi? Non direi vista la qualità espressa, piuttosto un'ampia rosa entro cui trovare il proprio disco ideale e se proprio non bastassero eccovi due dischi outsider, entrambi dal vivo, una forma che il sottoscritto non ama più di tanto su supporto fisico, che però in questo duplice caso hanno saputo cogliere l'attimo, l'atmosfera, gli umori di musicisti e pubblico in una complice sinergia, sono i dischi "Live alla Fontana" di Ruben e "Live in Capetown" di Fabrizio Consoli. Provate ad ascoltarli, hanno fatto ricredere un live-scettico come il sottoscritto.

Non basta ancora? Segnalo allora due casi atipici.

C'è chi, in tempo di crisi non solo discografica, si è permesso di realizzare nel giro di poco tempo l'uno dall'altro due progetti di tutto rispetto, entrambi dotati di un grande bagaglio di energia e simpatia, quest'uomo risponde al nome di Antonio Pascuzzo, per anni illuminato gestore direttore artistico del The Place di Roma e che nel 2011 ha pubblicato con il proprio gruppo, i Rossoantico, il disco d'esordio "Rossoantico" e permesso la nascita di un altro bel disco d'esordio, quello del Coro dei minatori di Santa Fiora, intitolato "Dilli che venghino", un disco che vede tra i vari ospiti nomi come Mannarino, Cristicchi e lo stesso Pascuzzo.

C'è chi invece scappato dall'Italia, dopo aver vagabondato verso nord con la propria chitarra, giunto a Bruxelles è riuscito finalmente a farsi finanziare il disco d'esordio da un centinaio di piccoli azionisti, amici incontrati lungo il proprio percorso non solo artistico e che hanno creduto nella sua musica, il giovane in questione si chiama Giacomo Lariccia e il suo "Colpo di sole" è stato per il sottoscritto un colpo di fulmine a ciel sereno, scommetto che lo sarà anche per voi?

Segno che la musica di qualità, seppure tra mille difficoltà, continua ostinatamente a voler vivere di luce propria.

E' vero, ormai da anni non si trova più né in televisione né in radio, fatte salve rare eccezioni, ma occorre invece cercarla in maniera altrettanto ostinata attraverso internet e altri canali alternativi, resta però il fatto che una volta trovata ripaga con emozioni che non hanno prezzo, cerchiamola dunque!

Recensione del CD “Live in Capetown” di Fabrizio Consoli:

2012-01-10T13:45:00.000-08:00

Fabrizio Consoli: “Live in Capetown”

La forza dell’amore per la musica

di Fabio Antonelli

Carpe diem!

Si, cogli l’attimo, questa in sintesi potrebbe essere la chiave di lettura di questo bel disco live di Fabrizio Consoli.

Perché momenti di grazia e di puro divertimento musicale come quelli racchiusi in questo disco bisogna saperli cogliere, cosa che il sottoscritto non ha purtroppo fatto quando, né il 4 né il 5 maggio del 2010 ha mosso le proprie chiappe dal divano di casa per mettersi al volante e raggiungere la non lontana Milano e, per la precisione, quel locale che risponde al nome di Cape Town Cafè, un bar per niente deputato né alla musica dal vivo, né tantomeno alla registrazione di un disco live, ma si sa che a volte i miracoli accadono e così è nato questo straordinario “disco di strada”.

Un disco che ha grandissimi pregi e ben pochi difetti, del tutto trascurabili.

Il maggiore pregio è quello di aver saputo cogliere magistralmente la magica atmosfera di complicità creatasi tra i vari protagonisti dell’evento, musicisti e pubblico davvero uniti in unico spazio fisico, senza la presenza di un vero e proprio palco e senza alcuna linea di demarcazione tra i due ruoli.

Gran parte del merito di questo piccolo miracolo va a Dario Zigiotto che, nel tentativo di dare un seguito a una prima fortunata serie di concerti legati alla presentazione del precedente disco “Musica per ballare”, propone a Fabrizio l’idea di realizzare un disco dal vivo, in attesa di tempi migliori e nuovo materiale la realizzazione di un disco in studio.

E’ però lo stesso Fabrizio ad avere l’intuizione della location, la scelta sembra inizialmente dettata più da esigenze economiche, il Cape Town è, infatti, situato nel palazzo accanto a quello in cui Fabrizio ha trasferito nel novembre 2009 il proprio studio di registrazione e ciò vorrebbe dire poter ridurre le spese per i trasferimenti di musicisti e strumentazione.

Non è però una scelta facile, primo perché il Cape Town non è luogo dedito alle serate live, anche se è vero che il proprietario Giancarlo Chiodaroli è solito offrire qualche saltuaria serata jazz alla propria clientela, secondo perché non sembra essere logisticamente un locale progettato per eventi musicali, tanto meno la registrazione di dischi live, vista anche la propria forma a L allungata, con il bancone bar sul lato lungo.

Il primo ostacolo è, però presto superato, Fabrizio una sera lascia nelle mani di Giancarlo una copia del disco “Musica per ballare”, non passa neppure una settimana che il proprietario gli chiede altre venti copie del disco e, soprattutto, gli dice che la serata si può fare.

Il secondo problema, squisitamente tecnico è invece risolto sistemando lo studio mobile nell’angolo, all’estremità superiore del lato lungo, prima della cucina, in modo da permettere al fonico Alessandro Ciola di essere alle spalle dei musicisti e quindi fuori dal fuoco sonoro delle casse destinate all’ascolto diretto del concerto da parte dei presenti.

Fondamentali poi sono state alcune scelte foniche come quelle di isolare il meno possibile i vari strumenti, dettata anche da evidenti ragioni di spazio e, soprattutto, quella di non cancellare totalmente il “suono del locale e della strada” fatto anche di tintinnare di bicchieri, chiacchiere, brindisi, commenti vari.

Perché tanti dettagli tecnici? Solo per far capire quale ostinata forza dell’amore per la musica c’è dietro ad un’operazione come questa.

“C’era proprio bisogno di un altro disco live?”, è ciò che si chiede Fabrizio nel bel libretto che accompagna il disco (splendidi per altro gli scatti in bianco e nero).

Premetto di non amare per nulla o quasi i dischi live, penso che spesso siano dischi più legati a operazioni meramente commerciali che non veri e propri progetti inseriti in un percorso artistico dell’artista e, se poi vedono l’addensarsi di cori di pubblico in delirio per il proprio beniamino, direi che mi danno pure sui nervi.

Sono poche le eccezioni che salvo da questo calderone. Tralasciando alcuni lives storici, mi vengono alla mente così, tanto per fare qualche nome, “Live in blu” di Max Manfredi o “Live alla Fontana” di Ruben, profondamente diversi per genere e risultati, ma entrambi egualmente sinceri e genuini.

Proprio come questo disco live di Fabrizio Consoli.

Io quella sera o meglio quelle due sere, perché nel disco sono unite registrazioni di due differenti sessioni, non c’ero ma grazie a questo disco ho potuto coglierne la fisicità, lo sforzo dei protagonisti, la loro gioia di suonare insieme, il fremito e la vivacità del pubblico e provo ancora una grande nostalgia. E’ possibile provare nostalgia di un non vissuto? Sembrerebbe proprio di si, miracoli della bellezza delle canzoni di Fabrizio e dei protagonisti che l’hanno messa in scena.

Primo fra tutti lo stesso Fabrizio Consoli che, se l’Italia fosse un paese serio, non si troverebbe come tanti a sbattersi, scrivere, telefonare per elemosinare serate sottopagate. Dotato di un tocco alla chitarra che è una meraviglia e di una voce calda e graffiante, insomma uno capace di “… scrivere canzoni / Che emozionano anche i cani / Che colorino le labbra / Alle ragazze sui balconi “ (“Camera con vista”) sa coinvolgere ed emozionare sia su disco sia dal vivo.

Al suo fianco musicisti straordinari, come il pianista Gigi Rivetti, il percussionista Silvio Centamore e, ultimo arrivato ma non meno importante, il trombettista Marco Milani. Tre moschettieri ma tutti per uno.

Infine gli ospiti “si sa che la presenza di special guest contribuisca ad alimentare il prestigio di un’operazione discografica, nonché, e a volte in maniera determinante, alla sua promozione”, scrive ironicamente Fabrizio sempre nel libretto, in realtà amici di quelli veri, che hanno voluto onorare con la propria presenza questo evento.

In primis Eugenio Finardi, la cui presenza è stata fortemente voluta da Fabrizio che altrimenti non si sarebbe mai permesso di interpretare da solo la canzone “La forza dell’amore” che porta la firma dello stesso Consoli, di Finardi e di Vittorio Cosma. Ne è nato cos’ un duetto molto bello, da brividi.

Simona Bencini e Alberto Patrucco sono gli altri due ospiti, entrambi avevano già duettato con Fabrizio in “Musica per ballare”, qui rieseguono dal vivo rispettivamente la splendida “Giro di carte” e la meravigliosa cover di “Canzone intelligente” con la quale si chiude il disco.

Una “Canzone intelligente” che ha il pregio, ancora una volta, di aiutarci a comprendere come la canzone di qualità, quando è ben scritta ed eseguita, può anche divertire, emozionare, far ballare e scusate se è poco … grazie Fabrizio!

Fabrizio Consoli

Live in Capetown

Banksville Records / SlowMusic - 2011

Nei migliori negozi di dischi, su http://itunes.apple.com/it/album/live-in-cape-town/id467517102 o su http://www.mondadorishop.it/musica-album/fabrizio_consoli-live_in_cape_town/00023646644.htm

Tracce

01. Casa mia

02. Sugar

03. Musica x ballare

04. Di quale amore

05. La forza dell’amore (feat Eugenio Finardi)

06. Una rosa

07. Que vida es

08. Camera con vista

09. Il coraggio

10. Giro di carte (feat Simona Bencini)

11. Autogrill (Ibraimovich!)

12. Canzone intelligente (feat. Alberto Patrucco)

Crediti

Fabrizio Consoli: voce, chitarra

Gigi Rivetti: pianoforte

Marco Milani: tromba

Silvio Centamore: percussioni

Eugenio Finardi: voce (5)

Simona Bencini: voce (10)

Alberto Patrucco: voce (12)

Prodotto da Fabrizio Consoli e Paolo Santoli

Registrato nelle serate del 4-5 maggio 2010 al Cape Town Cafè di Milano da Alessandro Ciola, assistito da Max Bocchio e Alessio Puglisi

Mixato nel luglio 2010 e masterizzato nel maggio 2011 da Alessandro Ciola e Fabrizio Consoli negli Studi Imagina Production di Torino

Sito ufficiale di Fabrizio Consoli: http://www.fabrizioconsoli.it/

Fabrizio Consoli su MySpace: www.myspace.com/fabrizioconsoli

Recensione del live di Gianmaria Testa a Milano

2011-12-16T05:58:00.001-08:00

Gianmaria Testa in concerto a Milano, poesia piena di umanità

di Fabio Antonelli

Artista

Gianmaria Testa

Luogo

Teatro Dal Verme - Milano

Data

13.12.2011

Martedì 13 dicembre, Gianmaria Testa, l'ex ferroviere di Cuneo che scrive e canta poesia, ha fatto tappa a Milano con il suo tour di presentazione del nuovo album "Vitamia", per la precisione l'ha fatto nella bella cornice del Teatro Dal Verme, ultima di una serie di date italiane e giusto prima di tornare all'estero in Austria, Germania, Svizzera, Francia, paesi che hanno ormai imparato ad amarlo più di noi italiani, forse troppo presi dalle manovre o meglio dalle tasse del nuovo governo, giacché il teatro era pieno per metà ed è stato davvero un peccato perché di concerti così non se ne vedono tutti i giorni.

Prima di tutto perché Testa è sicuramente uno dei punti cardini dell'attuale canzone d'autore italiana, sebbene sia giunto alla pubblicazione del suo primo disco "Montgolfières" (per altro pubblicato con l'etichetta francese Label Blue) solo all'età di trentasette anni, ha saputo poi recuperare il tempo "perduto" pubblicando una serie di dischi notevoli, fino alla vittoria nel 2007 della Targa Tenco come "Migliore album in assoluto dell'anno" con l'album "Da questa parte del mare", bellissimo "concept" sul tema attualissimo dell'emigrazione.

Secondo validissimo motivo è che per l'occasione era accompagnato da un quintetto d'eccezione, quei musicisti che lo accompagnano ormai da tempo e con il quale ha un affiatamento meraviglioso, una vera delizia vederli all'opera sia in veste totalmente acustica sia in quella più elettrica, nuove sonorità piano piano introdotte da Testa nel suo ultimissimo lavoro.

Devo ammettere che vederlo suonare una fender stratocaster mi ha fatto un certo effetto e personalmente continuo a preferirlo nella veste più minimalista, anche la più estrema, proprio come quando solo voce e chitarra ha voluto dedicare una toccante "Ritals" al campo rom appena incendiato Torino, dopo aver prima spiegato che il termine "rital", insegnatogli dallo scomparso amico scrittore Jean-Claude Izzo, marsigliese ma di padre salernitano, ha un po' la stessa valenza dispregiativa del nostro "terrone" e sta a indicare quei francesi di origine italiana che neppure dopo anni di vita in Francia, riuscivano ancora a pronunciare correttamente la "r" francese.

E' però, evidentemente, solo una questione di gusti e non certo di qualità, sebbene Testa, nel presentare la canzone "Cordiali saluti", un funky che è una lettera di licenziamento ispirata all'omonimo libro di Andrea Bajani, romanzo in cui il protagonista vive giornate lavorative a scrivere lettere di licenziamento, guardando i colleghi "in esubero" che ripongono gli oggetti personali dentro piccole scatole e si avviano lentamente verso casa, ha voluto scherzare sul tema dicendo che dopo quel pezzo a esser licenziato come chitarrista elettrico sarebbe dovuto essere proprio lui.

Un Testa scherzoso e molto cordiale, che ha speso belle parole per presentare alcuni passi cruciali della sua scaletta, in cui ha sapientemente miscelato i pezzi nuovi ad altri provenienti dai dischi precedenti come "Polvere di gesso", brano applaudito sin dalle prime note.

Un altro momento clou è stato quello in cui ha illustrato la genesi di "Lele", una canzone del nuovo disco scritta trentacinque anni fa, ma pubblicata solo ora, ispirata alla triste vicenda letta allora in un breve trafiletto pubblicato da un giornale che si chiamava Gazzetta del Popolo, un bel titolo, anche se il giornale non era un granché aggiunge Testa, lì chi scriveva raccontava del suicidio di una madre evidenziando due aspetti, che la donna era meridionale (allora, ha spiegato Testa, molte erano le donne del sud che salivano nelle Langhe per sposare contadini per procura) e che il suo gesto non teneva in considerazione i figli che lasciava. La canzone ha poi spiegato, è rimasta lì tanti anni ma ora è diventata di un'attualità disarmante e le donne di oggi, soprattutto le tante emigranti giunte da ogni parte del mondo, ancor più di allora sono davvero l'anello forte della società, come ha ben scritto Nuto Revelli nel suo libro "L'anello forte", però come sempre sono anche quelle che subiscono maggiormente ogni momento complicato della società.

Società attuale già complessa di suo senza che ci sia la necessità di creare ulteriori falsi problemi, ma la stupidità umana non ha limiti spiega Testa in un altro momento del concerto, quando spiega "20 mila Leghe (in fondo al mare)", non certo una trasposizione del capolavoro di Jules Verne, bensì una filastrocca che narra di come, partendo dal Capo di Buona Speranza, i mari cominciarono a volersi dividere, fino ad arrivare alla separazione finale dei due atomi d'idrogeno da quello di ossigeno perché in maggioranza, la conseguente scomparsa dell'acqua e la fine del mondo.

Non c'è alcuna speranza allora per l'uomo di oggi? Forse si, quella di aggrapparsi ai sogni come speranze, come suggerisce "La giostra", giocosa e festosa canzone scelta da Testa per chiudere il suo concerto.

Il pubblico, anche se non numerosissimo, è però calorosissimo con lui che ricambia con un primo bis in cui esegue due bellissime canzoni "Come le onde del mare" tratta dal suo primo disco "Montgolfières" e "Come al cielo gli aeroplani" l'inedito brano contenuto nel suo precedente disco live "Solo dal vivo".

Poi, richiamato ancora una volta sul palco dagli interminabili applausi del pubblico, propone una canzone solo voce e chitarra, a suggello dell'intera intensa serata e come sincero augurio in un periodo davvero amaro sotto ogni punto di vista, in cui l'unica ricetta possibile forse, è quella di cercare di affrontare la profonda crisi in atto, attraverso la vicinanza, ecco allora la magnifica "Dentro la tasca di un qualunque mattino".

E' davvero la fine, resta il ricordo di un concerto impeccabile quanto emozionante, ma ciò che più conta è che la poesia in musica di Gianmaria Testa ha fatto breccia nei cuori di ognuno, una poesia piena di umanità.

Le foto sono gentilmente concesse da Paola Mombrini.

Musicisti

Gianmaria Testa: voce e chitarra

Roberto Cipelli: pianoforte

Giancarlo Bianchetti: chitarre

Claudio Dadone: chitarre

Nicola Negrini: contrabbasso e basso elettrico

Philippe Garcia: batteria

Links

Gianmaria Testa
Teatro Dal Verme

Paola Mombrini

Recensione CD “Sto bene” di Giorgia del Mese

2011-12-06T02:52:00.001-08:00

Giorgia del Mese: “Sto bene”

Se non milito, io canto!

di Fabio Antonelli

Giorgia del Mese, nativa di Avellino, ma da anni a Firenze, giunge al suo disco d’esordio “Sto bene” dopo un quinquennio d’importanti riconoscimenti, nel 2006 è migliore cantautrice al Premio Nazionale per cantautori “Scrivendo canzoni”, nel 2007 vince il premio “Personalità artistica” al Concorso Nazionale per cantautori “Premio Poggio Bustone” e il “Premio della critica” al concorso nazionale per cantautrici “Premio Bianca D’Aponte”. Nel 2009 vince il Premio Nazionale per cantautrici “Tra musica e parole” e i premi della critica e “Top One Comunication” al Premio Bianca D’Aponte”. Nel 2010 si aggiudica il premio “Migliore interpretazione” al Premio Bindi.

Si potrebbe quindi dedurre che il titolo del lavoro derivi da un certo stato di soddisfazione per quanto realizzato fino ad ora ma non è per niente così, perché ascoltando il disco, ci si accorge ben presto che il titolo è un eufemismo e in realtà è espressione di una calma solo apparente.

Si potrebbe dire che è uno “sto bene” con la condizionale, anche durante la sua ottima apparizione nell’edizione 2011 del Premio Tenco (è stata chiamata anche dagli organizzatori del Premio Tenco), Giorgia ha voluto precisare che la musica per lei è un po’ come una valvola di sfogo e che, è approdata al linguaggio della canzone d’autore, come conseguenza del suo non militare più attivamente in difesa di certi ideali, un’espressione che la accomuna un po’ a quel “io canto per non ammazzare / perché se non canto mi sparo” della canzone “Arte” di Alessio Lega.

Ecco allora che, quelle che a un ascolto superficiale potrebbero sembrare canzoni musicalmente assimilabili al miglior pop d’autore, di botto rivelano tutto un mondo interiore in fermento, che a volte sfocia nel sociale altre volte si limita, invece, a rivelare le proprie difficoltà a rapportarsi con le persone che ci vivono accanto e con la società più in generale.

In ogni caso Giorgia del Mese annovera nel suo bagaglio d’artista ben più di un pregio, primo fra tutti la voce, duttile e profonda, che a tratti mi ricorda per passionalità e soprattutto personalità, quella della scomparsa Mia Martini. Dimostra poi una grinta e un’energia straordinarie nell’interpretare le proprie personalissime creazioni, canzoni che oscillano continuamente tra la migliore canzone d’autore nel senso più stretto del termine, il pop, il rock, il tutto dentro una cifra stilistica unica e riconoscibilissima.

Quali invece i contenuti di queste dieci tracce?

Si parte con “Cattivo tempo”, brano già presentato al pubblico durante la sua prima apparizione al Premio Bianca D’Aponte e che rivela sicuramente il lato più personale di Giorgia, evidente qui è il senso di smarrimento “magari mi chiamo così mi rispondo / magari mi scrivo così mi racconto / magari mi specchio riconosco il mio tratto”.

Lo stesso vale per la splendida “Non starmi a sentire” dove il disagio è quello provato dentro un rapporto a due, descritto tramite un numero considerevole di metafore “Come fosse agosto /senza un temporale / Una coperta in piuma d’oca / e fa già un caldo da morire” in cui però l’amore aiuta a guardare oltre le difficoltà “Come un amaro che se c’è va bene / Ma basta tutto il resto / per saziarmi il cuore / Non mi cambi l’umore / no no no no / Non starmi a sentire“.

Dal carattere pulsante e ondivago, in parte rockeggiante in parte melodica, “Così così” è come fosse la sua carta d’identità e ci rivela non tanto i tratti somatici di Giorgia, quanto il suo modo di essere cantautrice “Io voglio volare senza chiedere scusa / La musica la musica / è cambiata e allora osa“ e lei osa, eccome, con grande personalità.

Un suo forte sospiro, come quello emesso da chi ha ormai superato la soglia della sopportazione, introduce, dopo tre canzoni molto tese e tirate, il brano “Niente da espiare” uno dei più efficaci dell’intero progetto. Meno teso dei precedenti, permette all’ascoltatore di riprendere un po’ il fiato, ma non più di tanto, perché Giorgia ci canta decisa “L’aria crepuscolare non la reggo più e urlo / Guarda attenta c’è un cane / Amore non c’è più niente da espiare”.

“Scusa”, con il suo incedere lento, è invece un’amara riflessione su un rapporto d’amore che vien da lontano, tra tante difficoltà, come accade spesso, ora, però c’è come una maggiore maturità, che porta così a una nuova importante consapevolezza “e chiedo scusa / e non è cosa da niente / chiedere scusa / come chi non si difende / chiedere scusa non cambia il resto di niente”.

La title-track “Sto bene” mostra invece il lato più sociale di Giorgia che parte pur sempre dal proprio io, ma è soprattutto la rabbia di fronte alle mille contraddizioni del nostro paese a emergere e con vigore “io do un nome alle cose / ma mi devo calmare / conviene stare distesi / inspirare e sperare” fino all’unica sua personalissima conclusione “è una cosa normale / anch’io mi sento normale / mi assento un attimo e mi assento / ma vi giuro sto bene”.

“Odio l’estate” vola leggera come tante canzoni estive e per un attimo mi riporta alla mente, forse per il titolo forse per le sue indubbie doti vocali, l’indimenticabile Giuni Russo di “Un’estate al mare”, ma Giorgia non ci sta a certi stereotipi radiofonici, al divertimento a tutti i costi e allora canta “Estate ma ho una vendetta / basterà aspettare / il cielo grigio / si dà meno arie / mi siedo piano / e aspetto un temporale”.

“Ad alta voce” è una canzone tesa che denuncia i soprusi fatti da chi indossa una divisa e lo fa vivendo il proprio ruolo ad alta voce “Io vivo ad alta voce / Per non farmi più assordare / E sparo prima / Di restarci troppo male” e allora autogiustifica quanto accaduto a un ragazzo di Ferrara così “E poi vedessi quei suoi occhi / Pieni di fuoco rosso / Per calmarlo è stata dura / Mica è colpa mia se è morto” e quello a un altro ragazzo di Torino così “Torino si sa / è un po’ particolare / E poi non stava tanto bene / Su quella ringhiera / Io l’ho spinto e lui è volato / E’ morto solo un poco prima”.

“Io parto” invece, compassata, quasi rassegnata, sembra proprio una resa, derivante da un’insoddisfazione, una noia legata a una situazione fatta di “parole pesanti pomeriggio interminabile / lento fastidioso verso già scritto”, è la fine di un rapporto “lascio chiavi amore e un portone, / parto senza fortuna, / lascio mani sottili e tenerezza per ore, / e chiari i suoi occhi come le sue idee inattaccabili, / lascio numeri spigoli e sbagli tu cercali”. C’è ineluttabilità nel finale “un pomeriggio così te lo dovevi aspettare”.

Sembrerebbe solo una rassegnazione momentanea, il disco sembra poi chiudersi all’insegna della speranza con quel senso di leggerezza derivante dal ritmo sudamericano di “Forte dei marmi”. La canzone, invece, ci descrive il viaggio verso il mare di due innamorati, non manca anche qui l’accenno al sociale “Ma si corre bene verso l’autostrada / Non c’è fila al seggio elettorale / L’astensionismo agevola / il tuo viaggio verso il mare”, ma quel che sembra un idilliaco viaggio d’amore, al secondo ingorgo stradale muta, “Scende il tuo sorriso / e sale il mio disagio” pensa lei e finalmente trova il coraggio per dirgli “Io non ti voglio più / non ti sopporto / Fai il finto modesto Finto Ma sia tutto tu / Io non ti ascolto più / Io non ti credo più / Dici no so’ nessuno / Ma sei così fiero / Sei buono solo tu”. E’ veramente la fine di un amore e non solo, è anche la fine di questo bel disco.

Già mi viene voglia di riascoltarmelo tutto e poi ancora e ancora, ben suonato, grazie anche all’ottima regia di Gianfilippo Boni, il disco non viene mai a noia, voce originalità e personalità sono un triduo vincente, brava Giorgia!

Giorgia del Mese

Sto bene

Pains Records - 2011

Acquistabile nei migliori negozi di dischi

Tracce

01. Cattivo tempo

02. Non starmi a sentire

03. Così così

04. Niente da espiare

05. Scusa

06. Sto bene

07. Odio l’estate

08. Ad alta voce

09. Parto

10. Forte dei marmi

Crediti

Giorgia del Mese: voce, cori (10)

Bernardo Baglioni: chitarre elettriche (1, 4, 5, 7, 8, 9), chitarre acustiche (5, 7, 8, 9)

Matteo Giannetti: basso (1)

Fabrizio Morganti: batteria (1, 7, 9)

Bruno Mariani: chitarre elettriche (2, 6), programmazione archi (2), chitarre acustiche (6), programmazioni ritmiche (6)

Marco Fontana: chitarre acustiche (2), cori (10), chitarra acustica (10), chitarra classica (10)

Lorenzo Forti: basso (2, 4, 5, 6, 8, 9), basso synth (3), basso (7), bassi (10)

Marco Barsanti: batteria (2)

Gianfilippo Boni: tastiere (2, 3, 4, 6, 7, 8), pianoforte (3, 4, 5, 6, 7, 9), rhodes (3, 4, 6), synth (3, 7, 8), programmazioni ritmiche (3, 4, 5, 10), chitarre acustiche (4, 5), archi (5), cori (10)

Paolo Amulfi: chitarre elettriche (3)

Alessandro Potini: batteria (8)

Davide Zilli: pianoforte (10)

Nicola Cellai: tromba (10)

Testi e musiche: Giorgia del Mese

Produzione artistica e arrangiamenti: Gianfilippo Boni (tranne “Non starmi a sentire” e “Sto bene” arrangiamenti Bruno Mariani)

Produzione esecutiva: Marco Pini

Registrato e mixato allo studio Paso Doble di Bagno a Ripoli da Gianfilippo Boni

Mastering: Tommy Bianchi al White Sound Studio

Fotografie: Mara Mezzopane

Art Design: Federica Ficarelli

Sito ufficiale di Giorgia del Mese: http://www.giorgiadelmese.it/

Giorgia del Mese su MySpace: www.myspace.com/giorgiadelmese

Recensione CD “Generi di conforto” di Folco Orselli

2011-11-30T00:41:00.001-08:00

Folco Orselli: “Generi di conforto”

Maledettamente bello, quasi fosse realizzato in 3D!

di Fabio Antonelli

“Le dieci tracce che compongono “Generi di conforto” hanno a mio parere le stesse caratteristiche del cioccolato, delle sigarette, di un cordiale sorseggiato quando fa freddo, di una coperta sotto cui addormentarsi, di un fuoco e di un abbraccio. Di conforto appunto”

Così lo stesso Folco Orselli definisce, nel comunicato stampa, il suo nuovo disco “Generi di conforto”, un disco autoprodotto per la sua neonata etichetta discografica Muso Records.

Come dargli torto, questo è un disco maledettamente bello, irrinunciabile. Ecco, se dovesse davvero arrivare la fine del mondo nel 2012, come previsto nella profezia dei Maya e mi dicessero, guarda puoi portarti con te solo una cinquantina di dischi, io a questo genere di conforto non rinuncerei.

Detto questo, ciò che più fa specie è, che un disco così ben realizzato, debba uscire come autoprodotto e che nessuna etichetta discografica di un certo livello possa essere stata interessata, ma questa è un’altra storia, torniamo al disco.

Cominciamo dal bel libretto che, dal punto di vista pittorico, in copertina e contro copertina vanta due splendide opere di Renzo Bergamo. La copertina è un ritratto di Folco, dipinto da Bergamo durante una delle loro, tante amichevoli sedute spese a parlare della vita e, l’altra, è un’opera gentilmente concessa dall’Archivio Renzo Bergamo, per gentile concessione di Caterina Arancia Bergamo, moglie del pittore.

Non possiamo però fermarci al pur bell’involucro, perché è il contenuto a rendere unico questo disco.

Mi concedo però ancora qualche premessa. Il disco ha una genesi piuttosto particolare, è stato pensato e scritto interamente in un trullo vicino a Martina Franca, qui Folco e Vincenzo Messina, arrangiatore e co-produttore del disco, si sono rifugiati per scrivere questi dieci brani, dando libero sfogo alla loro creatività, che ha così partorito arrangiamenti straordinari, pensati per sfruttare al meglio la capacità di creare magiche atmosfere, piccole sfumature che solo un’orchestra d’archi può avere. Si, perché occorre dire che, malgrado si tratti di un’autoproduzione, Folco non s’è fatto mancare nulla e per la realizzazione di questo disco s'è avvalso anche dell’Orchestra Cantelli, cinque primi violini, quattro secondi violini, quattro viole, due violoncelli e un contrabbasso che, guidati da Vincenzo Messina, hanno distribuito con generosità pennellate di colore, lampi di luce, zone d’ombra, realizzando un lavoro prezioso.

La macchina sonora ha poi visto all’opera ottimi musicisti, per lo più di matrice jazz, come Stefano Bagnoli alla batteria, Marco Ricci al contrabbasso, Giorgio Secco alle chitarre, Pepe Ragonese e Daniele Moretto alle trombe, Luciano Macchia al trombone, Valentino Finoli al sax, senza dimenticare lo stesso Vincenzo Messina che vanta un passato e un presente di collaborazioni con Zucchero, Renga, Terence Trent D'Arby e che, in questo progetto, si è destreggiato tra hammond, piano e programmazioni.

Non siamo però ancora giunti al nocciolo della questione, perché a rendere in qualche modo straordinario questo disco, non è tanto il corollario, bensì la manciata di canzoni, dieci per la precisione, che lo compongono.

Canzoni nate da questa premessa, come scrive ancora Folco:

“È possibile ricreare su un disco la commozione trasportata che ci coglie quando, seduti in un cinema, veniamo coinvolti dalla trama e dai personaggi immedesimandoci in loro, partecipando alle loro gioie e ai loro drammi con il solo ausilio di musica e parole e, quindi senza immagini? È possibile scrivere canzoni partendo dalla “visione”, cercando di creare intorno all’ascoltatore un paesaggio visivo attraverso l’uso di un’orchestra d’archi? Musica come colonna sonora cinematografica al testo?”

Folgorato sin dal primo ascolto, dopo un crescendo continuo di piacere ai successivi passaggi, direi che tutto ciò è stato possibile e si è realizzato in questo disco, in cui le musiche hanno una valenza unica, una forza evocativa straordinaria che suggerisce, che sottolinea, che svela e cela continuamente, in un gioco di rimandi.

Tutto s’incastra alla perfezione in questo mondo visivo e visionario al tempo stesso, ma tutto questo è stato possibile grazie anche alla presenza di testi che, rispetto al passato, hanno abbandonato totalmente forme limitative come il bozzetto o la caricatura, per farsi invece pienamente maturi, riflessivi.

La stessa voce di Folco è si calda ma mai forzata come spesso gli accadeva nei precedenti lavori. Da questo punto di vista direi che l’ombra di Tom Waits s’è totalmente diradata e ne è uscito il vero volto di Folco, quello di grande e raffinato chansonnier.

Non sarà certo un caso se, nel 2008, Folco Orselli s’è aggiudicato, unico nella storia del Musicultura, a vincere tre differenti e importanti premi contemporaneamente nella stessa edizione, il “Premio della Critica”, quello di “Miglior Testo” e di “Vincitore Assoluto votato dal pubblico” con il brano “L’amore ci sorprende”.

A questo punto però, vi starete chiedendo, bello tutto ciò, ma le canzoni?

Mi verrebbe voglia di non dire nulla e lasciare a ognuno il piacere di scoprirle, una a una, perché qui non c’è proprio nulla da buttare e il preferire una canzone piuttosto che un’altra è solo questione di gusti personali.

Mi limiterò ad alcune suggestioni, perché come si può restare, ad esempio, indifferenti al suntuoso incedere della prima traccia, “In caccia di te”, una grande canzone d’amore, che si apre con tanto di rullo di gran cassa seguito dall’orchestra d’archi a disegnare una magica e sognante melodia, fino alla pausa e l’entrata della calda voce di Folco a cantare questi versi “In caccia di te / tradotta in qualche lingua / che a volte scusa ma / io non comprendo / è inutile spigarmi il verso / non sembra appartenere a te questa rima”, il tutto sopra un tappeto di fiati. Migliore inizio non poteva esserci.

Sublime, direi molto anni ’40-’50, “In equilibrio (cadendo nel blues)” mi ricorda lo stile di Lionel Hampton, non ha una nota fuori posto, tutto è in equilibrio come sospeso su un filo. Mirabile l’inizio “E se, e noi / era per ieri e non, / per ora, per sempre / solo per domani” così come la conclusione “Ma se, se noi / riusciamo a dirci che / non è adesso qui il nostro destino / che nella solitudine / si riesce a percepire che / più siam lotani e più siamo vicini”. Tutta la fragilità e la forza dell’amore nel medesimo istante. Fantastica la presenza “vibrante” dell’hammond di Messina.

Un po’ tex-mex, “Dubbi” lascia indubbiamente più spazio ai fiati e alle chitarre. Da annotarsi questo passaggio “Alla mia sete porterò / un piatto caldo da mangiare / e alla mia fame poi darò / un otre intero da cui bere”. Difficile nella vita far combaciare sogni e realtà.

“La ballata di piazzale Maciachini” è un azzardo, il voler dimostrare che anche da un insignificante posto della periferia di Milano (la città di Folco), se guardato con occhi diversi, in questo caso quelli davvero sensibili di Folco, è possibile trarre bellezza e poesia. Davvero sugli scudi l’hammond, la sezione fiati e quella ritmica costituita da batteria e contrabbasso. E’ forse l’unico episodio del disco che, per stile, ricorda un po’ il passato di Folco, resta il fatto che è suonato divinamente.

Con “La ballata del Paolone” si torna al versante più intimista, quello forse più congeniale a Folco, anche se non manca qualche sprazzo, seppur brevissimo, davvero brioso e spumeggiante all’interno di questo brano che racconta la storia di un barbone e del suo grande amore per Marisa. La donna, anche lei una barbona “adesso è innamorata del barone / lu ch’el ga pusé del can che del cristian”, ma poi finalmente tornerà da lui “Tu tornerai per dormire nei vagoni / tornerai per questa vita da barboni / tanto un giorno in quella vita dei signori / scoprirai che erano i tuoi i più bei tesori”. Commovente.

“Balla” è l’episodio più folk blues del disco, le chitarre elettriche primeggiano pur restando morbide e suadenti, l’amore si fa passionale ma anche pieno di speranza “E quando l’aria sarà dura / e le tue guance bagnate / sulle paure gira la tua gonna / saranno dimenticate / Balla che sei diversa / hai il sapore del sole”. Trainante.

“Si alzano le code delle giacche / sotto questo vento che ci sbatte / sfoglia lascia nudi senza foglia / in quell’attimo di pace che rimane”, con questi versi si apre invece “Macaria” e, dopo le note interlocutorie del pianoforte, è già magia. Splendida l’atmosfera quasi sospesa di questo brano che racconta del desiderio di sognare, di volare, viaggiare senza meta per tornare e raccontare “Vecchie storie di balle marinaie / che son vere e che ci puoi giurare”.

“Storia della morte e del suo amore”, a tratti epica, a tratti straziante, quasi morriconiana nel suo lento e maestoso incedere, è il magnifico e poetico racconto dell’incontro tra la morte e un giovane del quale s’innamora ma che, ovviamente, poiché morte, non potrà mai amare “No l’amore no / lasciami andare / che morte sono e non potrò mai amare / No l’amore / non posso fare / che mai provai nessun più gran dolore”. Superlativo!

Folle come lo è in fondo, umanamente pensando, la morte, è “Inno alla follia”, un pezzo che si regge su una scrittura musicale e degli arrangiamenti che sono a dire il vero anch’essi folli ma che, come in una magica alchimia, funzionano alla perfezione. C’è pathos, c’è lucida follia, c’è tutta l’umanità dell’affrontare il baratro del nulla dopo la morte “Oh che gioia / ma dove porterà / questo calor che interno mi divora / fino alla cenere / dell’immortalità”.

Bellissimo, infine, il conclusivo “Manila”, lento, ricco di suggestioni, il racconto di un amore che è stato e non è più, rovinato dai pettegolezzi, dalle cattiverie gratuite. Bellissima è la conclusione, quel voler superare ogni difficoltà, quel passaggio dall’essere due individui all’essere un solo noi “Ma il tuo ricordo lo tengo nel cuore e non me lo ruberanno mai / La tua collana la porto sul cuore e non me lo ruberanno mai / il nostro amore lo tengo nel cuore e non me lo ruberanno mai / non ci ruberanno mai”.

Lo solo, le mie dovevano essere solo piccole suggestioni, ma è difficile trattenersi quando capita tra le mani un disco capace di far sussultare il cuore, di far vivere emozioni profonde e sincere.

Ecco, ciò che più apprezzo di questo disco è proprio la sincerità d’intenti, non c’è mai la volontà di voler stupire a tutti costi, semmai il desiderio di comunicare le emozioni vissute dall’autore stesso attraverso altri canali, in questo caso il cinema. Se l’intento era questo, direi che il risultato è superlativo, perché in più passaggi si ha proprio l’impressione di essere immersi in un film, si potrebbe quasi parlare di musica in 3D, dove la terza dimensione è quell’immaginario visivo che si genera nell’ascoltare questi dieci brani.

Non lasciatevelo sfuggire!

Folco Orselli

Generi di conforto

Muso Records/Venus - 2011

Nei migliori negozi di dischi

Tracce

01. In caccia di te

02. In equilibrio (cadendo nel blues)

03. Dubbi

04. La ballata di piazzale Maciachini

05. La ballata del Paolone

06. Balla

07. Macaria

08. Storia della morte e del suo amore

09. Inno alla follia

10. Manila

Crediti

Folco Orselli: voce, piano, chitarra

Vincenzo Messina: Hammond, piano, chitarra e programmazioni

Giorgio Secco: chitarra acustica, chitarra elettrica

Stefano Bagnoli: batteria

Marco Ricci: contrabbasso

Pepe Ragonese: tromba

Daniele Moretto: tromba, flicorno, corno

Luciano Macchia: trombone

Valentino Finoli: sax tenore, sax alto

Orchestra d’archi

Primi violini: Dimitri Chichlo, Giulia Bizzi, Livia Hagu, Marcello Jaconetti, Andrea Pellegrini
Secondi violini: Ornella Cullaciati, Donata Begiora, Christine Champlon, Fabrizio Francia
Viole: Irina Balta, Elisabetta Danelli, Simona Guerini, Valentina Soncini
Violoncelli: Claudio Giacomazzi, Antonio Patetti
Contrabbasso: Luca Bandini

Testi e musica di Folco Orselli

Produzione artistica: Vincenzo Messina e Folco Orselli

Produzione esecutiva: Fulvio Orselli

Arrangiamenti orchestrazione e conduzione: Vincenzo Messina

Adattamento organico orchestra: Adriana Ester Gallo

Registrato e mixato da Matteo Agosti al Frequenze Studio di Monza

Assistente di studio: Michele Marino Gallina

Masterizzato da Giovanni Versari allo Studio La Maestà di Tredozio

Orchestra registrata all’Elfo Studio di Piacenza

Art Director: Alberto Tandoi

Le foto interne sono di Max Volontè

Sito ufficiale di Folco Orselli: http://www.folcoorselli.it/

Folco Orselli su MySpace: www.myspace.com/folcoorselli